MisComis

Marvel Boy de Grant Morrison y J.G Jones.

2012-01-23T19:22:00.001+01:00

No se prodigó en exceso Grant Morrison durante sus etapa marvelita de comienzos de siglo. Dentro de su trabajo para la antigua Casa de las Ideas en aquellos años, cabe destacar esta miniserie que tenía toda la pinta de ser algo mucho más grande de lo que pudo llegar a verse.

La llegada de Grant Morrison a Marvel fue en su momento un autentico impacto. Uno de los guionistas más relevantes, (si no el que más) de la Distinguida Competencia se unía a la nueva Marvel de Joe Quesada. Una Marvel que con el guionista de Los Invisibles parecía realmente más nueva que nunca. Su llegada hay que contextualizarla en plena época “Vertigo” de Marvel: sus dos principales franquicias por entonces (X-Men y Spiderman) llevaban mucho tiempo en continuas crisis creativas y en el caso del lanzarredes de ventas. El dúo Bill Jemas-Joe Quesada decidió apostar fuerte por la figura del “autor” otorgando plena (dentro de lo que cabe) libertad creativa a guionistas que uno nunca hubiera esperado ver en Marvel. Así JMS llego a Spider-man y Morrison los hizo a los X-Men. El peaje de todo esto fue la momentánea destrucción de la idea de universo compartido y de continuidad, pero eso es otra historia.

Habiendo relanzado con espectacular éxito a la JLA y con el prestigio de ser un autentico “autor” por sus obras en el sello Vertigo, el proyecto estrella de Morrison en Marvel fue sin duda New X-Men, la serie que consiguió hacer suya como ningún guionista después ha podido. Sin embargo el proyecto más querido por Morrison, el centro de lo que quería construir en el Universo Marvel pasaba por Marvel Boy, una miniserie de seis números para el sello Marvel Knights con dibujos del hiperrealista J. G Jones.

Dentro de la obra del escoces y pese a su concecpicón como cómic fundamentalmente de acción y espectacular, Marvel Boy enlaza, por conceptos e ideas, más con su Doom Patrol que no con su JLA o incluso sus X-Men. La miniserie narra la llegada a la Tierra de un exiliado kree de otra realidad alternativa que tras ver como asesinaban a toda su tripulación decide vengarse. La historia esta llena de conceptos morrisonianos, desde una mega corporación viviente que se expande a modo de virus, hasta la actitud rebelde y desafiante de Marvel Boy el protagonista, capaz de escribir con letras de fuego gigantes en mitad de New York “Fuck you”. Marvel Boy se nos dibujaba como un autentico rebelde, dotado de un particular sentido del honor que le hacía comportarse en ocasiones como una figura heroica clásica, pero que con la arrogancia propia de la juventud cree saber que es lo mejor para el planeta Tierra y estaba dispuesto a dárselo....aunque sus habitantes no lo deseen.

Concebida a modo de blockbuster con tintes filosóficos, Marvel Boy sacaba el máximo partido posible a la narrativa cinematográfica y espectacular de J.G. Jones cuya labor de marcado corte realista contrastaba con lo lisérgico y desbordante del guión de Morrison, creando una curiosa pero efectiva combinación. La miniserie que tenía un complejo enganche dentro de la continuidad marvelita no es desde luego el tipo de cómic que uno espera leer en Marvel. Desbordante de ideas y con multitud de planes de cara al futuro (el final es abierto con Marvel Boy encerrado y aparentemente derrotado, la última viñeta supone una directa mirada a la cara del lector con un “bienvenidos a la capital del nuevo Imperio Kree”). La cosa no tuvo continuidad debido a la abrupta salida de Morrison de Marvel, condicionado por un enfrentamiento con Quesada del que aún hoy se desconocen los detalles, pero todo apuntaba a que el guionista de All Star Superman tenía mucho planes para el personaje.

Con el paso del tiempo sería Bendis quien retomaría a Marvel Boy para sus Nuevos Vengadores (tras su breve paso por la miniserie Runaways/Jóvenes Vengadores). Incapaz de manejar el torrente de ideas puramente morrisonianas que se derivan de la miniserie original, Bendis opta por domesticar el personaje, transformadolo de rebelde, inconformista con una causa por la que luchar, a ingenuo alienígena fácilmente manipulable. La convencionalización del personaje sirve sin duda para hacerlo mucho más manejable, peor también le quita toda la magia, todo aquello que le hacían algo especial, La presencia de Marvel Boy en Los Vengadores resulta así, redundante (no aporta nada nuevo en un universo de ficción plagado de personajes parecidos) y por tanto innecesaria. Tal vez hubiera sido mejor dejarlo apartado de la corriente central del Universo Marvel y tratarlo como lo que fue: una excentricidad de un autor especial, que creo un personaje nuevo y diferente en el anquilosado panorama del Universo Marvel. Un personaje inquieto, lleno de rebeldía y con ganas de hacer las cosas a su manera, no desde luego un ser domesticado que sigue las ordenes de los grandes popes marvelitas sin apenas cuestionarse sus motivos.

La Novela Gráfica de Santiago García.

2012-01-17T23:12:00.000+01:00

Tenía bastantes ganas de leer este libro, hasta ahora por unas circunstancias u otras no había podido hacerlo. Terminada su lectura estas son mis impresiones.

El libro en su mayor parte es una descripción histórica de la evolución del cómic y de como este ha terminado llegado hasta la actual novela gráfica. Visión historicista realizada así desde el punto de vista del cómic adulto y de autor. A lo largo del ensayo, prolijo en fechas y detalles el autor aprovecha para ir sembrando aquí y allá los distintos elementos que sirven como antecedentes de lo que él considerará más adelante novela gráfica.

El autor defiende la novela gráfica como una realidad (una tradición según sus palabras) nueva, transnacional, que va más allá de las tres grandes escuelas tradicionales del cómic: la europea (fundamentalmente francesas), la americana y la japonesa a las que supera en su afán de trascender el mero entrenamiento de masas de clara vocación juvenil. Señala que antes de la novela gráfica el cómic como medio (no como forma artística, elementos aquí diferenciados) estaba siendo derrotado en la batalla por el público de masas por otros medios como la televisión en su momento, internet o los videojuegos ahora. Pone como ejemplo de ello las paupérrimas ventas de los cómics de superhéroes actuales (aquí habría que ver que pasa con las ventas de cosas como Naruto o Asterix que no se señalan en el ensayo, a lo mejor es que así no encajaban las piezas de la misma manera). Siempre según el autor, la llegada de la novela gráfica ha permitido poner en valor el cómic como forma artística, como un territorio aún por explorar, en el que son los autores quienes por encima de todo condicionan forma y fondo de aquello que crean. Así la novela gráfica aparece asociado más a una idea, una forma nueva de entender el cómic, que no a un formato o a una temática concreta.

Un poco etéreo y difuso todo, sin embargo más allá de las conclusiones del guionista de “El Vecino” si se detectan en el libro una serie de elementos comunes dentro de lo que se ha venido a llamar novela gráfica: la ya mencionado primacía del autor por encima de todas las cosas, el ser obras dirigidas a un público adulto, el no tener nada que ver con ningún género y el estar en la medida de lo posible alejado de grandes editoriales, elementos estos dos últimos matizables y es en estos matizes donde empieza la confusión.

El propio autor habla de la existencia de posibles híbridos (Omega, el desconocido editado ni más ni menos que por Marvel) y señala como dos de los antecedentes de la realidad actual a DK y a Watchmen (el otro sería Maus). Aquí es donde me choca más el discurso ¿DK y Watchmen eran cómics donde el autor/es estaba por encima de todo, obras dirigidas a adultos y que incluso pueden transcender el género? Puede ser, pero entonces, ¿que pasa con Born Again, que pasa con La última cacería de Kraven? Surgen más preguntas, por un lado esta el tema del sello Vertigo (desdeñado en dos líneas por el autor), ¿donde encaja en todo esto el Sin City de Frank Miller por ejemplo? ¿por que unas si son novelas gráficas y otras no? No termino de ver un criterio claro de que es y que no es una novela gráfica más allá de la opinión del autor, y ese es tal vez el principal problema que he tenido con este libro. Los argumentos se retuercen para señalar que es y que no es una novela gráfica. Como quien reparte regalos el autor señala con el dedo lo que pertenece o no a esta nueva tradición sin aclarar los motivos generales o comunes que le llevan a hacerlo, lo que bajo mi punto de vista termina reduciéndola a mero formato ya que por el momento parece ser el único elemento común (pese a que también se señalan excepciones en este ámbito).

Por otro lado me ha llamado mucho la atención el uso reiterado del concepto “autores serios”, diciendo que hasta la llegada de la novela gráfica los autores serios no podían hacer tal o cual cosa, que si los autores serios no tenían otra salida que tal o cual. He de reconocer que no me gustado demasiado: por un lado por oposición a autores serios los que se dedican todavía al género que son ¿“autores de broma”?, por otro ¿es que acaso desde el género (desde cualquier género) no se pueden tratar temas serios? Porque es algo que se viene haciendo desde siempre, en el cómic y fuera del cómic. Parece que, como el cine español en su momento con el famoso decreto Miró, ahora que el cómic ha crecido y ha alcanzado cierto grado de respetabilidad hay que desterrar los géneros que no son cosa “seria”.

En fin la lectura del libro no me ha terminado de aclarar que se entiende por novela gráfica más allá del formato. Creo que en mayor o menor medida cómics de autor (de genero o no) lo ha habido siempre y que ahora tal vez el autor haya ganado aún más fuerza, lo que me parece genial, pero no esencialmente novedoso. Incluso a lo largo de la amplia descripción histórica que se hace en el libro, se habla de los comix underground o de los independientes, que como allí mismo se señala eran cómics dirigidos a adultos y con libertad autoral. No veo la diferencia entre estos y la novela gráfica, más allá del formato y menos si dentro de la novela gráfica se incluye a Watchmen y DK. Entonces si que no entiendo nada.

“Mis comis” del 2011 II.

2012-01-13T08:05:00.049+01:00

Segunda y ultima parte de la serie de post dedicados a lo mejor que he leído en 2011 en el ámbito del cómic. No creo que haya demasiadas sorpresas pero haya va.

5.- Nemesis de Mark Millar y Steve McNiven (Panini-Icon/Marvel).- No soy demasiado fan de Mark Millar o por lo menos del Millar postAuthority. En general tengo la impresión de que su obra busca ser cool antes que interesante, que fuerza situaciones y personajes para hacerlo todo lo más molón posible y que muchas veces en el proceso se olvida de construir una historia minimamente interesante. Otro tema es su tendencia a los “homenajes” que en no pocas ocasiones no son si no plagio. Tampoco me gusta demasiado McNiven, estático y plano sus dibujo no me transmite nada y creo que es un pésimo narrador. En fin que no las tenía todas conmigo con este Nemesis y menos tras la agresiva y algo estúpida campaña publicitaria de Millar. Hete aquí que la vida a veces te da sorpresas y este ha sido el caso de Nemesis que más allá de la ultraviolencia desmedida (nada comprado con el último tomo de Invencible por otro lado) y de la actitud cool de todo la obra, lo cierto es que tiene diversas lecturas y más en el mundo que nos ha tocado vivir donde son los psicópatas los que parecen gobernarnos. Millar es un gran guionista y lo ha demostrado muchas veces, creo que en ocasiones su actitud a la hora de enfocar sus guiones le hacen perderse, por contra en otras ocasiones de ahí consigue hacer fluir su talento y salen cosas como Nemesis sin duda una lectura más que interesante. Eso si McNiven sigue sin gustarme.

4.- Scalped: Has de pecar para salvarte de Jason Aaron, R.M Guéra y otros (Pda-Vertigo/DC).- Noir en la reserva. Aaron y Guéra llevan ya tanto tiempo a un nivel tan alto que a veces parece redundante cantar sus alabanzas. Pero no lo es, por supuesto que no lo es. El sello Vertigo que últimamente parece de capa caída tiene en esta historia rió de la que pronto llegara el final uno de los últimos exponentes de la calidad de la que antaño fue sinónimo. Una historia cruel y desesperanzada, a la que se le adivina un final cruel y desesperanzado y que es una clara muestra más de la miopía de la editorial DC. Con un talento como Aaron trabajando para ellos dejan que se vaya a Marvel donde claro esta siendo uno de sus guionistas más relevantes. Les quedara al menos el consuelo de que su mejor obra (hasta ahora) sigue siendo esta Scalped que poco a poco va llegando a su fin.

3.- Joe el bárbaro de Grant Morrison y Sean Murphy (Pda-Vertigo/DC).- Puede que Joe el bárbaro haya de ser considerada una obra menor dentro de la trayectoria de Grant Morrison, puede, pero no es desde luego lo que un servidor piensa. El guionista que lleva ya varios años en un momento dulce (All Star Superman, Los Siete Soldados de la Victoria, Crisis Final o su prolongada etapa en Batman son un claro ejemplo de ello), aborda aquí por primera vez (al menos en su aspecto más puro) el género fantástico y lo hace con una visión posmoderna que por un lado cuestiona todos sus tópicos y por otro lado los enaltece para crear una historia llena de magia en la que realidad y ficción se mezclan con acierto e inteligencia. Una obra que desprende maravilla de principio a fin. Le falta quizá algo de épica, lo que se ve compensado por el elegante y espectacular (a veces eso si, algo confuso) dibujo de Sean Murphy, artista al que desconocía antes de esta obra y que sin duda ahora será un talento a seguir.

2.- Cerebus: Iglesia y Estado de Dave Sim y Gerhard (Ponte Mon-Aardvark-Vanaheim).- Dos tomos han caído este año de Cerebus conformado el díptico de Iglesia y Estado y los dos han sido magníficos. Mucho más accesible el primero de ellos, más complejo y duro el segundo los dos conforman una ácida visión acerca de la religión institucionalizada y sus relaciones con el poder secular, todo ello aderezado con parodias del género superheróico (no solo) y una interesante reflexión cercana al agnosticismo sobre la Dios y sus supuestos representas en la Tierra. Si a este añadimos los experimentos formales de Sim que completan una de las obras visualmente más estimulantes que un servidor haya podido catar tenemos como resultado uno de los indiscutibles cómics del año.

1.- Batman de Morrison y otros (Pda-DC).- Este año se ha completado Batman y Robin, El Regreso de Bruce Wayne y el capitulo perdido de RIP a la vez que hemos asistido a una suerte de prologo de lo que nos espera en Batman Inc. El complejo puzzle que ha ido tejiendo Morrison desde que inicio su ya larga (e interrumpida, otra de las consecuencias del reboot) etapa en el hombre murciélago y que ha terminado encajando de manera ejemplar abriendo lo que se adivinaba como un futuro esplendoroso pata el cruzado de la capa. La sola idea de Inc (un grupo internacional de justicieros financiado y entrenado por Batman que ha decido por fin llevar su guerra contra el crimen a otro nivel) es brillante, pero el modo en el que hemos llegado a ese punto es toda una cátedra sobre como hacer propio un personaje septuagenario sin traicionarlo en el proceso. Si a esto añadimos que toda esta etapa se circunscribe en la idea de Morrison de recuperar un luz que los héroes nunca debieron perder, tenemos la clara muestra de que aun se pueden hacer cosas nuevas, diferentes y osadas en la vertiente más industrializada del género. Por desgracia no todo el mundo tiene el talento y la ambición de un gigante como Grant Morrison.

“Mis comis” del 2011 I.

2012-01-09T08:05:00.037+01:00

Completada ya las lecturas de todo lo que me quedaba pendiente del año pasado llega la hora de hacer el tradicional top con las mejores novedades leídas a lo largo del 2011 recién terminado. Este año al contrario que el anterior he leído muchas menos cosas diferentes a lo que normalmente suelo leer. Y eso que obras como “El Héroe” de David Rubin, “Toxic” de Charles Burns o “Pagando por ello” de Chester Brown han captado mi atención, aunque finalmente, y ante la avalancha de reediciones que han caído este año (espectacular en este aspecto) no he terminado por pillarlos, algo que en todo caso no descarto hacer en un futuro. Así las cosas y como decía me ha salido un año bastante más “convencional” en lo que a mis lecturas se refiere, sobre todo si lo comparo con el 2010. Sin más la primera parte del top:

10.- Invencible: Todavía en pie de Rober Kirkman y Ryan Ottley (Dolmen/Aleta-Image): Ya solo por el primer tebeo que incluye el tomo merece esta aquí: un megaevento superheróico con todo el universo Image implicado contenido en una única y espectacular grapa. Pero es que el resto del tomo no esta nada mal con una combate hiperviolento donde Ottley, que no se corta un pelo, demuestra que puede dibujar lo que le da la gana. Espectacular y revelador.

9.- Incógnito: Mala influencias de EdBrubaker y Sean Philips (Panini-Marvel/Icon): Con una querencia mucho más fuerte por el genero negro que por el de espiás, donde el argumento de un infiltrado en una organización criminal podría encajar más. Incógnito tiene, aún más si cabe que Criminal, que luchar contra la alargada sombra de Sleeper, esa maravilla de Brubaker y Philips perpetraran hace ya unos años y que sigue siendo la piedra de toque de todas sus colaboraciones. Incógnito que recuerda claramente a Sleeper pero al revés, es en todo caso un gran cómic, cargado de tensión, buenos personajes y ese dibujo feista pero lleno de fuerza de Philips que tan bien sienta a este tipo de cómics.

8.- The Boys: El Afable Escocés de Garth Ennis y John McCrea (Norma/Dynamite): The Boys va poco a poco tornándose en uno de los trabajos más interesantes del Ennis y este tomo es un claro ejemplo de ello. Y es que en esta miniserie sobre Hughie, el más humano de los excéntricos personajes que pueblan The Boys podemos encontrar los principales estilemas del guionista irlandés. El humor negro de tono grueso pero efectivo, la amistad, las complejas relaciones de pareja, la lealtad....son todos elementos característicos de la obra de un autor que en The Boys esta trascendiendo poco a poco su origen como parodia salvaje de los superhéroes. Deseando estoy ya el siguiente tomo.

7.- Astonishing Spider-man & Wolverine de Jason Aaron y Adam Kubert (Panini/Marvel): Son varios los autores que en los últimos años han intentado revindicar el lado más luminoso de los superhéroes, que han intentado recuperar el sentido de la maravilla, la aventura por la aventura, aquella magia original que los convirtió en iconos mundiales. Ya en los 90 obras como Marvels, Kingdome Come o el Flash de Mark Waid revindicaron ese espíritu y parecieron tener éxito hasta la revolución que supuso The Authority, probablemente el cómic de superhéroes más influyente del nuevo siglo. De unos años a esta parte y sobre todo a raíz de la seminal All Star Superman esta tendencia esta resurgiendo y este Astonishing Spider-man and Wolverine es uno de sus mejores exponentes. Una miniserie con dos autores hot y protagonizada por los dos personajes más famosos de Marvel tenía toda las papeletas para tornarse en el típico producto comercial, de nula trascendía y calidad cuestionable. Por suerte Aaron sabe llevar el cómic a sus terreno y con un Kubert pletórico elabora una historia que recupera la magia, la esencia de lo que hizo grandes a los superhéroes donde el único limite es la imaginación. Una de las sorpresas más inesperadas del año.

6.- Astro City: Estrellas Resplandecientes de Kurt Busiek, Alex Ross y Brent Anderson (Norma/ Wildstorm/DC): Si solo hubiera de tener en cuenta las dos primeras historia que contiene este tomo sin duda debería estar mucho más arriba en el top, pero claro en el tomo hay otras dos historias que si estuviera aisladas no estarían ni en broma por aquí. Astro City que empezó mostrando la otra cara de los superhéroes a través de momentos concretos de sus vida más allá de sus hazañas heroicas ha acabado con los mismos problemas de endogamia que los Universos de Marvel o DC. Sin embargo tanto “Infiel” como “Belleza” captan a la perfección ese espíritu original de la serie siendo además dos de sus mejores ejemplos, tanto como la historia del Agente de Plata demuestra en lo que se ha terminado convirtiendo el proyecto. Un tomo que además de por la calidad de sus dos primeras historias destaca por servir de muestra clara de lo mejor y lo peor de la colección.

Mundo editorial, un año por delante y III: El resto de editoriales.

2012-01-06T08:05:00.036+01:00

Culmino este somero repaso al mundo editorial y mis impresiones sobre el mismo de cara a este 2012, hoy con el resto de editoriales con especial hincapié en Norma Editorial y en esa incógnita en la que se ha transformado Pda.

Sin duda una de las principales incógnitas del mundo editorial del próximo año la representa Pda. Sin Marvel o DC y pese a contar con jugosas licencias, uno no termina de ver claro cual es el camino que va a tomar la editorial. La verdad es que tampoco ayuda el volumen de novedades ya anunciado para los tres primeros meses que siendo generosos es escaso y aunque si bien es verdad que cosas como Conan, Dragon Ball o los Muertos Vivientes son licencias espectaculares no es menos cierto que no ofrecen las múltiples posibilidades de publicación que universos de ficción del calado de Marvel o DC. Además algunos de sus principales productos ya están muy explotados y se hace difícil ver como van a a sacarle más partido. Se rumorea que de cara Abril/Mayo se prepara una gran sorpresa, pero no se me ocurre ni de lejos lo que puede ser. En cualquier caso y aún con todos sus defectos Pda es una editorial señera en esto de los cómics y esperemos que durante 2012 encuentre su camino, aunque por lo visto en los tres primeros meses la cosa no termina de tener buena pinta.

Otro caso es el de Norma, la desaparición del sello Wildstorm y su fusión con el Universo DC les ha dejado sin una licencia que han explotado bastante bien (lastima que no llegaran a sacar los, por otro lado inconclusos, WildCats de Joey Casey) ahí están si no los tres megatochales que ha sacado a finales de año como una especia de traca de despedida. Pese a todo la perdida no se antoja tan grande como lo fue en su día la de Marvel para Pda o más recientemente la de DC (cuya perdida tampoco fue traumática para la propia Norma). Dentro del ámbito del cómic USA conserva licencias poderosas como la sobreexplotada Sin City (¿podrán darle aún otra vuelta de tuerca?), Hellboy y su mundo, Buffy o cosas tan interesantes y de culto como American Flagg o Nexus. A esto se añade que tiene varios mangas de los más llamativos y alguno de los cómic europeos más interesantes del momento, así que si Pda aparece como incógnita con la perdida de DC, Norma no parece que vaya a sufrir demasiado con la de Wildstorm.

Pasando al resto de las editoriales el caso más llamativo es el de Glenat, que independizada de la casa matriz francesa y conservando algunos de sus productos estrella, parece que va a seguir con su apuesta por el manga (donde tiene varias de las licencias más jugosas, ahí están las nuevas ediciones de Ramma ½ o Los Caballeros del Zodiaco), la recuperación de clásicos del tebeo español y algún que otro cómic americano bastante llamativo proveniente sobre todo de la independiente Avatar Press que ha contado con talentos como Garth Ennis o Warren Ellis. Este 2012 se adivina como un año importante para ellos, esperemos que le vaya bien. Es de esperar que Ponet Mon siga adelante con la publicación de Cerebus y a ver si con algo de suerte este año caen otros dos tomos. Más allá de esto de editoriales como Astiberri (a ver si sale el segundo tomo de Rasl, el primero me pareció muy interesante), La Cúpula (algún día me tengo que poner con Crumb y supongo que pillare lo que saquen de Bagge, del que estaría bien que sacaran un tomo recopilando los anuales de Odio), Dibbuks y un largo etcétera poco tengo que decir ya que les pillo cosas muy, muy puntuales. Eso si, espero que alguien se anime a sacar The Death Ray de Daniel Clowes en castellano que le tengo muchas ganas.

Como reflexión final solo apuntar que con el cómic casi expulsado de los kioskos y por contra con una presencia cada vez mayor en las grandes superficies (El Corte Inglés, Carrefour y sobre todo Fnac) parece que las ediciones de lujo o tapa dura se van a hacer cada vez más numerosas y eso pese a la crisis que estamos viviendo. Pero en fin supongo que el signo de los tiempos y que el envoltorio de lujo mejora la imagen de unos productos que cada vez están mejor vistos por la sociedad, lo que sin duda es una buena noticia, pero que claro también requiere pagar sus peajes.

Mundo editorial, un año por delante II: Panini Comics.

2012-01-04T08:05:00.032+01:00

Sigo con el repaso general a como se presenta el mundo editorial de cara al 2012, siempre claro según mi particulares filias y fobias. Hoy le toca el turno a Panini que las cosas como son ha cambiado mucho en los últimos tiempos.

Pasando ya a Panini, lo cierto es que el vuelco de la editorial en los últimos tiempos ha sido espectacular. De tener como único producto para reediciones y clásicos en el mercado los estrambóticos (esas portadas feas como demonios, ese papel más grueso de lo recomendable...) y carísimos Best of Marvel a tener una amplia gama de productos de muy diverso precio y que tiene como punta de lanza el Coleccionable Marvel Héroes una de las mejores ideas editoriales desde las Bibliotecas Marvel.

En el tema de los clásicos si ya este año no hemos andado mal surtidos, el 2012 se avecina como apoteósico y es que además de continuar con Los Vengadores de Stern (y esperemos que con suerte vayan más allá) llegan obras demandadísimas como el Warlock de Jim Starlin o Los Defensores, lo que hace concebir incluso esperanzas de que algún día se publique el material que enlaza el precipitado y desastroso fin de la BM de Hulk con el comienzo del coleccionable, si no todo si al menos la magnifica saga de La Encrucijada. Además de todo esto sigue el coleccionable (y que dure), la Colección Extra Superhéroes (inspirados, aunque no se quiera reconocer en los magníficos Universo DC de Pda, solo que Panini no los esta quemando con material ridículo y sobreexplotación), los megatochales, que he de reconocer no me entusiasman, pero mantienen presencia en el mercado de cómics imprescindibles para entender el Universo Marvel y que son ediciones de calidad innegable. A esto se añaden esos Marvel Gold, que vale, no son baratos, pero desde luego no son un insulto como los BoM y donde se ha anunciado que sacaran los primeros números de Los Nuevos Mutantes, sin duda una gran noticia. En definitiva tras un tiempo de travesía por el desierto donde Panini no sabía muy bien que hacer con todo lo que no fuera material actual, parece que ahora vivimos una nueva edad dorada.

En lo que se refiere a los cómics actuales la verdad es que pocas sorpresas cabía esperar, lo que supongo es bueno ya que publican en un formato u otro casi todo lo que sale allende los mares. Lo cierto es que aquí Panini juega con ventaja, la labor de Forum arraigo tanto Marvel en España que gran parte del trabajo ya estaba hecho cuando Panini llego. Por otro lado y aunque el Universo Marvel tiene a día de hoy una calidad media “regulera” por decirlo así, si es verdad que en general es un universo de ficción más solido, en el que se adivina una guiá detrás que no el de DC, que se ha reinventado no se cuantas veces en los últimos años y que no parece nunca enfocarse como globalidad, pero que tampoco se desarrolla individualmente lo que le crea múltiples problemas. Así si en DC el año estará centrado en los polémicos New 52, en Marvel las cosas parecen más orgánicas con los inevitables megaeventos de Miedo Encarnado y Avengers vs X-Men, que serán maniobras de marketing en gran medida pero que si transmiten una mayor visión de conjunto.

Así las cosas lo más novedoso será que para el 2013 (mayas mediante) las distancias con los USA quedaran en 3-4 meses, gracias a una aceleración que se producirá en el segundo semestre de este año que traerá consigo la multiplicación de las grapas dobles. Una buena noticia que tiene el lado amargo de que los bolsillos se van a resentir. Eso si la verdad es que esto ni va a evitar los spoilers ni que las principales webs se centren en la actualidad USA pero si parece más razonable que con los medios tecnológicos actuales estemos a esa distancia y no a 9-12 meses.

En fin que Panini a mejorado enormemente su principal punto oscuro, la política de clásicos, mientras que ha seguido en la misma línea (que en términos generales siempre ha sido buena, con excepciones claro) en lo que respecta a los cómics actuales. Sigue habiendo problemas y cierto oscurantismo con flagrantes errores, pero en general creo que este 2012 tiene buena pinta.

Mundo editorial, un año por delante: ECC.

2012-01-02T08:05:00.056+01:00

Bastante interesante se presenta este 2012 para los seguidores del mundo superheróico. Por un lado tenemos el desembarco de El Catálogo del Cómic (ECC) que llega con fuerzas renovadas en el enésimo intento de que el Universo DC cuaje en nuestro país. Por otro lado esta Panini que se dispone a inundar el mercado de clásicos a la par que promete reducir las distancias con respecto a la edición americana. Norma con la perdida de Wildstorm queda en este aspecto bastante más en segundo plano, lo que no impoide que tenga licencias la mar de jugosas. Mientras que Planeta habrá de sobrevivir con Los Muertos Vivientes, Conan, Star Wars, clásicos de las tiras de prensa y alguna licencia manga bastante interesante, que digo yo que tampoco esta mal.

Empezando por ECC la verdad es que en principio hubo mucho oscurantismo sobre el tema y aún hoy algunas cosas siguen pareciendo extrañas pero lo cierto es que la editorial ha aprovechado al máximo la inmediatez e interactividad que ofrecen las redes sociales y en apenas mes y medido ha tenido más comunicación con los lectores que Pda en seis años y más teniendo en cuenta que el bot respondía cuando quería y lo hacía de “esa manera”. No hace mucho cuando se anuncio que Pda renovaba los derechos con DC por seis años más (una de esas cosas extrañas a las que aludía antes), decía que no eran buenas noticias, y no me lo parecían la verdad. Aparte de incontables errores, la editorial había entrado en una descomunal escalada de precios que recordaba a lo peor de Norma y que ponía en cuestión la viabilidad comercial de DC en España más allá de Batman, Miller y Moore, por eso que perdiera los derechos no genero especial revuelo...por eso claro y por la “especial” relación entre El Catalogo y Pda, pero eso es otro tema.

En fin, ECC ya anunciado sus novedades de enero y un avance de lo que espera hasta abril y parecen dispuestos a seguir las directrices que tan buen resultado le dieron a Panini, esto es continuar con las series en curso y finalizar la mayoría (aunque aún quedan varias incógnitas a ese respecto). Juega con la ventaja (relativa al parecer en función de la calidad de las series) del próximo relanzamiento masivo del Universo DC que en España llegara en Mayo. Hasta entonces la misma editorial ha señalado que su plan será muy continuista aunque por lo que se puede ver en las novedades de Enero ya se aprecia una cierta bajada de precios frente a la escalada continua de Pda, veremos si esta se puede consolidar, ojala sea así.

El año en todo caso se presenta intenso para la joven editorial, todo el rollo del New 52 viene con un hype (tanto positivo como negativo) muy grande y seguramente, aunque solo sea por curiosidad los primeros números vendan mucho, habrá que ver como les va en le futuro, aunque la total ausencia de una estrategia global por parte de DC en este relanzamiento (que parece hecho a la buena de dios, sin una idea global detrás) no parece la mejor ayuda. En todo caso ECC ha anunciado que lanzará muchas grapas (lo que esta muy bien, aunque el formato este herido de muerte por la forma en la que se conciben los comic-book hoy en día), pero que no serán de 24 páginas al considerar que no las podrá sacar a precios competitivos. La duda esta en si eso obligara a que las series sean bimestrales o aprovechando el movimiento anunciado por Panini se la jugaran e intentaran también reducir distancias con los USA a 3-4 meses. Sin duda sería interesante, aunque los bolsillos de aquellos que pretendamos seguir el grueso de la actualidad de los Universos de Marvel y DC sufrirían.

Más allá de esto se abren muchas incógnitas sobre la política de clásicos, la gestión de la línea Vertigo (de la que en Twitter ya han dejado caer algunas pinceladas), la series que irán a tomos, las que ni siquiera se publicaran, ya que se me hace difícil imaginar las 52 series publicadas en España. Si ya son muchas para el mercado americano más lo serán en España. Pero sin duda la mayor incógnita de todas es si por fin el Universo DC encontrara acomodo en nuestro país, si no para competir de tu a tu a la todopoderosa Marvel si al menos para consolidarse en un mercado en el que no ha conocido la estabilidad desde los lejanos tiempos de la añorada Zinco.

Un 2011 de cine.

2011-12-30T08:05:00.047+01:00

Bueno se acaba el año y como todavía tengo pendientes algunas lecturas, antes de los típicos post sobre los mejores cómics del año voy a repasar un poco las pelis que he visto este año y seleccionar de paso las cinco que más me han gustado.

Este año ha resultado ser bastante interesante cinematograficamente y he terminado viendo muchas películas en la gran pantalla. Haciendo un breve repaso la verdad es que la cosa empezó espectacular ya que las tres primeras películas del año me parecieron magnificas. Más allá de la vida con el señor Eastwood demostrando una vez más su inmenso talento en una conmovedora y compleja película que me llego al corazón. Seguimos con Valor de ley, de unos Coen que me parecieron mucho menos posmodernos de lo habitual y que contaron con un gran Jeff Bridges y continuamos con Cisne Negro, la película del año para mi, me dejo pegado al asiento y me impacto de manera brutal, vuelta a ver la verdad es que no impacta tanto y se le ven más los trucos aún así no puedo olvidar como me hizo sentir en el cine.

Tras este magnifico trío entramos ya en lo que podíamos llamar al época del blockbuster o más bien del cine de superhéroes que domino claramente desde mayo hasta el final del verano. Empezaríamos con Sucker Punch de Zack Snyder que no se si calificar de película o de videojuego llevado a la gran pantalla. Tiene cosas espectaculares y escenas poderosas pero es tan deslavazada, caótica y hueca que no me termino de convencer. Entrando ya los superhéroes propiamente dichos empezaríamos con X-Men First Class, sin duda la mejor peli de este tipo del año, la dirección no es muy allá, bastante plana y convencional, pero la fuerza del conflicto entre Xavier y Magneto esta presente desde el principio y los actores rinden a gran nivel, además técnicamente es impecable. Lo dicho que me gusto mucho. Todo lo contrario que Thor (que aunque se estreno antes la pongo ahora que así enlazo mejor el discurso, xd) que tras un magnifica primera media hora decae en comedia romántica absurda con un final anticlimático.

La vedad es que pienso que el problema de las pelis de Marvel, es que más allá de Iron Man (por aquello de ser la primera del estudio la que realmente sorprendió), parecen hechas con un molde en el que el sello lo pone el estudio no el director. Son películas pensadas en pequeñito, enfocadas para el gran estreno de The Avengers y que como tal carecen de personalidad propia. Algo de eso hay en el Capitán América. Me parece mejor que Thor y desde luego ese aire retro le sentó muy bien, pero de nuevo me parece muy poquita cosa sin apenas amenazas creíbles y con una final bastante endeble que no trasmite la angustia del sacrifico del Capi. Estas pelis apenas si llegan a prologo, es lo que tiene pensar en pequeño que la película sale pequeña, entretiene si, pero estos personajes tienen mucho más potencial.

En medio de la orgía marvelita se estreno Green Lantern la apuesta de la Warner para desmostar que tiene más que ofrecer en la gran pantalla aparte de Batman y Superman y lo cierto es que la cosa salió de esa manera. La película tiene el problema de querer abarcar demasiado, querer contar demasiadas cosas comprimiendo la complejidad del mundo de Green Lantern en apenas dos horas, y claro ahí falla estrepitosamente. Recurre a la consabida voz en off para explicar de que va todo (lo que denota inseguridad y falta de confianza en el material que manejan por parte de los responsables de la película) sin que además consigan su objetivo ya que la peli tiene momentos que no se entienden si no conoces los cómics (o así me lo han confirmado varias personas), a todo esto se añade que la película es demasiado digital y se nota. La perdida de fiscidad le resta fuerza al conjunto y hace que no termine de funcionar. Con todo no creo que estemos ante un film mucho más mediocre que el de Thor por ejemplo.

Aparte de esto habría que situar a Conan autentico fracaso de taquillas y vapuleada a diestro y siniestro. La peli de Marcus Nispel me gusto y mucho, creo que aquí el director si deja su sello, que la película tiene fuerza que es enormemente física y que más allá del guión, bastante simple, la película ofrece una personalidad propia que la situá por encima de los blockbuster antes mencionados salvo del de X-Men. Hablando de blockbuster no creo que Super 8 por presupuesto e intenciones entre dentro de estos parámetros (es más no creo que Conan lo haga), la película todo un revival ochentero enormemente entretenido y que te deja con una sonrisa en la boca ha sido uno de los estrenos más placenteros del año.

Tras esto entramos en un terreno más variado donde blockbuster se mezclan con películas de autor y donde no quería dejar de mencionar la nipona Confessions que aunque no tuvo estreno comercial a nuestro país llego este año vía mercado domestico. Una película visualmente impactante que combina el esteticismo mas descarnado con la dureza de una de las venganzas más crueles vistas en la pequeña pantalla, toda una joya sin duda. Y hablando de impacto visual que decir de El Árbol de la vida, el esperado retorno de Malick. Película compleja y brutalmente ambiciosa que por eso mismo puede resultar algo fallida pero que es toda una experiencia cinematográfica.

Después pasamos ya al cine español del que este año solo he visto dos pelis, pero ambas magnificas, la primera La piel que hábito de Almodovar que demuestra la ambición y falta de complejos de su director el cual en una peli siempre al borde de caer en el mayor de los ridículos mantiene un magnifico equilibrio que hace que te consigas meter en una historia no por inverosímil menos disfrutable. Muy distinta es No habrá paz para los malvados de Urbizu donde un magnifico José Coronado da vida a un personaje, Santos Trinidad que ya ha pasado a formar parte de lo mejor de nuestro cine. Una historia tensa, de silencios, con un inteligente uso de la banda sonora, una historia que no te deja respirar de principio a fin. De lo mejor del año.

Volvemos al terreno del blockbuster con Tintin donde Spielberg se nota que se lo pasa pipa con su juguete nuevo (aunque a veces se le va de las manos) y nos lo hace pasar pipa a los demás (al menos yo disfrute un montón). Y de ahí volvemos al cine de autor con tres estrenos muy diferentes entre si, primero con Melancolía de Von Trier que me aburrió bastante y de la que por muchos matices que se le quieran dar no pude aguantar al personaje de Kirsten Dunst. Luego llega Polanski con la divertídisima Un dios salvaje o como cuando las convenciones sociales, las mascaras que nos ponemos para interactuar con los demás se caen nos convertimos en poco más que salvajes que no pueden resolver lo que unos niños arreglan en segundos. Por último estaría Un método peligroso de David Cronenberg y aquí ya son palabras mayores. Película cargada de matices, con un reparto brillante y que transmite un mal rollo una violencia larvada que en cierto sentido me recuerdo a La edad de la inocencia de Scorsese, una de sus películas más violentas sin que allá un solo ataque físico. Sin duda uno de los films del año.

Un año que acaba con otro blockbuster, en este caso Misión imposible IV, una saga espectacular con dos primeras partes maravillosas una tercera bastante buena y una cuarta que creo no desmerece en nada la de Abrams. Muy dinámica, con mucha y buena acción Misión imposible IV cumple los mínimos que se le han de pedir a este tipo de películas....aunque es innegable que la película y la franquicia se han alejado de la genialidad de las dos primeras partes.

PD: Mi top personal de este año esta ordenado en forma de los posters que ilustran el post, que si no esto se alarga demasiado.

Cerebus Iglesia y Estado II.

2011-12-28T08:05:00.017+01:00

Con tres tomos publicados ya en España parece que Cerebus se va consolidando en nuestro mercado, una buena noticia sin duda habida cuenta de la calidad del material que hemos podido leer hasta ahora.

Leyendo los dos tomos que componen Iglesia y Estado a uno se le hace bastante difícil imaginar a Dave Sim convertido en una suerte de fanático religioso extravagante que funde elementos del judaísmo, el islam y el cristianismo para dar lugar a su propia religión (¿el “davesimanismo”?). A lo largo del tebeo, plagado de metáforas Dave Sim realiza una dura critica a la organización religiosa, más preocupada a lo largo de la historia por obtener el poder que por difundir un mensaje netamente religioso, pero más allá de eso Sim también se cuestiona acerca de la naturaleza misma de Dios, el libre albedrío y el origen de la vida. Todo con una visión más llena de preguntas y dudas que de las respuestas de las que ahora Sim parece tan seguro.

A diferencia del primer tomo, que fue, por decirlo de alguna manera más “lineal”, más fácil de seguir. Iglesia y Estado II es bastante más complejo y uno no siempre termina de ver claro lo que Sim esta queriendo decir, siendo en ocasiones hasta demasiado cripitico, lo que hace que la obra este abierta a muchas interpretaciones. La mía viene a ser que Sim parece apostar por la idea de que si realmente existe un Dios esta tan alejado de nosotros que resulta imposible plantearse estas cuestiones y esperar obtener una respuesta, clara, además la visión que podamos tener de la existencia de un ser supremo estará siempre condicionada por nuestras expectativas, nuestros miedos, nuestros errores, lo que nos hace alejarnos aún más de ese supuesto ser todopoderoso. Una suerte de agnosticismo que también es cierto puede estar más en mi interpretación de la obra que el que realmente Sim quería contar.

Más allá de eso si por algo destaca este par de tomos es por su potente aspecto visual. La irrupción de Gerhard, que al pasar a ocuparse de los fondos parece que libero a Sim, el cual sobre todo en el segundo tomo se muestra mucho más osado y casi en cada número juega con la composición de la página o la estructura interna de la viñeta. Así y aunque ya en Alta Sociedad veíamos a un Sim valiente dispuesto a asumir todo tipo de retos gráficos, será en este Iglesia y Estado (sobre todo en su segunda parte) cuando termine de explotar su vena más experimental dando con soluciones visuales realmente apabullantes.

Cabria mencionar también el ácido humor al que recurre Sim en estos números, un humor que encuentra su salida sobre todo en la parodia superheróica, ya presente en Alta Sociedad pero que que aquí se multiplica. Y es que los números originales de Iglesia y Estado (sobre todo los incluidos en el segundo tomo) vinieron a coincidir en el tiempo con la publicación de la Secret Wars marvelita, todo un hito en la historia del género y de la que Sim da su particular visión a través de las “Secret Sacred Wars”. Sim se lo pasa bien con los diálogos rimbombantes o las poses heroicas típicos del cómic de superhéroes que a lo largo de la historia llega a reducir al absurdo para de paso meter en continuos problemas a un hastiado Cerebus que lo “único” que quiere es ser rico, poderoso y que todo el mundo le obedezca.

Como reflexión a parte, ¿irán ahora a por Jakas´s Story o publicaran al fin el primero que en su momento se dejo inédito para empezar con Alta Sociedad a la que se le vio más potencia comercial? Con tres tomos publicados Cerebus parece ya consolidado, pero tal vez sacar el primer tomo ahora sería demasiado rupturista con lo que hemos podido leer, y al fin y al cabo solo se sacaría por motivos completistas. En fin la verdad es que tengo bastantes ganas de leer el siguiente tomo de Cerebus, lo tres tomos publicados hasta ahora en España merecen muy mucho la pena y tengo curiosidad por saber cuando y como se produce ese famoso giro en la mentalidad de Sim que al parecer tanta repercusión tuvo en el cómic.

Fabulas después de La Gran Guerra.

2011-12-26T08:05:00.023+01:00

Ya han pasado más de 30 números desde el fin de la guerra entre el Imperio y las fabulas exiliadas y la cosa sigue sin arrancar, a falta de un objetivo claro que encamine la serie Willingham parece limitarse a tirar hacia delante sin saber muy bien que hacer.

Una de las características fundamentales del sello Vertigo es que casi todas sus series tienen un principio y un final, en ese casi apenas si entraría Hellblazer colección concebida en todo caso como compartimentos estanco del guionista de turno y estructurada de tal forma que cada etapa se puede leer independientemente una de la otra, ahora Fabulas parece entrar también en ese casi. Cuando a principios de siglo surgió Fabulas su final parecía claro, creada en torno a la idea de que unas pocas fabulas legendarias habían escapado del mundo de fantasía en el que vivían para ocultarse en el nuestro de la garras de un malvado y todopoderoso Imperio, el esquema de la historia parecía que llegaría a su fin cuando las fuerzas del Imperio chocaran definitivamente con la Fabulas en el exilio. El choque se produjo en el tomo adecuadamente llamado La gran guerra, pero contrariamente a lo que pudiera parecer no supuso el fin de la serie.

Bill Willingham, guionista y creador del invento quería explorar que pasaba después de la batalla, quería saber como se iba a gestionar la posguerra y desde luego no estaba dispuesto a poner fin a una serie que tanto prestigio le había generado. El problema estribaba en que Fabulas, nacida con un enfoque muy claro, desde que dejo atrás ese punto de partida viene arrastrando una indefinición que no hace más que perjudicarla. Esa falta de scope queda ejemplificado en el número 100 americano de la colección. Se supone que un número simbólico de esta índole debía marcar un antes y un después y así parecía que iba a ser, así se vendía en los números previos de hecho. La gran amena surgida tras la guerra, el Señor Oscuro, El Hombre del Saco encarnado que había sido liberado accidentalmente por la batalla se disponía a arrasar con todo. En los números previos habíamos asistido a la larga preparación de los supervivientes para la batalla generándose unas expectativas truncadas por un número irrelevante en el que no pasa nada realmente significativo y en el que al final todo queda como estaba.

En el último tomo publicado en España, El supergrupo, Willingham juega con la idea de crear un grupo superheróico arquetípico (con momentos, todo hay que decirlo bastante graciosos), para al final cerrar la trama del Señor Oscuro de una forma un tanto chabacana y como poco anticlimática. Lo que por otra parte recuerda al cierre del ciclo fundacional de la colección con La Gran Guerra, una historia mucha más fría e impersonal de lo que cabría esperar para algo de semejante calado y al no menos anticlimático número 100 antes mencionado, y es que Willingham parece saber como generar expectativas pero rara vez esta a la altura de las mismas.

Fabulas empezó como serie fresca divertida, épica por momentos con un enfoque nuevo sobre las fabulas clásicas a las que conseguía dar una vuelta de tuerca. Ni siquiera la ideología militarista y derechizante del guionista (que no dudaba en plasmar en el papel a la menor oportunidad) impedían que estuviéramos ante una serie muy disfrutable que por méritos propios se había convertido en un símbolo del sello (naciendo dentro del mismo) como fueran Predicador o 100 Balas. Desde el final de La Gran Guerra, la ausencia de un enfoque claro y la convencionalización a la que esta siendo sometida la serie hacen que lejos de resultar interesante Fabulas parezca una de esas series televisivas de gran impacto al principio a la que por motivos comerciales se les alarga la vida artificialmente para acabar siendo un desastre. Aún hay tiempo de rectificar pero antes que nada es necesario saber que es lo que se quiere contar, y el señor Willingham no parece tenerlo claro

The Unwritten: ficción real.

2011-12-23T08:05:00.022+01:00

Con cuatro tomos publicados en España, que suman ya 24 números USA The Unwritten se consolida claramente como una de la apuestas más interesantes del sello Vertigo en espera del final de series como DMZ, Northlanders o Scalped y de que Fabulas termine de recuperar el tono.

La tendencia literalizante del sello Vertigo ha estado presente desde sus inicios no en vano es un guionista, Alan Moore el principal responsable espiritual de su surgimiento. Esa condición sin embargo pocas veces había alcanzado carta de naturaleza hasta The Unwritten., y no porque su dibujante Peter Gross aparezca como un mero comparsa en la obra ni mucho menos, si no porque The Unwritten se centra en en el poder de la literatura para configurar el mundo real, partiendo de la base de la existencia de un gran guerra literaria secreta que esta en las raíces del mundo tal y como lo conocemos.

Creada por Mike Carey y Peter Gross pareja creativa detrás de Lucifer, el único derivado de Sandman que realmente se consolido en el mercado, The Unwrritten no es la primera, ni será la última serie que en el mundo del cómic juega a mezclar realidad y ficción y que muestra que la realidad “real” no tiene porque ser más verdadera que la realidad “ficticia”. La obra parte de una suerte de Harry Potter de nombre Tom Taylor el cual ha visto toda su vida configurada por el hecho de que su padre basara en él sus exitosa serie de novelas sobre Tommy Taylor, el niño mago que aprende los secretos de la magia mientras ha de enfrentarse al malvado Conde Ambrosio, un poderoso vampiro que ansia su poder. A partir de ahí y sin comerlo no beberlo Tom se verá metido en medio de una conspiración literaria de siglos de existencia en la que su propia identidad, lo que el pensaba que era real, empezara a fundirse con el mundo creado por su padre el cual lleva años planeando una guerra contra los conspiradores. En este aspecto resulta interesante como el enorme éxito de las aventuras de Tommy es lo que le da poder a su padre para hacer frente a los conspiradores y como estos tratan de desacreditar, incluso a través de lanzamiento de ejemplares apócrifos, ese éxito para restarle poder. La idea enlaza así con lo narrado en Fabulas donde las fabulas más poderosas son aquellas de más arraigo popular entre los llamados “mundanos”.

Concebida como una suerte de gran novela río con pequeños descansos a modo de capítulos sueltos que nos muestran algunos de lo elementos de la conspiración que desde la ficción pretende controlar la realidad, la serie juega con el escepticismo inicial de Tom, que se convierte en un primer momento en la voz del lector dentro del cómic para poco a poco ir avanzando en una compleja trama de la que por el momento solo hemos visto esbozos y que ahonda en el inmenso poder de la palabra escrita como mecanismo de control.

Carey no deja pasar la oportunidad de lucir su conocimiento literario y por la serie ya hemos visto pasar clásicos de la literatura, ya sea obras como Moby Dick o autores como Rudyard Kipling (en el que probablemente sea el mejor episodio de la serie) que reinterpretados para la ocasión muestran a las claras la complejidad y el alcance de la trama urdida por el guionista británico. El dibujo de Gross, limpio claro y de fluida narrativa contribuye a hacer de The Unwritten una lectura muy interesante a la que se adivina aún más potencial del mostrado, algo que suele ser habitual en Carey que en proyectos largos de esta índole empieza con una idea interesante que poco a poco va creciendo para en torno al ecuador de la obra alcanzar todo su potencial con un final que suele estar a la altura, estructura que de momento parece bastante clara en este cómic.

Aunque como decía la condición literaria de la obra es la que en gran medida la define, no es menos cierto que la magia, uno de los elementos clave en torno a los que creció y se configuro el sello Vertigo a la sombra de Sandman, juega también un papel clave. Tom, transformado por su padre en una suerte de arma viviente contra los grandes conspiradores ira aprendiendo poco a poco (como si de Tommy se tratase) su papel en el mundo y lo hará a través de elementos mágicos clásicos: la varita, el familiar o el objeto (un pomo en este caso) mágico de turno, lo hará además acompañado de gente que además de cuidarle le ayudaran en su arduo proceso de aprendizaje, todo un clásico también en este tipo de relatos.

Magia, literatura, buenos personajes, grandes conspiraciones...The Unwrittten tiene todo lo necesario para consolidarse como un de los grandes clásicos del sello, solo el tiempo dirá si termina consiguiéndolo, pero parece innegable que va por el buen camino.

Astro City: Estrellas resplandecientes, un paradigma del género superheróico.

2011-12-21T08:05:00.026+01:00

Octavo y por el momento ultimo tomo de Astro City, con el que si no me equivoco ya no queda material inédito en España de esta señera colección creada por Kurt Busiek, Alex Ross y Brent Anderson.

Leía hace un par de semanas este interesante post de The Watcher Blog que venía a señalar como Astro City, de reflexión sobre los superhéroes a través de mostrarnos su otra cara así como la búsqueda de su impacto en la gente corriente, había pasado a reproducir a pequeña escala los grandes males de los Universos Marvel y DC tornándose en un tebeo solo para iniciados plagado de guiños y referencias a su propia continuidad.

Este tomo que recopila los últimos especiales que quedaban inéditos en España podemos observar lo mejor y lo peor que ha dado esta serie. Por un lado tanto la historia del Samaritano como la de Belleza nos muestran la esencia misma de la serie, mientras que por otro, la protagonizada por el Agente de Plata padece ese ensimismamiento en el que ha ido cayendo el conjunto tornándola en una historia apta solo para iniciados, a medio camino se encontraría la historia de Astra.

Sin duda lo mejor del tomo son la dos primeras tebeos que contiene el mismo. La primera narra un encuentro entre Samaritano e Infiel su archienemigo, pero no es un encuentro cualquiera. Conscientes ambos de sus inmensa igualdad y de la imposibilidad de vencerse uno al otro, Samaritano (sosias de Superman) e Infiel (una suerte de Luthor hiper-vitaminado) deciden encontrase una vez al año para medirse más en el plano psicológico que físico y ver si alguno puede llegar a convencer al otro para provocar un cambio de actitud. La historia contada desde el punto de vista de Infiel (que viene a ser un superateo definitivo, lo que sin duda también tiene muchas lecturas) nos muestra a través de sus recuerdos sus continuos enfrentamientos con Samaritano que culminan en el momento en el que ambos son conscientes del callejón sin salida al que han llegado. Una historia dinámica e interesante que va un paso más allá en la eterna batalla héroe-villano dando una vuelta de tuerca a uno de los ejes sobre los que se ha constituido el cómic de superhéroes.

El segundo tebeo narra la historia de Belleza que ahonda en un tema clásico de la ciencia ficción que tuvo tal vez su punto álgido en la cinematográfica Blade Runner. ¿Puede un ser artificial llegar a sentir, a tener alma, a tener todo aquello que en el fondo nos hace humanos? Belleza, una suerte de Barbie robótica superpoderosa trata de encontrar sus origines, de entenderse a si misma y de paso entender el mundo en el que vive. Convertida en superheroina más por las circunstancias que por una verdadera intencionalidad, la búsqueda de Belleza, plagada de momentos cargados de fuerza emocional entronca directamente con los replicantes de Blade Runner o los cylon de Galactica para trazar un relato hermoso y conmovedor.

Como decía estas historias captan a al perfección la esencia con la que nació Astro City, estos es mostrarnos la cara B de los superhéroes, lo que pasa después de las grandes batallas, de los actos heroicos. Ambas son historias que partiendo de bases icónicas y arquetípicas (la eterna lucha entre el villano y su archienemigo por un lado, la búsqueda de la identidad de un ser artificial por otro) van un paso más allá dando una mirada distinta a lo que habitualmente se ve en el cómic de género. Son además historias que no requieren apenas conocimientos previos más allá de una cierta sintonía con el género y sus características, funcionan a la perfección sin conocer prácticamente nada de Astro City y son autoconclusivas.

En el extremo contrario a estas se sitúan los dos números dedicados al Agente de Plata, tal vez el personaje más relevante de todo el comos creado en la colección y que para su verdadero disfrute si requiere unos, si no amplios, si suficientes conocimientos de este mundo de ficción. La miniserie nos narra el origen (circular) del héroe, su auge y su caída. Esto enlazaría en cierto modo con la hasta el momento, última historia de Astro City: La Edad Oscura donde la caída en desgracia del Agente de Plata es uno de los elementos de fondo que configuran la trama y al igual que aquella termina siendo una historia demasiado autoreferencial y hasta cierto punto endogámica (no en vano estamos ante poco más que un “Origen Secreto”) que parece alejarse a marchas forzadas del espíritu inicial de de Astro City.

Como decía más arriba a medio camino encontramos la historia de Astra. Estructurada también en dos capítulos en ella se nos narra el día de la graduación universitaria de esta hija de la Primera Familia de Astro City, grupo superheróico que vendrían a ser una suerte de 4 Fantásticos siendo así Astra un reflejo de Franklin al que si han dejado crecer. El cómic que se centra en la vida privada de Astra, sobre todo en el acoso que esta sufre por parte de la prensa del corazón enlazando así con esa idea de mostrarnos la otra cara de los superhéroes, sin embargo también esta plagado de referencias y guiños al mundo que se ha ido construyendo entorno a Astro City con los años lo que no la hace del todo apta para profanos.

En el debate que no hace tanto se produjo sobre si continuidad si o continuad no, sobre si esta enriquecía o enredaba universos de ficción como Marvel o DC, el caso de Astro City resulta casi paradigmático. Pese a sus escasos 16 años de historia, pese a no tener un excesivo número de cómics en su haber y pese a que han sido siempre los mismos autores los se han ocupado de sus historias, ya a estas alturas se ha creado un mundo complejo y auto referente que puede asustar a más de uno. Bajo este prisma resulta normal y hasta necesario que cada X años Marvel y DC busquen reinventarse haciendo mucho más entendible la naturaleza cíclica del genero al menos en su vertiente más industrial.

Battlestar Galactica.

2011-12-19T08:05:00.025+01:00

Hace tiempo que tenía pendiente esta serie de la que tanto y tan bueno había oído hablar. Ahora por fin la he podido visualizar entera y creo que merece la pena realizar un breve balance global sobre la misma.

A medio camino entre el remake y la continuación, Battlestar Galactica es tal vez la serie de ciencia ficción mas influyente y relevante que ha salido los últimos años de la pequeña pantalla (a lo que todo hay que decirlo contribuye la prematura e injusta cancelación de la excepcional Firefly), sentando cátedra de lo que este tipo de productos han de ofrecer como mínimo para poder ser tenidos en cuenta. De indiscutible calidad técnica y con los personajes, excepcionalmente definidos y dotados todos ellos de gran carisma, su elíptico final y su peculiar discurso filosofico-religioso (ya presente desde sus mismos inicios, la serie no narra otra cosa que un éxodo en busca de una tierra prometida) le han creado algunos detractores que sin embargo no consiguen empañar los logros mayúsculos de una serie espectacular concebida para ser grande.

Con la raza humana al borde de la extinción tras el implacable y brutal ataque de sus ancestrales enemigos los cylon, seres de inteligencia artificial creados por los propios humanos y que tras rebelarse han evolucionado para confundirse y mezclarse con sus enemigos. La tensión al principio en la serie viene dada por la implacable persecución (excepcional en este aspecto el capitulo de la primera temporada 33 minutos) al que los cylon someten a los pocos supervivientes que liderados y protegidos por la Estrella de Combate Galactica tratan de sobrevivir y encontrar el mítico planeta Tierra, hogar de sus antepasados y única esperanza de futuro.

Viendo Battlestar Galactica uno tiene la sensación de estar ante un disco de grandes éxitos de la ciencia ficción. En la serie encontramos ecos de Blade Runner a cuenta del papel que juegan los cylons y sus ansias de trascendencia, también se adivinan en las zonas más oscuras de la nave central la influencia de la Nostromo de Alien así como referencias a la ciencia ficción de los años 50 cuando la amenaza comunista se disfrazaba de infiltrados extraterrestres que querían acabar/esclavizar a la humanidad. La presencia de Star Wars en los espectaculares combates espaciales (de un nivel técnico y plástico increíble y más en un medio presupuestariamente más limitado que el cine) es innegable y la organización en torno a una nave principal con sus jerarquias y demás recuerda claramente a Star Treck, incluso vemos influencias de 2001 en su estructura y parte de sus discurso. Bajo este prisma Galactica se convierte en una especia de resumen y recopilación de algunos de los más conocidos y relevantes hitos de la historia de la ciencia-ficción tanto de la pequeña como de la gran pantalla, una suerte de caja de resonancia que con influencias de aquí y de allí realiza un repaso por la historia y las distintas etapas de un genero tan relevante como plagado de obras de calidad.

Sin embargo más allá de todo esto si por algo destaca Galactica es por su condición de microcosmos, de reflejo a pequeña escala de nuestro mundo. Poco más de 50000 humanos supervivientes tras el brutal ataque cylon han de intentar crear una sociedad nueva partiendo de la que ya conocían. El que la misma humanidad este al borde de la extinción no impide para nada que su comportamiento como grupo siga los mismos parámetros, los mismos vicios y los mismos problemas que lastraron su sociedad (y la nuestra) durante tantos años. Corrupción política, explotación laboral, autoritarismo, ambición personal por encima de todo o fanatismo religiosos serán alguno de los elementos que con mayor o menor profundidad aparezcan reflejados a lo largo de una serie en la que ningún personaje será realmente trigo limpio.

Y es que precisamente la tridimesionalidad de sus personajes, el que todos tengan muchas cosas por las que responder y el que todos vayan más allá de los estereotipos, pese a partir de figuras arquetipicas de la ciencia ficción, tornan a Galactica en una serie de personajes en la que las reacciones y la evolución de los mismos son tanto o más relevantes que los combates estelares, la huida de la cylon o el desenmascaramiento de los mismos, construyendo una serie cargada de matices, que a veces peca de profundizar demasiado poco en los complejos temas y dilemas morales que presenta. No se puede acusar sin embargo a Galactica de falta de ambición, más bien al contrario, no elude temas complejos y tampoco evita mojarse evitando casi siempre la manida y previsible corrección política que hubiera tornado la serie en convencional. Lejos de eso Galactica es una serie con personalidad y discurso propios que independientemete de que se comparta o no consigue tanto entretenerte como hacerte pensar, no es poca cosa desde luego.

The Boys: El afable escocés.

2011-12-16T08:05:00.003+01:00

A lo tonto ya son ocho tomos los publicados en nuestro país de The Boys, serie que no ha hecho más que crecer desde sus polémicos comienzos cuando tras publicarse el primer arco en DC tuvo que pasar a editarse bajo la independiente Dynamite.

El género superheroico siempre ha sido facilimente parodiable, sus propias características hacen que así sea, lo cual todo sea dicho no tiene nada de malo, más bien al contrario ya que de ahí han salido clásicos tan remarcables como el Superduperman de Harvey Kurtzman y Wally Wood e incluso a cierto nivel obras como Watchmen pueden verse como una parodia seria del género. En este contexto, The Boys vendría a ser en gran medida la parodia más brutal y escatologica del genero de la mano de Garth Ennis, aún hoy uno de los guionistas más interesantes que trabajan al otro lado del atlántico.

El guionista de Predicador siempre ha tenido una relación bastante conflictiva con los superhéroes, casi podríamos calificarla como de amor-odio. Él mismo reconoce que muchas de las lecturas que le hicieron amar el medio vienen de los cómics de superhéroes, por contra no termina de entender como la industria norteamericana es tan obtusa como para cerrar las puertas comerciales a todo aquello que no tenga que ver con los mismos. The Boys viene a reflejar todo esto ya que ante todo en el cómic lo que se puede ver es una brutal critica a la majors y su cerrazón para con otros tipos de cómics. Aquí tal vez cabría echarle en cara al guionista irlandés que su critica es quizá demasiado tardía: ni la industria es lo que era, ni los superhéroes son ahora los dominadores del mercado. Un mercado que abierto con éxito el camino del cómic adulto, parece cada vez más limitado para un género enfrascado en su indefinición sobre el target al que va dirigido

Dejando todo esto a un lado y centrándonos en el cómic que nos ocupa, El afable escocés, supone el octavo tomo de la colección en España y en el se recopila la miniserie de seis números original “The Boys Highland Laddie”, donde Ennis deja de lado al habitual Darrick Robertson para colaborar con una de sus más celebradas parejas de baile, John McCrea con quien ya trabajara en la magnifica Hitman.

Guionista plagado de obsesiones (como todos los grandes, por otro lado), toda la obra de Ennis trata en mayor o menor medida sus grandes temas y The Boys no es una excepción. Con la incorrección política por bandera, el gamberrismo desenfrenado y la violencia como permanente recurso humoristico (un humor muy negro eso si), temas como la amistad o las relaciones de pareja son sobre los que terminan girando gran parte de su trabajo, y este tomo es una muestra clara de ello.

Centrado en Hughie, el personaje más humano de la colección, el tío simpático y algo ingenuo a través de cuyos ojos hemos ido descubriendo un mundo corrupto dominado por presuntos superhéroes, más preocupados en realidad por follar, matar y drogarse (no necesariamente por este orden) que por “hacer el bien”. Harto de lo que ha visto, de lo que ha vivido, de lo que se ha visto obligado a hacer y devastado por una tragedia personal que termina de desbordar el vaso, decide regresar a su casa, a Escocia con sus padres para intentar encontrar un sentido a todo lo que le ha pasado en los últimos tiempos. El regreso al hogar marcado por sentimientos contradictorios (ya que en el fondo y aunque él se niegue a admitirlo, sabe que por mucho que hayan cambiado las cosas en casa, el que de verdad ha cambiado ha sido él), se verá interrumpido cuando alguien de su pasado más reciente regrese con preguntas difíciles y dilemas para los que Hugie tal vez no este preparado.

En El afable escocés podemos encontrar todos los tics que han hecho famoso a Ennis: personajes extremos, diálogos ágiles y cortantes, momentos escatologicos y violencia desbocada, pero todo con un ritmo mucho más tranquilo (tanto que el guionista parece haberse apuntado al famoso decompressive storytelling), ya que en el fondo el tebeo lo que trata es de recomponer el alma de un personaje que ha sufrido mucho y que en el fondo ha resultado ser demasiado bueno, demasiado ingenuo para el mundo en el que le ha tocado vivir.

Joe el bárbaro, Morrison y la fantasía.

2011-12-14T08:05:00.024+01:00

Miniserie de ocho números en su origen recopilada aquí por Pda en un único tomo. Joe el Bárbaro de Grant Morrison y Sean Murphy, supone una nueva vuelta de tuerca en la carrera del guionista de Los Invisibles, autor que lleva años reflexionando y poniendo al día el género superheroico y que a pequeña escala trata de hacer lo mismo en este trabajo con el género fantástico.

Tomando elementos clásicos del género, tales como el elegido o la oscuridad acechante y maligna que amenaza con invadirlo todo. Morrison traza un relato que partiendo de los desviaros de la mente de un adolescente diabetico en plena crisis hipoglucemica, mezcla realidad y ficción, reflexiona sobre el crecimiento, la madurez o la asunción de la perdida.

Las influencias de la obra son detectables desde el principio, los ecos de clásicos del género como Tolkien, C. S. Lewis o Michael Ende (con elementos muy claros del Alicia en el país de las Maravillas de Lewis Carroll) se entremezclan con referencia más actuales como Toy Story para construir un relato que destila amor por la fantasía a la par que toma cierta distancia para con la misma con una visión planteada desde fuera. Esto esta condicionado por el hecho de que Joe, el protagonista del cómic no se termina de creer lo que esta pasando, siendo consciente de que todo lo que esta viendo es producto de su alucinada mente y que ha de encontrar un refresco para recuperar sus niveles de azúcar y volver a la realidad.

Pese a esta visión, digamos externa de lo que el cómic nos esta narrando, el guionista de El Asco sabe jugar en todo momento con la ambigüedad de lo que va aconteciendo. Todo lo que pasa en el mundo fantástico tiene su reflejo en el mundo real, todas las actitudes de los personajes que Joe se va encontrando encuentran su contrapunto en el entorno que le rodea, cuando este esta al borde de la muerte o es herido “allí” también sucede “aquí”. De esta forma el el escoces consigue que el lector se implique con el personaje, con lo que le esta pasando, a la par que va descubriendo cuales son sus verdaderas motivaciones, trazando de paso un relato de ficción dentro de un mundo de ficción como si ante una muñeca rusa estuviéramos. Esto tiene la contrapartida de que el cómic no es tan épico como uno suele esperar de este tipo de historias, el guionista de W3 pese a que como decía toma algunos de los elementos más tópicos del genero lo hace con una visión desmitificadora que aunque resta algo de fuerza al conjunto le da un plus de credibilidad y hasta de originalidad.

Más allá del estimulante planteamiento y desarrollo de la historia, si algo termina de hacer de Joe el Bárbaro un cómic especial y una de las lecturas más estimulantes del año es el trabajo del dibujante Sean Murphy. Trabajo que, todo hay que decirlo, se ve relanzado por el color de un acertado Dave Stewart que juega un papel narrativo relevante, reflejando un mundo fantástico muy colorista y lleno de vida que contrasta con un mundo real donde donde los tonos grises se hacen predominantes. Retomando la labor del dibujante, de quien he de reconocer no sabía nada antes de esta obra, Murphy destaca tanto por la fluidez con la que se puede leer el cómic como por la espectacularidad de páginas cargadas en no pocas ocasiones de la emoción y la épica que él si visualiza mucho más de de lo que trasmite el guión de Morrison. Se crea así un curioso pero interesante contraste entre la forma en la que se nos esta narrando la historia (como decía con una visión un tanto desde fuera) y la plasmación visual de la misma, y es que aunque el propio Joe no se cree lo que esta viendo, esto resulta sumamente creíble desde un punto de vista estético. Destaca también la forma que el artista da al rostro de Joe, cuya gestualidad contribuye a incrementar la sensación de incredulidad del personaje.

A modo de conclusión cabria señalar que Joe el bárbaro resulta en conjunto una más que agradable lectura que acompañada de un espectacular despliegue visual tornan la obra en uno de los cómics más interesante de este 2011. Demostrando de paso que su guionista, con trabajos como este o su labor en Batman sigue siendo a día de hoy el más interesante del cómic comercial americano actual.

El Thor de Walter Simonson.

2011-12-12T08:05:00.043+01:00

El que sin duda es uno de mis cómics favoritos en la historia de Marvel sigue siendo a día de hoy, junto con el trabajo de Frank Miller en Daredevil o el de Alan Moore en La Cosa del Pantano, uno de los ejemplos más claros de como un autor con talento y personalidad puede relanzar y hacer suyo a un personaje con décadas de historias a sus espaldas.

Cuando Stan Lee y Jack Kirby crearon a Thor y tras un primer abandono del personaje, fijaron a fuego lo que sería la esencia del mismo. Divido entre la Tierra y Asgard, Thor sería siempre un personaje a medio camino de dos mundos sin pertenecer del todo a ninguno de los dos. Esta división se reflejaba en la propia división física del personaje: su identidad humana, Donald Blake un médico cojo, excepcionalmente capaz en su trabajo y el propio Thor, deidad nórdica del trueno dotado de grandes poderes e hijo del todopoderoso Odín, señor de Asgard y en cierto sentido freno y contrapunto del personaje.

Ya desde sus comienzos la aventuras de Thor en Asgard tenían un épica, una carga dramática, frente a la que palidecían las aventuras terrestres mucho más mundanas y con enemigos por lo general de escasa entidad y que rara vez suponían una amenaza real para Thor. Con el paso del tiempo además el papel de Donald Blake se fue haciendo cada vez más secundario, en lugar de ser una contrapartida humana que enseñara a Thor lo que significa ser un simple mortal, Blake era poco más que un recurso dramático, el punto débil de Thor que los guionistas usaban como herramienta para ponerlo en apuros, y es que cuando Thor estaba más de un minuto separado de sus mistisco martillo Mjolnir se tornaba en el Blake quedando así a merced de sus enemigos.

Cuando a mediados de los 80 Walter Simonson recibió el encargo de relanzar al personaje al borde mismo de la cancelación, Thor llevaba demasiado tiempo sin ser la serie épica y poderosa que había sido en sus mejores años. Demasiado atado a la Tierra y sin apenas nada nuevo que contar el excesivo poder del personaje hacía que pareciera bastante difícil tratar con él. La situación que se encontró Simonson era compleja si, pero le permitía gozar de una libertad casi absoluta para trabajar con un personaje que casi todos daban por desahuciado.

Lo primero que hizo Simonson nada más ocuparse de Thor fue regresar a las raíces, y con ello no me refiero a regresar a la etapa Lee-Kirby, no, me refiero a la raíces mismas del personaje. Thor era un dios nórdico, ¿por qué no regresar a los mitos que le vieron nacer para construir su relanzamiento? Desde el primer momento, Simonson fue revolucionario, consciente de la libertad que se tendía ante si y conocedor a fondo de la mitología nórdica, Simonson cambio la serie casi desde la primera página quitandole incluso a Thor su martillo para darselo a un alienigena de aspecto equino que demostro merecerlo de sobra. Todo en una historia que hoy en día sigue siendo recordada y aplaudida y que en cierta medida se puede interpretar como una declaración de intenciones: Thor había dejado de merecer el martillo porque no había estado a la altura del mismo, como si Simonson viniera a decir que los ultimos años de aventuras del personaje había estado demasiado lejos de lo que se supone ha de ser una serie como esta.

La revolución de Simonson se plasmo en todos los ambitos de la serie: argumentalmente se deshizo de un Donald Blake cuya presencia ya no tenía sentido, asentó al personaje plenamente en Asgard, lugar que siempre debería ser el foco central de sus relatos dejando la Tierra en segundo plano y quitó de en medido a un Odín que en no pocas ocasiones había sido usado como deux ex machina y que de ese modo solo hacía que frenar la evolución del personaje. Visualmente modifico la tecnificada y futurista Asgard de Kirby creando una visión mucho más mítica a medio camino entre lo medieval y lo tecnológic. Su trazo suelto y elegante vislumbro un Thor mucho más musculado e imponente y sus ya famosas onomatopeyas terminaron de redondear un conjunto que destilaba épica y grandeza, historias más grandes que la vida.En definitiva aquello que nunca debio dejar de ser una serie como Thor.

Simonson hizo totalmente suyo al personaje, creando casi un nuevo canon por el que este podría regirse, de esta forma consiguió que funcionase ver a Thor convertido en rana y viviendo una fabula de Esopo, que un grupo de asgardianos asaltase Hel armados con rifles y metralletas o que Thor tuviese un nuevo traje que resultara visualmente tan impactante con el clásico y hasta entonces casi inalterado diseño de Kirby. Por el camino realizo la que tal vez siga siendo aún la mejor historia de siempre de Thor: La Saga de Surtur. donde además de como dar una lección sobre crear tensión (esos DOOM!) trazo una historia que resume a la perfección lo que uno puede esperar y debería obtener de un cómic de Thor.

El trabajo de Simonson demostró que un personaje como Thor, con una mitología tan rica a su alrededor nunca puede ser desahuciado, sus sucesores, Tom DeFalco y Ron Frenz prefirieron ignorar en gran medida los avances de Simonson recuperando ahora si la raíces Lee-Kirbinyanas del personaje. Hicieron un trabajo más que aceptable, pero a años luz de un creador que se atrevió a tener su propia voz dejando su imborrable huella en un personaje que desde entonces esta en permanente deuda con él. Al igual que nosotros, los lectores que podemos disfrutar en primera fila de semejante espectáculo.

Twin Peaks, ¿quien mato a Laura Palmer?

2011-12-09T08:05:00.004+01:00

Una de las series más míticas y respetadas de la historia de la televisión. Con solo dos temporadas en su haber, Twin Peaks sigue siendo a día de hoy y más de 20 años después de su estreno sinónimo de calidad y ejemplo de que ya entonces, a veces la pequeña pantalla podía tratar de tu a tu a la grande.

Convertida casi desde su inicio en un autentico fenómeno sociológico, el ya famoso “¿quien mato a Laura Palmer?” la catapulto en audiencia y prestigio pero también termino siendo en gran medida su condena. Y es que el asesinato de Laura Palmer no era más que el macguffin que se escondía detrás de un proyecto que, como suele ser habitual en uno de sus creadores, David Lynch, lo que pretendía era indagar en la podredumbre que se esconde detrás de nuestra sociedad, simbolizada en este caso por el, en apariencia idílico pueblecito de Twin Peaks.

Caótica, sugerente, extravagante son solo algunos de los adjetivos se pueden emplear en una serie maldita que gozó de inmensa popularidad y que luego se vio cancelada antes de poder completarse dejando un final tan insatisfactorio como coherente con lo que hasta entonces había sido la serie. Desde un primer momento y tras el espectacular capitulo piloto, aún hoy de lo mejor que se haya realizado nunca en el campo de la ficción televisiva, puro cine concebido para la pequeña pantalla, los tiros de Twin Peaks no fueron tanto por averiguar quien había matado a Laura Palmer si no en entender como algo así había ocurrido en un lugar como Twin Peaks, donde bajo la apariencia acogedora se escondía un autentico infierno y tal vez incluso, el mal encarnado.

La serie sin embargo pronto empieza a perder el rumbo y es que tras una corta (apenas ocho episodios), pero modélica primera temporada. Lynch se va a rodar Corazón Salvaje, el otro creador Mark Frost se centra en diversos proyectos personales y los capítulos mediocres se suceden hasta que llega un punto en el que no parece haber una salida clara. La situación se complica cuando la cadena en un intento por revitalizar la serie, obliga a revelar quien fue el asesino de Laura Palmer, algo que acontece en un magistral episodio dirigido de nuevo por Lynch. La idea era que resuelto el gran misterio la serie pueda seguir otros caminos y llamar de nuevo la atención de un gran publico que poco a poco le había dado la espalda, no fue así claro. El asesinato de Laura Palmer y su resolución, algo que siempre estaba más de fondo que otra cosa en la serie, era lo que había captado el interés del gran público, su resolución solo hizo que muchos ya no encontraran motivos para seguir viéndola. Lynch regreso de nuevo y lo hizo con fuerza pero era demasiado tarde, pese a todo grabo un episodio final, autenticamente espeluznante, que plagado de metáforas y pistas falsas recuperaba la esencia de la serie, cerraba líneas argumentales y daba la vuelta a toda lo visto hasta entonces. El final, oscuro y desesperanzador abría las puertas a una tercera temporada que nunca se produjo, la cadena cerro el chiringuito y nació la leyenda de Twin Peaks.

Considerada por muchos la mejor serie de la historia de la televisión (para el que esto escribe si cuenta desde luego con el mejor piloto que uno haya visto jamas), gran parte del mito de Twin Peaks gira entorno a que estamos ante una serie maldita, que empezó como un cohete, que poco a poco se fue hundiendo para después resurgir de las cenizas cual Ave Fenix más interesante que nunca....cuando ya era demasiado tarde. Su final tan apocalíptico, el fenómeno que se creo en torno a ella, el que alguien como David Lynch estuviera detrás...Son todos elementos que contribuyen a la sobredimensión de una serie con momentos magníficos, pero cuyo balance general solo puede ser calificado de irregular. En todo caso da igual, siempre nos quedara la habitación roja, la belleza de Audry Horne, el agente Cooper y su teoría sobre el café, y por supuesto siempre nos quedara ese “¿quien mato a Laura Palmer?” que todos los que vivimos de una manera u otra el fenómeno cuando se produjo (en España de la mano de Tele 5, que exploto la serie a conciencia) lo tendremos presente en nuestro para siempre en nuestro acervo cultua

El Lobezno de Jason Aaron.

2011-12-07T08:05:00.016+01:00

Decía el otro día que Aaron se estaba convirtiendo en toda una superestrella allende los mares, lo curioso es que pese a saltar a la fama con la genial Scalped editada por DC para el sello Vertigo, ha sido Marvel quien le ha contratado en exclusiva, una muestra más de la torpeza con la que ultimamente se hacen las cosas en la editorial de Superman.

A la hora de construir las aventuras de un personaje como Lobezno hay que tener en cuenta varias cosas. Primero, es después de Spiderman el personaje más popular y reconocible de la antigua Casa de la Ideas. Segundo, aunque cuenta con menos historia que por ejemplo el Capitán América o Thor, su popularidad ha hecho que haya protagonizado tantos o más cómics que estos, lo que le ha llevado a una sobrexplotación brutal que dificulta mucho el trabajar con él, al menos dentro del ámbito de una serie regular. Tercero, pese a todo Lobezno siempre ha sido un personaje con el que se ha permitido jugar más, su estatus ha sido bastante variable, y ha protagonizado momentos de gran impacto con repercusión más o menos permanente para el personaje (Arma X, Origen o Atracciones Fatales son una muestra de ello). Cuarto la condición de hombre X de Lobezno y el que sea allí donde el personaje ha alcanzado su fama ha hecho que muchas veces sea en estas colecciones, y no en su serie propia, donde han sucedido muchos de lo momentos claves de su trayectoria.

Así las cosas cuando Aaron se acerca a Lobezno se encuentra con un personaje que es símbolo de la editorial, sobreexplotado como pocos y que por encima de todo es un hombre X. Malos mimbres para construir un trabajo realmente significativo que deje más huella en el personaje que el espectáculo de fuegos de artificio que supuso la etapa de Mark Millar y John Romita Jr., la última realmente celebre en la serie regular del mutante de las garras de adamantium. Pero Aaron, que debuto en esto de los cómics con una historia corta que pudo escribir tras ganar un concurso, precisamente con Lobezno, tiene las cosas muy claras y cuenta con una carta a su favor: sabe que con Lobezno va a tener más margen para poder hacer algo relevante. Tras un tímido pero atractivo acercamiento inicial que dejaría la muy interesante Saga de la Caza de Mística, (historia cuyo titulo ya lo dice todo, y que nos muestra a un Lobezno implacable y quintaesencial) además de la miniserie con aires de Golpe en la Pequeña China ambientada en el contexto de la mudanza de los X-Men a San Francisco (de nuevo su condición de hombre X marca a fuego el devenir del personaje). Aaron recibe el encargo de escribir una nueva serie sobre el personaje llamada Arma X y donde a lo largo de 16 números y colaborando con autores de la talla de Ron Garney o Yanick Paquette pretenderá y conseguirá que Lobezno vuelva a ser un personaje interesante.

El Lobezno que nos propone Aaron es un personaje hastiado, cansado del dolor y el sufrimiento que ha padecido y causado a lo largo de su ya centenaria existencia, un personaje que intenta el camino de la redención pero que en el fondo no cree en ella, quiere compensar todo el mal que ha hecho, pero sabe que nunca podrá, lo que no impide que lo siga intentando una y otra vez. No es una propuesta original el lado salvaje de Lobezno y su permanente lucha por controlarlo es algo que ha estado siempre presente en el personaje, la maestría de Aaron reside en que lo hace ver como algo nuevo a la par que propone aventuras (alguna como la segunda saga del mad doctor bastante tétrica) plagadas de acción que sin embargo hacen crecer al personaje, llegando a ser incluso más optimista y a conocer una fe en el mañana (e incluso en Dios) que nunca antes creyó posible. Así las cosas el Lobezno que sale del final de Arma X, es un personaje que ha crecido, que presenta más facetas y que por ello resulta más interesante, es decir Aaron ha terminado siendo significativo en la historia del personaje, ha conseguido dejar su propia huella.

Tras esto y en el enésimo relanzamiento mutante, Aaron pasa a escribir la única serie regular del personaje titulada simplemente Wolverine, donde de momento hemos podido leer una historia con dibujos bastante deficientes de Renato Guedes, en la que Lobezno recién estrenada su fe se ve el Infierno donde habrá de hacer frente a todos aquellos a los que ha dado muerte a lo largo de sus muchos años de existencia. Una curiosa premisa que esconde un plan en la sombra orquestado por un enemigo desconocido y que quiere ahondar tanto en la naturaleza violenta del personaje, como en su predisposición a caer bajo el control de enemigos externos con demasiada facilidad. Todo lo que aquí esta construyendo Aaron parece llevar al personaje a la decisiones que tomara en Cisma, el conflicto mutante, que a siguiendo el ejemplo de la Civil War, enfrentara a los dos símbolos actuales del cosmos mutante: Cíclope y Lobezno. Un conflicto que orquestado por el propio Aaron pretende relanzar de nuevo el cada vez más perdido cosmos mutante, habrá que esperar que sale de todo esto, pero si ni Aaron es capaz de arreglar el entuerto será difícil que alguien lo consiga.

Scalped, balada triste en la reserva de Prairie Rose.

2011-12-05T08:05:00.027+01:00

Apenas si quedan dos tomos para el final de la serie que ha lanzado al estrellato a su guionista, Jason Aaron, condición sin duda ganada a pulso en esta Scalped que va camino de formar parte del Olimpo de los grandes títulos de Vertigo.

Mucho ha pasado, desde la última vez que hablamos por aquí de la que sin duda es la serie más interesante que de Vertigo se pública en España a día de hoy. En todo ese tiempo no es que las cosas hayan mejorado en exceso para Dash Caballo Terco. Atrapado en una situación imposible como agente del FBI infiltrado en la organización de Lincoln Cuervo Rojo dentro de la reserva de Prairie Rose, y es que las sucesivas pruebas a las que se ha visto sometido le han puesto al borde del abismo en el que ha estado a punto de hundirse en medio del alcohol, las drogas y un irrefrenable deseo de autodestrucción.

Nada es fácil en este duro relato de género negro moderno de Jason Aaron y R.M Guera (cuyo trazo, sigo diciendo, cada vez me recuerda más a Miller). Siempre al límite sin escapatoria posible, a tan solo dos tomos de la conclusión esta ya se empieza adivinar como devastadora. Aaron marca los tiempos en una obra que frena (centrándose en dar dar trasfondo a personajes secundarios, pero importantes para el devenir de los acontecimientos) o acelera (dando giros a la trama central que nunca termina de ir por donde parece que se encamina) a medida que el guionista lo desea, mostrando que Scalped es una obra planificada al milímetro que se va construyendo como un puzzle al que ya le quedan pocas piezas para completarlo y que va formando un dibujo descarnado y lleno de tristeza.

La sordidez del relato, lo desesperado de los personajes que protagonizan el drama, lo podrido del entorno en el que este se situá no ha hecho más que incrementarse a medida que ha ido avanzando la historia lo que se queda claro en la evolución de los personajes centrales de la misma. Caballo Terco, siempre huyendo: de su madre, de sus raíces indias, de la misera reserva en la creció. Creyó encontrar una salida en el FBI solo para ser obligado a regresar allí donde nunca quiso estar teniendo además que traicionar a los suyos, en especial a la única persona (a parte de su madre) que le ha mostrado algo de respeto en su vida: Lincoln Cuervo Rojo. Este por su parte, otrora defensor de los derechos de su pueblo ha acabado ahora como mafioso local y director de un Casino, contribuyendo a perpetuar el sometimiento de su gente al ser un eslabón más de la cadena que les ha llevado a su esa situación. Consciente de ello, piensa que tal vez Dash, el hijo que nunca tuvo, cuya madre fue la única mujer que amo de verdad, pueda ser su heredero e ir más lejos de lo que él nunca pudo o supo llegar.

Y es que como muy bien plantea José Torralba en la introducción del último tomo publicado hasta ahora en España, las relaciones paterno-filiales son un elemento clave en el entramado que esta construyendo Aaron. Lincoln quiere que Dash sea su heredero, casi su hijo, pero por otro lado despreció y maltrato a su hija que solo ahora, después de años de sufrimiento parece ver la luz al final del túnel alejada de la sombra de su padre. Será precisamente la ausencia del padre de Dash la que explique en gran medida su deseo de abandonarlo todo y dejar atrás la reserva y sus raíces, ahora con su padre de regreso las cosas no harán más que complicarse contribuyendo a incrementar los sentimientos encontrados de Dash y su impotencia ante la dimensión de todo lo que le rodea.

Con Scalped estamos pues, ante una obra que con los códigos del genero negro, narra un laberinto de pasiones humanas encerradas en su propio microcosmos, en este caso una reserva india condenada a la marginación y con ello a la delincuencia. Un laberinto del que poco a poco atisbamos a ver una salida, que sin embargo asoma en el horizonte como oscura y desangelada y es que no parece haber lugar para la esperanza en Prairie Rose.

Buffy cazavampiros, la “octava temporada”.

2011-12-02T08:05:00.031+01:00

Tras cuarenta números y diversos especiales, todo recopilado en España por Norma en 8 tomos de muy irregular aparición, por fin acaba la “octava temporada” de Buffy Cazavampiros, continuación presuntamente oficial de la serie televisiva.

En el fondo Buffy siempre fue un cómic de superhéroes llevado a la pequeña pantalla con la ventaja de que aquí los personajes, su estatus, su entorno, si podía evolucionar, si podía crecer y es que si de algo no se puede acusar a Buffy es de miedo al cambio. En continuo crecimiento, siempre mirando hacía delante Buffy se gano una legión tal vez no muy numerosa, pero si incondicional de fans. Se mantuvo siete temporadas en antena y tuvo un final digno de tal nombre. Sin embargo, el final fue lo suficientemente abierto como para que aún se podíeran contar muchas cosas centradas en la exploración del nuevo (radicalmente nuevo) estatus que se había configurado.

Sin posibilidad de seguir en la televisión (pese a que la actual moda vampirica podría haberlo facilitado), Whedon, que baso muchas de sus ideas y planteamientos para la serie en los cómics de superhéroes que tanto ama, se disponía a continuar las andanzas de la cazavampiros en el medio del que tanto tomo: el cómic. Con el marchamo de “oficial” (lo que dejaba la anteriores aventuras de Buffy en cómic en una especie de limbo) y con el propio Whedon escribiendo (o co-escribiendo) el principio y el final, esta octava temporada de Buffy no podía tener mejor pinta. Más si tenemos en cuenta que uno de los problemas principales que había tenido la serie original era su ajustado presupuesto, que pese a ser usado con grandes dosis de talento e imaginación, no permitía hacer todo lo que a los creadores les hubiera gustado hacer. El formato cómic eliminaba ese problema de raíz, el presupuesto era infinito, el único limite era la imaginación, y de eso Whedon había demostrado ir sobrado.

Lo curioso es que tal vez ahí radique el problema y es que si algo resulta ser la 8ª Temporada de Buffy es excesiva: excesiva en su duración, excesiva en sus planteamiento con una nueva vuelta de tuerca a Sunnydale que fuerza demasiado la credulidad, excesiva en recursos, con demasiada magia, demasiados seres míticos, demasiado todo en general. Es como si Whedon y su gente, quisieran desquitarse de un plumazo de las restricciones televisivas forzando las cosas más allá del enfoque esperado en Buffy, como si fueran incapaces de aplicarse aquello de un “gran poder conlleva una gran responsabilidad” queriendo hacer todo un más grande todavía continuo que no alcanza nunca la épica de, por ejemplo la quinta temporada, la ambigüedad de la sexta o el nivel de amenaza inabarcable de la séptima.

Y ahí es donde encontramos otro problema, es una obviedad si, pero no por ello menos cierta, y es que por mucho que Whedon conozca el medio, por mucho que se haya rodeado de guionistas interesantes, Buffy era una serie de televisión maravillosa, llena de magia, que te atrapaba episodio a episodio y esta “octava temporada” es otra cosa muy distinta, no un mal cómic en sentido estricto, pero desde luego no una temporada de Buffy. Carente de la magia y el encanto de la serie televisiva, resulta por momentos difícil identificar a los personajes, tanto por actitudes (tal vez lo más grave) como porque, George Jeanty el dibujante, pese a que se esfuerza en hacer un trabajo fotorealista no termina de conseguirlo. Para más inri sus dibujos son estáticos, su narrativa escasa y sus intentos de espectacularidad son de todo menos eso, un desastre vaya, y lo curioso es que Whedon señala todo lo contrario en el epilogo, diciendo que Jeanty capto la esencia de los personajes sin ser estático y sabiendo dar espectáculo, se ve que vimos cómics distintos.

Con todo el cómic esta lleno de grandes ideas, muchas de las cuales apenas si son exploradas, pero esta claro que eso no basta, al menos a mi claro, así que por mucho que se intente dar oficialidad a esta octava temporada, para mi Buffy ("mi" Buffy, vaya) acabo y muy bien por cierto en la séptima temporada, esto que aquí hemos podido leer, aunque me duela admitirlo, no es si no un pálido reflejo de lo que se pudo disfrutar en la pequeña pantalla.

Incógnito, malas influencias de Ed Brubaker y Sean Philips.

2011-11-30T08:05:00.043+01:00

De la mano de Panini llega el segundo tomo de la colección que recopila los cinco números de la miniserie original, Incognito: Bad Influences, nueva colaboración de un dúo artístico que hasta ahora ha sido sinónimo de calidad: Ed Brubaker y Sean Philips.

Brubaker en los guiones y Philips en los lápices forman a día de hoy una de las parejas creativas más interesantes y poderosas de las que trabajan al otro lado del Atlántico. Recordando en cierta medida a dúos míticos que han producido obras cumbres en el cómic americano (pienso, salvando las distancias en Lee/Kirby, O´Neil/Adams o Thomas/Buscema), la pareja formada por Brubaker y Philips parece contar con una sinergia que hace que sus trabajos tengan un aura especial donde predomina el equilibrio entre ambos autores, lo que les hace mucho más atractivos que otros dúos contemporáneos como el de Ennis y Dillon (donde el guionista es claramente la estrella) o Loeb y Sale (donde el dibujante capta casi todo el interés). Esta sinergia se observa especialmente en el caso del guionista, y es que ahora que Brubaker se encuentra en su peor momento creativo dentro del ámbito del cómic de superhéroes mondo y lirondo, sus trabajos con Philips permiten sacar lo mejor del guionista de La Escena del Crimen, que en estas colaboraciones vuelve a recordar a los lectores porqué alcanzo el estatus de superestrella siendo uno de los escribas más interesantes del nuevo milenio.

En lo que aún a día de hoy sigue siendo el mejor trabajo del dúo, la monumental Sleeper, los autores de Incógnito ya probaron con acierto la formula utilizada aquí, esto es la mezcla de dos géneros tan distintos como compatibles entre si: el noir y los superhéroes. En la medida en que el género de superhéroes puede calificarse como género de géneros, en el sentido de su capacidad de absorción y mimetismo con los elementos más clásicos de otros géneros (desde el terror al western pasando por la ciencia-ficción), esta mezcla propuesta por los autores de Criminal no tiene nada de extraño, aunque es cierto que pocas veces se había plasmado con tanto acierto como en Sleeper.

Si ya en el primer tomo de Incógnito asistíamos a una especia de reflejo invertido de aquella obra (ahora era un supervillano, Zack Overkill, quien por diversas circunstancias se integraba en una organización heroica), en este segundo tomo las cosas van mucho más lejos cuando Overkill, asentado a duras penas en su nuevo papel heroico, se ve obligado a infiltrarse de nuevo en la comunidad de villanos para sacar a un agente encubierto (quien bien pudiera ser Holden Carver el protagonista de Sleeper) del que hace demasiado que no se tienen noticias. Un entramado más propio tal vez del género de espiás que del noir, pero que los consabidos recursos de la voz en off, la sordidez de los ambientes en los que se moverá Overkill, la ambigüedad de los todos los personajes que conforman el drama y el dibujo, oscuro, sucio por momentos feista de Philips, terminaran enlazándolo claramente con los anteriores trabajo del dúo, estando el tebeo mucho más cerca de Criminal que no del Nick Fury de Jim Steranko por ejemplo.

Siendo interesante la enrevesada trama, y gozando de una ambientación, una“puesta en escena” por así decirlo decirlo llena de fuerza, los momentos tal vez más interesantes del cómic parten de las reflexiones internas de Overkill. Un Overkill que solo encuentra sentido a lo que hace cuando esta en acción, el resto del tiempo teniendo que amoldarse a una anodina “identidad secreta” se muestra absolutamente incapaz de adaptarse a una vida normal, a un trabajo normal a convivir con el resto de una humanidad a la que cree despreciar. Y decimos cree puesto que cuando obligado a asumir de nuevo el rol de villano, gozando de la libertad de poder hacer lo que quiera sin frenos ni limites, descubre que cosas que antes aceptaba como normales (violaciones, combates a muerte entre niños y toda otra serie de barbaridades) se han vuelto para él insoportables. La moralidad, la conciencia adquirida por su paso al lado de los ángeles le impide encontrarse agusto donde antes era su territorio. Así las cosas Overkill aparece como un personaje atrapado en un limbo, incapaz de adaptarse a su nuevo rol heroico y aun más incapaz de regresar al mundo de donde vino. En este sentido el cruel destino que le deparará el devenir de los acontecimientos no será más que el resultado lógico para un ser incapaz de pertenecer a ningún bando.

Asterios Polyp, a veces en el diseño esta el mensaje.

2011-11-28T08:05:00.005+01:00

Vamos terminado el repaso por los cómics que quedaron pendientes del top del año pasado, hoy con Asteryos Polyp de David Mazzuchelli obra que hace buena la mítica frase pronunciada por Ridley Scott a cuento de Blade Runner: “A veces en el diseño esta el mensaje”.

David Mazzucchelli, artista de brillante trayectoria en el género superhéroico (dibujante ni más ni menos que de Año Uno y Born Again, dos de las obras maestras del género) ejemplifica en si mismo la búsqueda de la independencia artística y creativa. Resulta evidente que Mazzuchelli podía haberse refugiado en su estatus de superestrella del genero, haberse quedado allí para buscar vivir de las rentas, no sería el primero en hacelo. Por contra, Mazzuchelli tomo el camino difícil, busco explorar el medio, hacer su propio trabajo sin más condicionantes que lo que él mismo quisiera ponerse. Su búsqueda culminada con éxito, le ha llevado a convertirse en uno de los autores independientes más respetados y admirados, aunque bien es cierto que su trabajo, demasiado dilatado en el tiempo le hacía correr el riesgo de caer en un olvido sin duda inmerecido. En este sentido Asteryos Polyp, su primera novela gráfica y trabajo que se presuponía monumental habida cuenta el tiempo que el artista llevaba en ello, era esperado con un mezcla de expectación y curiosidad ante lo que todo parecía indicar sería el trabajo más relevante de Mazzuchelli hasta la fecha.

Leído el cómic, y valorado con la perspectiva que da el año transcurrido desde su publicación, cabe constatar que pocas veces la forma condiciona y define tanto el fondo como en esta obra. Concebido para aprovechar al máximo los recursos del medio, Asteryos Polyp resulta en ocasiones excesiva. Excesiva en la forma que apabulla al lector con soluciones gráfica sorprendentes en su complejidad y excesiva sobre todo en el fondo, aunque por desgracia más por lo que pretende conseguir, que por lo que en realidad termina consiguiendo. Mazzuchelli narra en el obra, el auge, caída e intento de redención del personaje central, Asteryos Polyp a través del cual trasmite su forma de ver la vida e intenta en cierto sentido llegar a la VERDAD así en mayúsculas sobre el sentido de la misma.

Demasiado ambiciosa tal vez, casi nacida con la obligación de ser una obra maestra absoluta y por ello fallida en el fondo, lo cierto es que cabe agradecer la valentía con la que el dibujante de La Ciudad de Cristal afronta el reto auto impuesto. Un reto claro, imposible de conseguir pero que pese a todo trae consigo una obra visualmente brillante, en al que todo esta condicionado en función de su plasmación en el papel donde Mazzuchelli homenajea y extrae recursos de los más grandes del medio y donde la página aparece como vehículo narrativo sobre la que se aposenta la obra. Destaca también en este aspecto el color, convertido en el elemento narrativo de primer orden y que transmite en todo momento tanto el estado mental de su protagonista como el lugar físico en el que se haya.

Más allá del plano visual sin embargo es donde resulta fallida la obra: tratar temas universales, jugar con los mitos griegos en clave moderna, hablar de la dualidad del hombre y la vida (elemento este sin duda clave en el cómic) requiere ir mucho más lejos de lo que Mazzuchelli lo hace en esta obra. Una obra que si, es un espectáculo digno de contemplarse.....pero que al final resulta poco más que eso, y es que cuando el autor verbaliza lo que quiere contar, cuando la palabra trata de imponerse sobre el dibujo, es cuando el cómic parece perder fuerza y desinflarse, cayendo en no pocas ocasiones en el tópico, pecado nada venial para una obra concebida para ser rupturista. Y es que si como decíamos más arriba el ser ambicioso es algo digno de admirar, lo cierto es que si se quiere ir por los caminos que Mazzuchelli transita en esta obra tal vez fuera necesario ser aún más radical. En todo caso sigue siendo una de las obras visualmente más estimulantes que se ha visto en años, lo que sin duda le hace merecedora de los muchos parabienes recibidos a la par que la señalan como uno de los mejores cómics editados durante el pasado año.

Desde la nostalgia, series para el recuerdo IX.

2011-11-25T08:05:00.001+01:00

Acaba con este la lista de post dedicados a aquellas series que más impacto causaron en mi infancia/adolescencia, al final la cosa ha quedado bastante completita y creo que no se me ha faltado ninguna.

Muchas y muy variadas han sido las series que han pasado por aquí, las ha habido de todo tipo, policíacas, de acción, noir, de aventuras, de adolescentes, comedias, dramas etc, etc sin embargo y con la excepción de unas pocas series de animación apenas si mentadas, no ha habido series españolas ¿por qué?

Bueno, realmente si tengo en la memoria alguna serie española que podría haber tendido su espacio aquí, series como Verano Azul o Curro Jiménez tienen un aire mítico, y realmente tengo la sensación de que estaban bien, que de chaval me gustaban, aunque siendo sincero apenas si me acuerdo de ellas, y he de decir que no son series que apetezca revisitar demasiado. No se, creo que realmente el motivo por el que no ha entrado ninguna serie española se debe a que en mi mente no hay ninguna que merezca realmente la pena, si hago un esfuerzo si recuerdo más o menos series como Al salir de clase, mala con avaricia, o Compañeros, algo mejor, pero en todo caso émulos sin gracia de la ya escasamente relevante Sensación de Vivir. Dentro de las comedias me saldría series como Farmacia de guardia, tan conservadora como Los problemas crecen pero sin ningún tipo de encanto o Ay señor, señor, casposa a más no poder. Otras series que si recuerdo haber seguido con mayor o menor interés como Periodistas (ya bastante tardía) o Las chicas de hoy en día no las tengo en mente con especial cariño, en realidad no creo que sean series de las que vuelva a ver algún día un episodio.

Realmente no me viene a la mente ninguna serie española que marcara mi infancia o mi adolescencia de verdad, no quiero hablar de falta de calidad, ya que obviamente ni las vi todas, ni muchas de las que si me marcaron andan sobradas de la misma, pero lo cierto es que aún incluso hoy en día, más allá de comedias bufas construidas en torno a una formula que al menos resultan simpáticas (pienso sobre todo en Aquí no hay quien viva, de clara inspiración comiquera por otra parte), solo hay dos series españolas que me atrevería a recomendar a alguien: 7 Vidas, la serie española (al menos que yo haya visto) que mejo ha sabido captar el espíritu de las mejores sitcom americanas y ¿Qué fue de Jorge Sanz?, una rara avis en nuestro país que merece mucho la pena, pero que por su misma condición no es un más que una excepción.

Me dicen que Crematorio esta muy bien, el amigo Paco Hernández habla maravillas de La Pecera de Eva, y me cuentan quienes siguen Águila Roja que es una serie de aventuras desenfada y sin complejos que resulta la mar de divertida, no lo se. Lo que si es que cuando pienso en series como Dexter, 24, Lost o incluso una formula ya tan agotada como House, no encuentro nada en España que se le pueda acercar bajo ningún parámetro imaginable, desde luego tampoco en la comedia veo nada que roce si quiera a Friends o The Big Bang Theory, y como digo todo esto viene de lejos y no se si es problema mio que no consigo conectar con la ficción televisiva española o problema de esta que no consigue hacer productos a la altura de lo que se hace en otros países, porque claro, la diferencia económica será notable, pero el verdadero talento siempre se ha impuesto a estas cosas.

En fin que como digo no hay series españolas (salvo las dos excepciones mentadas) que me interesaran en el pasado y tampoco veo ahora ninguna (salvo quizá Crematorio) que me llame en exceso, de ahí su ausencia a lo largo de esta serie de posts, ausencia que en todo caso he querido paliar en parte mentando por lo menos algunas series que si no significativas, si forman parte de aquellos años de formación.

Invencible y el género superheroico: todavía en pie.

2011-11-23T08:05:00.017+01:00

Aunque a cuenta gotas y en una edición claramente mejorable, Invencible sigue publicándose en España, lo que es sin duda motivo de alegría no en vano sigue siendo una de la colecciones de superhéroes más atractivas que se pueden leer hoy en día.

Lo que empezó como una mezcla de elementos propios de Spiderman con la noción de legado del Universo DC ha terminado por adquirir una marcada personalidad propia que parece intentar llevar al extremo tanto la estética como la ética del superhéroe. Si ya con anteriores giros argumentales, Kirkman había conseguido dar la vuelta a multitud de tópicos relacionados con el género, el cómic que abre el último tomo publicado por ahora en España, va un paso más allá al resolver en un solo número y de una sola colección un concepto que parecía destinado a ser un crossover multitudinario que afectase a todo el universo de ficción de Image.

Lo que se nos narra en ese tebeo es la invasión de la Tierra por parte de un grupo de Invencibles malignos de multitud de tierras alternativas en un diabólico plan orquestado por un antiguo enemigo del héroe. La magnitud de la amenaza lleva a todos los héroes de la editorial (por ahí vemos el Spawn de McFarlane, el Savage Dragon de Larsen o los Youngblood del recientemente rehabilitado Liefeld) a unirse para tratar de frenarla. Lo dicho, un argumento diseñado casi a posta para un evento de proporciones épicas se resuelve en solo número dejando abiertas además ideas para el futuro. Lo revolucionario de un planteamiento así en un contexto como el que vivimos actualmente en el género (marcado por la casi obligatoriedad del evento anual y alargamiento de las tramas hasta más allá de lo recomendable), muestra a las claras por que Invencible con más de sesenta números a sus espaldas sigue siendo una de las propuestas más recomendables y frescas del género a día de hoy.

Tan remarcable como esto es el hecho de que, sin apenas respiro enseguida tenemos encima la siguiente amenaza, tan grande que casi empequeñece lo anterior. Ahora por contra, la aventura dura cinco números y suena a ya vista ya que no es más que una repetición de lo sucedido números atrás con todo el asunto de Omniman, eso si, sin la carga emocional de aquella. Sin embargo todo lo que falta en dramatismo emocional, se suple con la fisicidad ultraviolenta de uno de los combates superhéroicos más potentes que jamás se hayan presenciado en un cómic book de superhéroes al uso. Acostumbrado a llevar las cosas al limite, y aunque ultimamente la violencia ha tenido cada vez más importancia en los universos superhéroicos más clásicos. Invencible lleva tiempo yendo más lejos de lo que se suele ver en el genero (excepciones como The Authority a parte) y es que, aunque este es por su propia naturaleza violento, la violencia que se suele encontrar en los cómics más clásicos de Marvel o DC no tienen nada que ver con la que se ha venido reflejando en esta colección, donde las peleas duelen de verdad y las heridas casi se pueden palpar.

Cabria destacar en todo caso, que si bien es Kirkman quien, por sus planteamientos se suele llevar tal vez demasiado merito por la calidad de la colección, si algo viene a demostrar este tomo es la potencia visual de Ryan Ottley, capaz de trasmitir en sus páginas la espectacularidad de un combate (que casi dura tres números) más propio de Dragon Ball con el inmenso dolor que tanto Invencible como su oponente sienten en una batalla tan brutal como bien planificada.

Supongo que al no formar parte de un universo de ficción con tanta historia y el ser un personaje relativamente nuevo facilita que en Invencible se hagan las cosas que se hacen, aunque uno puede ver que por encima de todo esto el éxito de esta colección radica en unos autores talentosos que sin cortapisas editoriales y sabiendo en el género y el formato en el que trabajan , dan lo mejor de si. Tal vez sea esta la lección que deberían aprender las grandes editoriales en lugar de recurrir a relanzamientos absurdos y burdos trucos de marketing sin sustancia.

Other Lives de Peter Bagge o el destino de la generación X.

2011-11-21T08:05:00.025+01:00

Poco a poco voy completando las reseñas de los cómics que incluí en mi top del año pasado, ahora le toca el turno a Other Lives, una novela gráfica de Peter Bagge publicada en España por La Cúpula.

¿Que configura nuestra identidad?, ¿quienes somos y quienes queremos ser son realidades compatibles?, ¿somos conscientes que las decisiones que tomamos van a configurar nuestras vidas? Estas preguntas son, entre otras las que asoman en el horizonte tras la lectura del último trabajo del creador de Odio visto por estos lares. Con su habitual socarronería y su dibujo caricaturesco y expresivo, Bagge nos cuenta una historia sobre personas que se niegan a asumir quienes son, que buscan encontrar vías de escape a su anodina realidad ya sea mediante un juego de rol virtual, tapando con alcohol desordenes alimenticios y un profundo odio a si mismos, inventándose pasados misteriosos o mintiéndose directamente sobre lo que se pretende conseguir.

El tema de la configuración de la propia identidad ya estaba presente en Odio, más que nada por que a medida que avanza la serie vemos crecer a Buddy y su entorno y asistimos de primera mano a la decisiones que harán que su vida sea como termino siendo. En Other Lives, Bagge es mucho más directo, o mejor dicho se centra más en este tema y lo hace a través un grupo de cuatro treintañeros que, en una edad en la que ya debían haber constituido sus vidas siguen jugando a ser adolescentes siendo aún incapaces de asumir su propia existencia. Todo esto claro, solo puede terminar en desgracia, teniendo en general la obra un tono mucho más pesimista y oscuro. Así si Odio suponía en cierta medida un reflejo de la generación X mezclado con tintes autobiográficos, Other Lives muestra el panorama de lo que ha pasado con los componentes de esa generación con el transcurrir de los años, dibujando un retrato desolador, que el tono de la obra, marcadamente ácido, no hace si no incrementar. Y es que el humor es aquí mucho más incomodo e incluso hiriente que lo que nunca resulto ser en la andanzas de Buddy y compañía.

El cómic, estructurado en forma de cuatro historias cruzadas que terminan creando un todo más grande y constituyendo un relato coral, puede ser visto, así y en cierta medida como una suerte de epilogo pesimista de Odio. Un Bagge con muchas menos ganas de bromas parece decir que si bien es divertido y hasta necesario hacer el tonto a los 20, seguir haciéndolo superados los 30 puede tener consecuencias desastrosas. Una lectura tal vez demasiado moralista y algo conservadora, pero que el autor consigue hacer funcionar a lo largo del relato, lo que no deja de tener su merito y más ante la sucesión de situaciones incomodas que el creador de Studs Kirby va presentando. Situaciones en todo caso pensadas para provocar una reacción en el lector, lo que sin duda consigue resultando complicado permanecer impasible ante lo que Bagge no esta contando.

Cabría destacar también, más como elemento anecdótico, pero no del todo desdeñable, el formato de publicación, que como no, es el de la tan traída y llevada novela gráfica., algo tal vez condicionado por la editorial tras la historia, ni más ni menos que DC, aunque eso si, a través de su sello Vertigo (realmente me cuesta pensar en este cómic como un cómic Vertigo, pero bueno ese es otro tema), que con este movimiento tal vez buscara un poco más de prestigio para una obra tan especial. El formato decía, es relevante desde el momento que el propio autor declara no sentirse muy a gusto con el mismo, pero en el que, por motivos comerciales se ve “obligado” a trabajar (¿esta es la libertad que traía consigo la novela gráfica?). La elección de este formato configura claramente la disposición del relato que pese a todo adopta por momentos una estructura capitular, como si el autor, consciente de que si quiere tener viabilidad comercial ha de adaptarse a lo que hoy pide el mercado, pero aún así listo para revindicar su parcela de libertad y dictando el ritmo de la obra como si esta se hubiera constituido en formato comic-book, un formato tan lleno de posibilidades como por desgracia, herido de muerte hoy en día. No hay más que ver la lujosa edición del clásico Death Ray de Daniel Clowes, publicado originalmente en comic-book y ahora reeditado a todo lujo para que pueda ser considerado, ahora si, una novela gráfica por derecho propio.

Occupy Frank Miller

2011-11-18T08:05:00.038+01:00

Calificar de sorprendente el escrito de Frank Miller sobre el movimiento Occupy de los USA no sería ajustarse del todo a la realidad, y es que la deriva ideológica del genio de Maryland ha resultado por desgracia bastante palpable en los últimos años. Resulta evidente que el Miller que a comienzos del siglo XXI decía no entender el patriotismo poco tiene que ver con el Miller que ahora parece refugiarse en el, como único camino a la victoria en la presunta guerra que esta librando su país.

En fin, que si no sorprende que Miller se posicione claramente en contra del movimiento Occupy, si resulta más sorprendente el tono, tremendamente agresivo e irrespetuoso con el que lo hace, y más teniendo que el contexto en el que se produce no es de una conversación de barra de bar, si no en su propio blog donde la constancia de sus palabras es imperecedera. Tal vez eso sea la clave de todo, Miller, consciente de que Holy Terror (pese a que sus ventas no han sido malas) no había llamado la atención lo que él pensaba que debía hacerlo, quiso elevar la voz y crear polémica para centrar el debate en torno a lo que piensa que es la clave de todo: la supuesta guerra de su país contra el radicalismo islámico.

Lo que no tengo del todo claro es si Miller valoro el que, la polémica que iba a crear se iba a centrar más en su persona y su obra que no en el tema sobre el que pretendía llamar al atención y precisamente aquí es donde quería pararme. Para mi (ojo recalco, para mi), las palabras de Miller no tiene justificación alguna, son más propias de un barriobajero cualquiera de Intereconomía que no de una persona sensata que quiere expresar su oposición a un determinado tema. Es más, es triste que Miller tenga que recurrir a esto para llamar la atención, algo para lo que hasta ahora le había bastado y sobrado con su obra, no en vano estamos ante uno de los maestros claves del 9º Arte. Sin embargo todo esto parece haber servido de excusa para que muchos, que parecían todo sea dicho, tenerle muchas ganas a Miller, hayan saltado al cuello y cuestionado no el Miller actual, si no su obra, su trayectoria con frases como “siempre ha sido un facha” o “nunca fue para tanto”. Frases simples cargadas de atrevida ignorancia que por un lado soslayan (por desconocimiento, o peor aún, porque aún sabiéndolo es mejor no mentarlo ya que si no se cae el discurso) la ambigüedad con la que Miller ha reflejado su posicionamiento político a lo largo de su carrera y por otro desprecian al que ha sido uno de los renovadores más relevantes que jamás ha conocido el medio.

Que Miller siempre ha estado más escorado a lo que en España podríamos llamar la derecha es muy matizable, pero se puede entender que la defensa del individualismo y el rechazo a cualquier intervencionismo gubernamental se pueda ver así, pero decir que Miller siempre ha sido un facha ignorando los cambios producidos en su forma de ver las cosas es simplemente mentir, y aunque es cierto que Miller se ha ganado a pulso el linchamiento verbal al que se le esta sometiendo, no es menos cierto que se lo ha ganado el Miller de ahora, no el que escribió Born Again, Año Uno o Give Me Liberty, o dibujo y escribió DK, DK2, 300, Ronín o Elektra Lives Again.

Para acabar voy a dejar por aquí una serie de enlaces sobre el tema que me han resultado interesantes:

Primero claro el propio post de Miller, que no merece más comentario, por desgracia se descalifica por si mismo.

Aquí dejo un par de enlaces a medios generalistas que se han hecho eco del tema, en España y en UK, curioso que en España se hable de Miller como productor de 300 y codirector de Sin City, y UK se le señale como novelista gráfico, el camino a la normalización es todavía largo.

Post muy interesante de Pepo, y otro del blog del maestro Rafa Marín.

De las diversas reacciones al tema que desde dentro del medio se han producido, me quedo con las de Mark Millar que viene a señalar que Miller puede decir lo que quiera (aquello de la libertad de expresión y tal) que sus grandes cómics seguirán siendo cojonudos y con las de Ann Nocenti que prefiere centrarse en lo que ha llevado a la creación del movimiento Occupy, en lo que es y en lo que significa, visión con la que, por otra parte estoy bastante de acuerdo.

Por su parte Neal Adams también ha hablado del tema, y no es el único.

Nemesis, villanos de nuestro mundo.

2011-11-16T08:05:00.012+01:00

De la mano de Panini, nos llega en un bonito a la par que caro tomo, la recopilación de la miniserie de cuatro números que en el sello para adultos de Marvel, Icon ha producido uno de los enfant terribles más interesantes a la par que enervantes del cómic americano actual: Mark Millar. Acompañado para la ocasión por una de sus habituales parejas de baile, Steve McNiven.

He de reconocer que me acerque al último trabajo de Mark Millar con ciertos prejuicios. Por un lado era una nueva colaboración con Steve McNiven dibujante de corte realista, algo abigarrado y estático para mi gusto y cuyas anteriores colaboraciones con Millar (Civil War y Old Man Logan) había resultado cuando menos discutibles. Por otro lado Millar, sin duda un interesante guionista, se había alejado hace tiempo de sus prometedores inicios, donde siguiendo la estela de su amigo Grant Morrison, se había mostrado como un guionista moderno e inteligente, que sabía ir a la esencia de los personajes con los que trabajaba a la vez que conseguía dejar marcado su sello.

El espectacular éxito de The Authority y su posterior irrupción en el Universo Ultimate marvelita tornaron a Millar en el amo del “comomolismo”, a saber: personajes sobrados de actitud, frases “molonas” y cortantes, villanos despiadados y héroes que parecían desconocer el significado de esa palabra, todo envuelto con el dibujo más espectacular posible del dibujante hot del momento con el objetivo de que su trabajo fuese algo que “había que leer”, lo de menos, claro, era que este fuera bueno o malo, lo importante era que “molara”. Esto, que funcionaba muy bien en las ya mencionadas The Authority o en la reescritura de los mitos marvelitas, se tornaba en problema cuando Millar lo convirtió en una especie de marca de fábrica que pasaba por encima de la historia o de los personajes con los que trabajaba, para el escoces lo importante era mantener el tono, lo demás era secundario.

Nemesis parecía entrar de lleno dentro de este lote, vendido con un “¿y si Batman fuera el Joker?” como si esa idea fuese original, y concebido con la adaptación cinematográfica en mente, como si ese fuera el fin y no el resultado de la calidad o el interés del cómic en si. Nemesis tenía toda las papeletas para ser otra barrabasada violenta sin sentido en la que Millar intentaba sin éxito emular la violencia salvaje y la incorrección política de Garth Ennis. Leído el cómic he de reconocer que me he llevado una grata sorpresa, con una obra que ha resultado estar mucho más cerca de la estimable Kick-Ass que no de la deleznable Wanted, y es que si bien en Nemesis vemos muchas frases molonas, muchas poses y mucha violencia desmedida, lo cierto es que el cómic lo necesita para trazar el relato que se esta contando, y eso es la clave de todo.

Millar tiene muy claro lo que quiere contar, y sabe quien es el dibujante con el que esta trabajando, el que Nemesis vista de impoluto blanco, el que el cómic apueste decididamente por la espectacularidad desenfrenada, con una composición de página que recuerda a la velocidad narrativa del manga, no es baladí. El guionista pretende embotar al lector con un planteamiento y enfoque en apariencia superficial, para disimular las enormes cargas de profundidad que contiene la obra. Bajo este prisma el espectacular pero vacuo trabajo de McNiven cumple con creces lo que demanda el cómic.

No hace mucho leía que que un alto ejecutivo tenía hasta cuatro veces más posibilidades de ser un psicópata que el resto de la sociedad. Visto como esta el panorama, y como es la gente la que esta(mos) pagando los desmanes de unos pocos, parece claro que, por desgracia en nuestro mundo es mucho más fácil creerse un Nemesis que un Bruce Wayne o un Tony Stark y con esta idea juega Millar. Así, si en Kick Ass ya había tocado la eterna pregunta del género superhéroico: ¿como sería un superhéroe en el mundo real?, en Nemesis da su visión de como sería un villano, y lo hace de formar que resulta bastante incontestable: en nuestro mundo, una persona que tuviese los recursos, el entrenamiento y la inteligencia de Bruce Wayne estaría mucho más cerca de ser un psicópata desalmado que no un bienintencionado aventurero. Leyendo estas dos obras en sus conjunto, Millar viene a decir que en nuestro mundo, alguien capaz de ponerse una mascara ocultando su identidad con el objetivo de combatir ya sea el crimen, ya sea el aburrimiento, ha de ser o un friki descerebrado (Kick Ass) o un perturbado sin corazón (Nemesis). Una lectura interesante y más de manos de un guionista que guste o no ha sido clave en el género en lo que llevamos de siglo.

Lecturas pendientes: El Eternauta de H.G. Oesterheld y Solano Lopéz.

2011-11-14T08:05:00.014+01:00

Por fin he podido resolver una de mis más prolongadas asignaturas pendientes: leer El Eternauta un clásico indiscutible del medio y una de sus más revindicadas obras cumbres.

Hay cómics míticos cuyo prestigio es tan grande que uno se acerca a ellos por primera vez con cierto recelo. Ya sea por miedo a quedar decepcionado como por la intimidación que pueda ejercer un cómic de tamaño calado y repercusión, ciertas obras ejercen a la vez un poder de fascinación y reparo hasta que por fin pueden ser leídas. Si El Eternauta forma parte de esas obras es algo que enseguida queda relegado a un segundo plano ante el inicio de una lectura tan apasionante como adictiva.

Y es que más allá de las disquisiciones políticas hechas a posteriori cuando el devenir de los acontecimientos trazaron el cruel destino final de H.G Oesterheld. El Eternauta es un cómic de ciencia ficción, concebido con una tremenda humanidad, en el que en un genial juego metalinguistico, un hastiado y perdido viajero temporal narra al propio guionista su lucha por sobrevivir ante una insólita invasión extraterrestre, un juego que por cierto tendrá en cierta medida su reflejo en su genial e inesperado final. Con ese comienzo, los autores ya tiene al lector ganado para su causa y a partir de ese punto solo queda crecer.

Con personajes llenos de humanidad y una brillante planificación de la obra, heredera sin duda de su origen folletenisco en la revista Hora Cero Semanal. El Eternauta, siguiendo los parámetros ya ensayados por H.G. Wells en la mítica “La Guerra de los Mundos”, nos acerca a la invasión desde un punto de vista intimo, de los afectados por la misma, y no de los grandes poderes que tratan de combatirla. A diferencia del clásico decimonónico, aquí son un grupo de amigos los protagonistas, un grupo que en circunstancias extremas forjaran vínculos más fuertes que los de la sangre. Este punto de vista grupal, es precisamente una de los elementos más interesantes de una obra que pese a que juega con la idea de que “el hombre es el lobo para el hombre” tan manida ya en este tipo de historias, termina revindicando nuestro carácter social y la necesidad de la colaboración como elemento clave en la supervivencia. Así las cosas la obra hace una decida y optimista apuesta por la esencia misma de la humanidad, con personajes llenos de vida y fuerza que se niegan a rendirse y que incluso están dispuestos a sacrificarse por los demás. Una concepción coral que, en definitiva dota a la obra de otra dimensión que la aleja de los tópicos y la hace mucho más atractiva.

El dinamismo de la historia, la sabia dosificación de la información y el que pocas veces las cosas sean lo que parecen, enmascaran con acierto una critica atroz a la guerra como mecanismo resolutor de conflictos. Critica no a los que hacen la guerra en el campo de batalla, si no a aquellos que están en las sombras, siempre ocultos, manejando a unos y a otros en defensa de sus propios intereses. Destacan en este aspecto el papel que juegan los invasores y los elementos que vamos descubriendo sobre “Los Ellos” (sobrenombre con el se conoce al misterioso y esquivo enemigo), un papel que tiene una carga metafórica tan fuerte que incluso tiene relevancia hoy en día cuando no es difícil imaginar esos “mercados” que nos manejan en las sombras como una suerte de “Ellos” que con múltiples agentes, más o menos conscientes, están invadiendo nuestras vidas.

Destaca el trabajo de Solano López, poderosamente realista, que consigue captar la terrible claustrofobia que implica estar encerrado primero en tu propia casa, cuya intimidad parece violada al tornarse en cárcel y ya después en los icónicos trajes de buzos caseros que mantiene a salvo a los protagonistas a la vez que le impide acceder a la libertad plena y al verdadero contacto humano. Es sobre todo, que no solo, en estos momentos cuando el cómic parece apostar decididamente por el terror, un terror a lo desconocido, al otro, a dejar la seguridad del hogar, pese a que este se ha tornado en prisión. Sensaciones todas que Solano López consigue transmitir con la atmósfera que crea su trabajo y que completan una obra a la altura de su fama.

Desde la nostalgia, series para el recuerdo VIII.

2011-11-11T08:05:00.045+01:00

Segundo y último post dedicado a las series de animación más relevantes de mi infancia/adolescencia. Nos vamos acercando ya al final de esta ciclo de post, en este caso con tres serie indiscutiblemente míticas.

Los Caballeros del Zodiaco: En aquellos lugares donde la ausencia de televisión autonómica retraso la llegada del fenómeno Dragon Ball (que llego, todo hay que decirlo, ya bastante diluido). Los Caballeros del Zodiaco era el anime (dibujos japoneses en mis años mozos que esto del anime es muy moderno) por excelencia. Tremendamente violentos y con multitud de elementos homoeróticos resulta sorprendente que esta serie se emitiese tanto tiempo en horario infantil sin que los de siempre pusiesen el grito en el cielo, eran otros tiempos supongo, tal vez con todo, incluso más libres. En fin, en su momento Los Caballeros eran un autentico fenómeno: cromos (complete el álbum que aún tengo por casa), muñecos (que en su momento eran carísimos...y frágiles, recuerdo que me cargue el primero que tuve sin hacer gran cosa), posters y más tarde el manga (que recuerdo me decepciono mucho). Era una serie de la que siempre se hablaba en el colegio, cada uno tenía su caballero favorito (los míos eran Cisne y Fénix, claro que Fénix le gustaba a todo el mundo), y le tengo especial cariño a la saga de los Caballeros Dorados que seguí con adicción. Hace poco intente revisitar la serie desde el principio y la verdad es que me resulto algo cansina, aún y así siempre quedara para el recuerdo como una serie realmente especial.

Ranma ½: La echaban por la mañana en Antena 3 y además de ser extremadamente divertida y adictiva, también he de reconocer que la veía porque de vez en cuando se escapaba alguna teta lo que en aquellos años siempre era de agradecer, La verdad es que no la he vuelto a ver, ni he leído el manga, pero en su momento si que era un gran fan, nunca me perdía un episodio y por casa deben andar todavía los VHS que regalaban con la Hobby Consolas. Nunca llego a gustarme tanto como Los Caballeros, pero después de esta sigue siendo en anime del que mejor recuerdo guardo, supongo que hoy seguirá siendo igual de divertida.

Los Simpson: Esto ya son palabras mayores. Todavía en antena más pendientes de conseguir algún ridículo récord de longevidad que no en recuperar la inmensa calidad que durante tantos años significaron, Los Simpson son todo un símbolo de la televisión cuya repercusión e influencia supera en mucho los limites de estos breves apuntes. Solo decir que aún tengo vivido el recuerdo de cuando los vi por primera vez, hace muchos años, si no equivoco todavía estaba en la EGB, los daban por La 2 y a la noche, ya que se supone que eran dibujos para adultos, pero precisamente su condición de dibujos hacía que toda la gente de mis edad los viera sin ningún problema. Ese primer episodio fue el de la babysitter ladrona y ya desde el principio dejaba claro que Los Simpson no eran una serie normal. Desde entonces sus episodios más míticos, repuestos una mil veces nos los sabemos casi de memoria, sus anécdotas se han incorporado a nuestra vida cotidiana (quien no ha dicho alguna vez eso de “esto es como cuando Homer.....”) y lo cierto es que por mucho que hayan bajado su nivel, Los Simpson con su permanente incorrección política, sus entrañables personajes y su extravagante dinámica familiar, forman ya parte ineludible de nuestra acervo cultural y eso se lo han ganado a pulso.

Hay muchas más series aparte de estas claro, algunas incluso recuerdo que de chaval me impactaron mucho como David el Gnomo, con cuyo final llore a moco tendido y cuyo opening tiene también un aura especial, por supuesto también están Benji y Oliver con sus ovalados e infinitos campos de fútbol, la ya mencionada Dragon Ball que vi por primera vez en gallego durante las vacaciones de verano, D´Artacan y los tres mosqueperros que conocí antes de saber nada de Alejandro Dumas, Willy Fog y su silbame, Chico Terremoto y su obsesión por las braguitas blancas, la mítica serie de El Quijote, las Pato Aventuras y el Pato Darwing de las tardes Disney, Los Diminutos de los que recuerdo una colección que hice de calcamonias, Los Pitufos de los que no supe que salían de un cómic hasta mucho más tarde, Dragones y Mazmorras a la que muchos años más tardes rememore jugando al rol, el Inspector Gadget y su infinita, pero afortunada torpeza y tantas otras. Pero realmente creo que la selección que he realizado cubre a la perfección las series más especiales para mi en aquellos años tan importantes.

Fuente videos: Youtube.

Esto si que es Batman Holy Terror.

2011-11-09T08:05:00.043+01:00

Antes de que a Miller se le ocurriera aquello de Batman: Holy Terror a alguien ya se le había ocurrido hacer un cómic con ese nombre...aunque me da a mi que poco tiene que ver lo que planeaba Miller.

Gracias a Int he podido leer este prestigio concebido bajo el epígrafe Otros Mundos. El cómic con guiones de Alan Brennert y lápices de Norm Breyfogle nos sitúa a Batman en un Estado teocratrico pero de eminente corte fascista en el que el Estado se ha apropiado del control absoluto de la vida y la muerte de los ciudadanos con la excusa de tener a Dios de su parte. En este contexto Batman, tras descubrir la verdad sobre el asesinato de sus padres, se alzará como principal foco de esperanza de aquellos que ansían libertad. Un cómic entretenido, que tiene algunas segundas lecturas muy interpretables como una critica frontal al Estado casi como concepto en defensa de la libertad del individuo. Cuenta además, con algún momento impactante, como el descubrimiento de como el estado logro frenar el advenimiento de una edad heroica y los crueles experimentos que llevo a cabo, además de tener ideas interesantes, aunque no explotadas como ese Superman crucificado. Pero ante todo desataca por dos cosas: el dibujo de Breyfogle (autor de una más que notable etapa con el personaje en los 90, recientemente recopilada por Planeta en cinco tomos), que consigue dotar de gran dinamismo a sus páginas y que dibuja a un Batman por momentos aterrador, y la enésima constatación del poder de un concepto como Batman, capaz de funcionar en mil y un escenarios sin que el personaje sufra daño alguno.

He de reconocer que hasta hace poco desconocía la existencia de este cómic, y que no creo que me hubiese llamado mucho la atención si no llega a ser por el proyecto de Frank Miller que surgió bajo el mismo epígrafe: Batman: Holy Terror para luego transformes en algo no demasiado distinto. Todavía prefiero esperar a leerlo, pero la cosa tiene muy mala pinta (la tenía desde el principio, supongo), tenía la esperanza de que los años transcurridos desde el inicio de la obra y su culminación hubieran templado al autor dando lugar a una obra si ,visceral, al fin y al cabo estamos hablando de Miller, pero más reflexiva, más sutil. Parece que no ha sido y la única esperanza que albergo es que al menos visualmente el cómic sea interesante., las paginas que he podido ver hasta ahora apuntan en esa dirección.

El motivo de todo este rollo es porque no paro de preguntarme como hubiera sido el Holy Terror de Miller si al final lo hubiera protagonizado Batman y si hubiera salido en el contexto en el que nació. Ahora todo es especulación, pero la capacidad adaptación de un personaje (una idea, ya) como Batman a múltiples contextos y su carácter de icono mundial podría haber dotado de fuerza e interés a un cómic en el que no termino de entender porque Miller se limito a cambiar el nombre del personaje y redibujar cuatro cosas . Más cuando a todas luces parece que la obra fue sigue pareciendo un tebeo protagonizado por Batman....o alguien que se le parece mucho vaya, si no iba a usar a Batman tal vez el cambio debió ser más radical.

No se, parece raro ver a Miller equivocándose tanto de tiempo, de contexto y de enfoque, además tantos años después ni siquiera se puede ver a Holy Terror como una obra nacida de la rabia, lo que en su momento hubiera tenido otro significado hoy parece una metedura de pata que no viene mucho a cuento. En fin a estas alturas solo queda por responder preguntas morbosas, del tipo: ¿fue Miller quien desecho la idea de Batman como protagonista para sacar más por royalties?, o por contra ¿fue DC quien dijo que ni de coña Batman iba a protagonizar semejante cómic? En cualquier caso el que Holy Terror haya sido un éxito de ventas y el que una productora cinematográfica haya creado un sello de cómics solo para sacar Holy Terror habla y mucho del estatus y el peso de Miller no solo en la industria del cómic. Lastima que justo ahora haya decido dejar de comprometerse y dejando tirados a los (muchos también) lectores de All Star Batman y Robin, cómic que será lo que sea, pero al menos resultaba tremendamente divertido además de adelantado a su tiempo, miren si no el Catwoman 1 del rollo este New 52 Dcita.

Releyendo a Morrison: Los 4 Fantásticos 1 2 3 4.

2011-11-07T08:05:00.040+01:00

Uniendo un poco las dos series que han protagonizados lo lunes de las últimas semanas en el blog (Morrison y los 4F) y agradeciendo a Quemero que en los comentarios de los 4F de Hickman me recordó este cómic, que he de reconocer tenía bastante olvidado, he aprovechado para releer esta miniserie de cuatro números que unió los destinos de Morrison y la primera familia marvelita.

Antes de entrar en la obra en si creo que conviene contextualizarla un poco. Estamos en el año 2001 y se acerca el 40 aniversario de los 4F, la Marvel que asomaba a principios del nuevo siglo parecía sin embargo muy distinta a aquella que surgiría de las paginas del mítico trabajo de Stan Lee y Jack Kirby. A la altura del 2001 Joe Quesada apenas si llevaba un año como editor en jefe y Bill Jemas uno de los presidentes más intervencionistas en el aspecto creativo que se recuerda en la historia de Marvel, estaba empeñado en convertir la antigua Casa de la Ideas en una suerte de Vertigo que diera cabida a todo tipo de autores e ideas que jamas se hubieran asociado con Marvel. A cambio eso si de prescindir de cosas por entonces tan mal vistas como la continuidad o el concepto de universo compartido. Todo esto que hoy parece muy lejano (lo que vuelve a dejar claro la naturaleza cíclica de esta industria) permitió atraer a guionistas que era difícil imaginar en Marvel, entre ellos claro, estaba Grant Morrison.

El guionista de Animal Man venía de hacer una laureada y exitosa etapa en la JLA y mientras se disponía a hacer historia en los X-Men recibió el encargo de hacer una miniserie sobre los 4F que se suponía debía redefinirlos por completo en su cuarenta aniversario. La serie enclavada dentro del sello Marvel Knights (definido entonces como sello para “lectores maduros”, signifique lo que signifique eso) daría plena libertad a Morrison y contaría con lápices de Jae Lee. Un dibujante por entonces muy asociado al sello y que dejando atrás sus noventeros orígenes en obras como Factor X, había alcanzado un estilo fiesta, sucio y algo farragoso que si bien era adecuado para los Inhumanos se hacía algo difícil de digerir en un cómic de los 4F. Pero claro era, o parecía ser, un dibujo “alternativo”, distinto a lo que uno espera en un cómic de superhéroes y eso era justo lo que buscaba la editorial.

A medida que se iba anunciando el proyecto la expectación crecía, se decía que Morrison iba a marcar un antes y un después, que incluso iba a dar la vuelta a los 4F. Todas estas expectativas ignoraban quien era el escoces y como solía ser su trabajo. Acostumbrado a realizar etapas largas que le ayudan a hacer suyos personajes ajenos, construyendo complejos relatos-ríos que partiendo de la esencia de los personajes y respetando siempre a estos, consigue hacerlos crecer; se antojaba complicado que en una minserie de cuatro números Morrison diera la vuelta a un concepto con cuarenta años de historia. Y llego la miniserie y las expectativas se vieron defraudadas. No es que 1 2 3 4, sea un mal cómic, que no lo es, (aunque el dibujo de Lee, perjudicado por un color demasiado oscuro que daña su ya compleja narrativa, no ayuda), es que simplemente es un buen cómic de los 4F sin más. Un nuevo enfrentamiento entre estos y el Doctor Muerte, con la participación de Namor y El Hombre Topo, en el que Morrison lejos de revolucionar nada (apenas si tiene tiempo) traza un relato que si de algo puede ser acusado es de excesivamente conservador.

Morrison ahonda y exacerba en la características individuales de cada miembro: la auto compasión de Ben, la egolatría e inmadurez de Johnny, el sentimiento de alienación de Sue (genial el número dedicado a ella en el que esta casi todo el rato invisible reflejando sus estado de animo ante el desapego de su esposo) o la tendencia al aislacionismo y el egoísmo intelectual de Reed. Elementos todos ellos que Muerte usa para trazar lo que pretende ser su victoria definitiva (again). No es este el único tópico en el que cae Morrison. A lo largo de la miniserie, el Hombre Topo vuelve a la sempiterna búsqueda de una reina para su mundo subterráneo y Namor traza una débil y fugaz alianza con Muerte mientras que se vuelve a insistir en la evidente atracción mutua entre Sue y el Principe Submarino. Tópicos todos con los que Morrison pretende homenajear los 40 años de historia de un grupo de imaginautas que al final encuentras su fuerza en aquello que les une frente a los intentos de división de Muerte. Se puede acusar a Morrison de ser demasiado convencional, tal vez poco ambicioso (algo muy poco habitual en su carrera) pero no de no ser fiel a si mismo y a lo personajes con los que trabaja, y es que si algo falla en 1 2 3 4 es tanto la campaña de marketing de una editorial que alimento unos rumores infundados, creando así falsas expectativas, como la elección del dibujante, ya que este cómic pedía un artista de corte mucho más clásico.

Desde la nostalgia, series para el recuerdo VII.

2011-11-04T08:05:00.043+01:00

Habiendo ya finalizado el repaso por las series de imagen real más relevantes de mi infancia/adolescencia le toca ahora a las de dibujos animados. Como no quiero que esto se eternice demasiado aquí voy a seleccionar mucho más y solo voy a señalar siete series divididas en dos post. Hay muchas más claro, pero creo que estas son las más relevantes.

Batman TAS: El Batman de Bruce Timm, Paul Dini y su equipo sigue siendo aún a día de hoy una de las series de animación más recordadas y respetadas. No faltan motivos para ello, claro. Batman TAS tal vez sea la representación más clara de los elementos más reconocibles del personaje y su entorno, incluso por encima de la mayoría de sus cómics. Aquí Batman es tan detective como superhéroe, consigue ser un sombrío héroe a la vez que hace funcionar a Robin o a Batgirl a su lado, la relación con Gordon, con Alfred, la espectacular galería de villanos...Todos los elementos que han hecho grande y reconocible a Batman, están presentes aquí y lo están de la mejor de las formas posibles, tanto que incluso algunos personajes como Mr. Frio jamás han encontrado un tratamiento tan adecuado como el esta serie. Serie que además tuvo el merito de crear a personajes como Harley Queen o Renee Montoya que luego tanta relevancia han alcanzado en los cómics, incorporándose de lleno al mito del personaje. Además a todo esto hay que sumar una animación ágil, minimalista y elegante que sigue funcionando a la perfección hoy en día. Todo un clásico por méritos propios.

X-Men de los 90: Por regla general, aunque supongo que habrá excepciones ya que hoy estoy bastante desconectado del mundillo, siempre me ha parecido que los productos de animación de DC eran bastante superiores a los de Marvel, y creo que la comparación de esta serie (al menos en los que a términos de animación se refiere) con la de Batman lo muestra a las claras. En todo caso aún tengo el recuerdo vivido del grito de alegría que pegue cuando en Tele 5 anunciaron que emitirían esta serie, en mi casa me miraron como si estuviera loco, je, je. Luego la verdad es que la serie no la seguí tanto como quería (la tardes estaban para otras cosas) pero si recuerdo que la serie estaba bastante bien, era relativamente fiel a los cómics y tenía un opening cuya melodía no se muy bien porqué se me quedó pegada a la cabeza asociada siempre a los superhéroes. En fin una serie que en su momento me ilusiono mucho y aunque luego la ilusión se desinflo pronto si es verdad que para mi sigue siendo una serie especial de la incluso conservo algún VHS y todo.

Spiderman de los 90: Recuerdo que la daban en Antena 3 por la mañana los fines de semana por lo que en su momento si la pude ver más o menos de seguido, Era una serie bastante fiel a la esencia del personaje, que tenía una buena animación, fluida y ágil, aunque de nuevo me parecía bastante lejos del Batman TAS. Tengo especial cariño a un par de episodios en los que salia Daredevil, al que conseguían captar muy bien, los episodios no eran especialmente llamativos, la típica confrontación entre los héroes por una confusión que sin embargo termina en alianza y amistad, pero como digo reflejaba muy bien a Daredevil y construía una interesante relación con Spiderman. En fin otra serie mítica que de nuevo tenía el merito de respetar al personaje y su esencia a la par que conseguía encontrar su propia identidad.

Gárgolas: Esta la daban por La 2 a eso del mediodía más o menos por lo que la podía seguir bastante bien. La tendría que revisar pero la recuerdo como una serie de animación impecable, llena de personajes carismáticos (en especial el líder de las Gárgolas, Goliath) y con un trasfondo realmente llamativo, con un clan de Gárgolas medievales traicionadas y hechizadas que tras pasar más de mil años en “hibernación” despiertan en New York en pleno siglo XX. Bastante dramática y con una violencia si no excesiva si patente, Gárgolas parecía una serie más “adulta” por decirlo de algún modo (aunque no se si esta sensación se mantendría hoy en día), de las pocas americanas que en estos términos podía competir minimamente con las japonesas. Me gustaba especialmente por como sabía mezclar elementos mitológicos con otros más actuales, como sabía jugar con su estructura temporal (con historias ambientadas en el pasado, flashback...) y como parecía que detrás de todo había una gran historia. Una serie que tendría que revisar completa un día de estos.

Fuente Videos: Youtube.

Criminal: Los Pecadores.

2011-11-02T08:05:00.026+01:00

Hace poco se ha anunciado el proyecto de llevar al cine el primer arco argumental de Criminal de de Brubaker y Sean Philips, resulta interesante que un cómic con tantas referencia filimicas, tanto en guión como en dibujo termine siendo adaptado al medio del que tanto bebe. En fin aprovechado la noticia y que tenía pendiente la reseña desde el año pasado he releído el quinto y por ahora último tomo de la serie, Criminal: Los Pecadores.

Criminal ha sido casi desde el principio un manual de estilo sobre el noir. Lejos de la descarnada pero irreal violencia del Sin City de Frank Miller, del posmodernismo de 100 Balas de Brian Azzarello y Eduardo Risso o de la actualización en otro contexto del Scalped de Jason Aaron y R.M. Guéra; Brubaker y Philips han optado por un enfoque eminente clásico en fondo y forma que en ocasiones ha resultado ser demasiado repetitivo precisamente por su excesivo clasicismo que ha llevado a la serie hacia caminos previsibles. Dentro de este contexto, este quinto tomo tal vez sea el que más se aleja de los esquemas más conocidos del noir para, aún siendo un relato claramente enmarcable en el genero, que cuenta con la mayor parte de sus ingredientes, contar una historia distinta a las que se han podido ver hasta ahora.

Criminal: Los Pecadores recupera a Tracy Lawless, personaje que protagonizará el segundo tomo de la colección, para mostrarnos que paso después de verse obligado a asumir el destino que había querido evitar durante toda su vida, y lo hace en una historia que se adentra a su manera en las posibles causas y consecuencias del vigilantismo y el seguidismo sin limites a un líder carismático. Brubaker cuenta la historia a través de una investigación detectivesca clásica en la que nada es lo que parece y Philips por su parte consigue transmitir la suciedad y la desesperanza en la que se mueven unos personajes limites que solo intentan encontrar un poco de felicidad en un mundo en el que siquiera soñar con algo así es ya todo un desafio.

La historia contada en todo momento desde el punto de vista de Lawless nos muestra un hombre atrapado entre su sentido del honor y el deseo de alcanzar una libertad que parece que nunca conseguir, al estar su camino siempre a expensas de otros, ya sea su padre, el ejercito, su hermano o Hyde, el bastardo capo con el que se ve obligado a colaborar para saldar las deudas contraídas. Incapaz de convertirse en un mero sicario sin cerebro; Lawless es alejado de los trabajos más físicos y recibe el encargo de investigar la muerte de varios gansteres a lo largo de toda la ciudad.. La investigación irá por caminos inesperados y tendrá consecuencias tanto para Lawless como para todos aquellos que le rodean.

El desarrollo de la historia, el dibujo, los personajes y el enfoque dado a la misma, enlazan directamente con los elementos que se suelen manejar en Criminal, sin embargo es el tema elegido el que permite que este cómic sea en cierto modo distinto a lo que hasta ahora había venido siendo la colección, lo cual sin duda es de agradecer. Más ahora, claro, estando como estamos en un época en la que el guionista parece haber perdido parte de su toque, su Capitán América hace demasiado tiempo que ha perdido la intensidad y la fuerza que llegó a tener y los Vengadores Secretos son como poco decepcionantes, lo que convierte esta serie (o Incognito también para el sello de adultos Icon de Marvel) en el refugio del mejor Brubaker. Que este busque nuevos enfoques, que trate de que la colección no se estanque es una buena noticia, la mala claro es lo poco que se prodiga esta serie, aunque si siempre que lo haga es con esta calidad no hay mucho por lo que quejarse.

Los 4 Fantásticos de Mark Millar y Bryan Hitch.

2011-10-31T08:05:00.032+01:00

Reunir al dream team, responsable de uno de los mayores éxitos de Marvel en el siglo XXI, era algo que la editorial tenía que hacer antes o después. Hacerlo para trabajar en la serie que creo el Universo Marvel tal y como hoy lo conocemos parecía sin duda todo un acierto, y así Mark Millar y Bryan Hitch, creadores de The Ultimates se encargaron de una etapa que duraría poco más de un año en los 4 Fantásticos.

Haciendo un simil con el atletismo, si algo ha quedado claro con la carrera de Mark Millar a medida que esta ha ido evolucionado, es que no estamos antes un corredor de fondo, más bien al contrario Millar se asemejaría mas aun sprinter que procura dar lo mejor de si mismo es recorridos muy cortos. Incapaz de realizar etapas largas, su trabajo en los últimos años, más allá de su particular “Millarworld” (miniseries en su mayoría, por otro lado), ha estado centrado o bien en estancias cortas en múltiples series (Lobezno, Ultimate Fantastic Four, Spider-man) o bien en realizar diferentes temporadas a modo de serie de tv (Ultimates o Ultimate Avengers) del mismo grupo. La única etapa realmente larga desde que esta en Marvel fueron sus Ultimate X-Men, que tuvo un explosivo comienzo para luego languidecer lentamente en la mediocridad más absoluta. Amo del “comomolismo” y principal publicista de si mismo, Millar es pese a todo un magnifico guionista, sobre todo cuando se preocupa más por la obra que esta haciendo y no por que esta “mole” más que nada, y es que no pocas ocasiones Millar parece más centrado en llamar la atención que en escribir buenos cómics.

Sus 4 Fantasticos cabe enmarcarlos dentro de lo que podríamos llamar etapas cortas ya que se compone de 16 números de los cuales los dos últimos solo traza los argumentos. En este tipo de etapas los guiones de Millar suelen estar caracterizadas por buscar los elementos más icónicos de los personajes con los que trabaja para ir a la quintaesencia de los mismos, el problema estriba en que no pocas veces se le va la mano y no son pocos los trabajos del escoces que destilan una soberbia en plan “mirad chicos, así es como se hace”, sobre todo desde que el éxito de The Ultimates le encumbrase definitivamente al estatus de superestrella, del que el autor es plenamente consciente.

Precisamente sería su compañero en aquella obra, Bryan Hitch, quien se encargara de casi todos los lápices de esta etapa (solo falla los dos últimos). Hitch, británico también y enormemente deudor de Alan Davis en sus inicios, consiguió alcanzar un estilo propio de clara vocación realista que le llevaría a tornarse también en una superestrella tras su trabajo en The Authority junto a Warren Ellis (curiosamente sucedido por Millar en la obra que llevo a Marvel, ante la ceguera de DC). Hitch con merecida fama de lento, demuestra en esta etapa, que obligado a hacer un trabajo mensual pierde mucha de su fuerza, y si no mediocre, por que su estilo y su narrativa no lo son, si es cierto que resulta mucho menos atractivo que en The Ultimates, donde gozó de mucho, mucho más tiempo para hacer su trabajo. No sería atrrevido señalar que en los 4 Fantásticos estamos ante un Hitch muy menor.

Entrando en la etapa en si, si por algo se han caracterizado los 4 Fantásticos a lo largo de su ya cincuentenaria existencia, ha sido por la sabía combinación de los elementos más cotidianos y mundanos de una familia un tanto disfuncional con la aventura más desenfadada, la imaginación sin limites y los conceptos desafiantes que hacen de estos personajes más que superhéroes, imaginautas. Seres que expanden la realidad y que buscan siempre nuevos conocimientos. Millar demuestra ya desde el principio que sabe captar la esencia de la primera familia: las primeras páginas de la etapa nos muestran a toda la familia de vacaciones....perdida en el tiempo. Lo mundano y lo fantástico se dan la mano desde la primera página.

Así las cosas el inicio de la etapa es prometedor, combinado una idea desafiante y muy interesante (el mundo esta condenado a la destrucción por los abusos del hombre, ¿por qué no crear otro mundo paralelo donde empezar de cero?) con la aparición de un nuevo interés romántico para Ben o la llegada de una exnovia de Reed. El problema estriba en que pronto a Millar le da por ponerse “molón” trivializando a Galactus (un aspecto este que sería retomado con mucho más acierto acierto y brillantez por Hickman) y con la idea de que Muerte tuvo un maestro en esto de la villanía (como si el Doctor Muerte se considerara a si mismo un villano). Tal vez lo mejor de la etapa, más allá de su prometedor arranque este en lo bien que sabe jugar el guionista con la ya mentada dualidad del grupo, algo que ejemplifica a la perfección la saga de dos números con la familia de vacaciones en Escocia., una historia alejada de todo el trasfondo que Millar pretende crear con la llegada del Maestro de Muerte y demás, pero que resulta fresca y divertida, y que juega con la idea de que los 4 Fantásticos son lo que son y vayan donde vayan, lo fantástico parece destinado a seguirlos.

La saga final, el culmen de todo lo que Millar estaba escribiendo muestra a las claras el cierto desinterés con el que el guionista (y la propia editorial que saco a Hitch del proyecto para llevarlo a hacer Capitán América: Renacimiento) acabo un trabajo que empezó entusiasmado, ya que ni siquiera escribió los dos últimos números al completo, como si su impulso inicial se hubiera ya agotado. Eso si, para lo que si sirve la saga es para mostrar que cada vez que el Doctor Muerte sale en un cómic, se convierte en el protagonista del mismo, y es que al final los malos siempre terminan “molando” mucho más que los buenos y Millar parece tenerlo claro.

Desde la nostalgia, series para el recuerdo VI.

2011-10-28T08:05:00.036+02:00

Toca ya el último post con las series más míticas de mi infancia/adolescencia en lo que a imagen real se refiere. Hoy creo que en general todas las series incluidas siguen mereciendo la pena, aunque como siempre la mayoría hace mucho que no las reviso.

Yo y el mundo: En su momento seguí mucho esta serie, sobre todo cuando su protagonista, Cory Matthews, era aún un niño. La recuerdo como una serie muy fresca y divertida y que tenía un alto grado de identificación. A medida que la serie y los actores fueron creciendo pasando del colegio al instituto y creo que incluso a la Universidad, esta fue perdiendo, al menos para mi claro, su encanto. De esas ultimas temporadas recuerdo ver con desgana algunos episodios por La 2 y tener la sensación que, pese a la rotundidad alcanzada por Topanga, Yo y el mundo había ido perdiendo una magia que sin duda alguna tuvo. Es curioso que una serie que supo crecer y evolucionar, en teoría como sus seguidores, fuera perdiendo su fuerza precisamente por ello. En todo caso creo que la primera temporada sigue siendo aún hoy remarcable.

V: Antes de Twin Peaks, antes de Expediente X, antes de Lost, si hubo una serie que se convirtió en un autentico fenómeno, capaz de parar casi al completo un país esta fue V. No se si la uvemanía fue tan fuerte en otros países como lo fue en España pero aquí fue la ostia. No conozco a nadie que no viera la serie, el capitulo de la semana era un tema de conversación obligado en el colegio al día siguiente, las calles se llenaban de pintadas con el símbolo de la resistencia o con la cuasiesvastica invasora y los cromos artículos coleccionableso o revistas era innumerables. Hoy en día la cosa ya no es lo mismo, y aunque la primera miniserie sigue siendo magnifica en conjunto la serie parece haber perdido algo de fuerza, sin embargo sigue siendo recordada como un hito y en justicia creo que lo fue.

Luz de luna: La serie que dio a conocer al genial Bruce Willis. Llena de encanto, elegancia y clase, Luz de Luna sustentaba su éxito en la tensión sexual existente entre los personajes interpretados por Willis y Cybill Shepherd una pareja de detectives privados con tanta química en la pantalla como al parecer problemas fuera de ella. Recuerdo en su momento, como conociendo a Willis de esta serie y de la peli Cita a ciegas, se me hacía muy difícil imaginarlo como héroe de acción...Hasta que ví esa maravilla que es La Jungla de Cristal claro. En fin tengo un recuerdo algo difuso de esta serie, creo que recordar que Willis, que hay que reconocer que tenía un personaje magnifico, era el alma de la serie y se comía con patatas a una Shepherd muy sosa. Tal vez por ahí vinieron los problemas, en todo caso y como suele pasar con estas cosas (paso también en Lois y Clark, otra serie que por cierto era bastante simpática) cuando la tensión sexual se resolvió la serie perdió su empuje. Algo que en todo caso iba a pasar antes o después, el bueno de Bruce esta destinado a convertirse en una superestrella cinematográfica y Luz de luna era solo una estación de paso.

Remington Steele: Otra mítica serie de detectives que también sirvió para dar a conocer a un actor hoy famoso: Pierce Brosnan. Parte de una premisa bastante curiosa con una detective (Laura Holt) a la que nadie contrata por ser una mujer sola y que decide inventarse a Remington Steele como tapadera y personaje ficticio para conseguir casos...sin embargo el verdadero Remington Steele terminara apareciendo. La recuerdo como una serie bastante atrayente y adictiva, aunque algo blandita que basaba gran parte de su jugo en saber quien era en realidad Remington Steele, un personaje que Laura creía haber inventado y que resulto ser real...o no. Misterio, drama, humor y elegancia para una serie que tal vez carecía de la mala leche de Luz de Luna, mucho más desenfadada y simpática, pero que sin embargo proporcionaba un más que digno entrenamiento de calidad. Destaca sobre todo por un Brosnan excelente que da aquí los primeros pasos para ser el futuro James Bond, mostrando el talento y carisma que luego le serían tan necesarios para interpretar a tan icónico personaje.

Fuente videos: Youtube.

Historia de un hombre sin miedo especial: Cruces con Tierra de Sombras III.

2011-10-26T08:05:00.054+02:00

Además de las cuatro miniseries, Tierra de Sombras genero también cuatro one-shots de diversa calidad y centrados en otros tantos personajes que tendrían alguna importancia durante el trascurso del evento. Los especiales han sido incluidos en España por parte de Panini en el tomo 100% Marvel Luchadores Callejeros junto a la miniserie de Collen Wing: Daugthers Of The Shadow.

Shadowland Bullseye: Con guiones de John Layman (conocido por su trabajo en Chew para Image Comics) y lápices del veterano y siempre cumplidor Sean Chen (X-Men: El Fin o Reinado Oscuro: Los 4 Fantasticos), el one-shots se centra en la figura de uno de los catalizadores del evento: Bullseye. Siendo como es Tierra de Sombras una suerte de recopilación mal traída de “grandes momentos” de Daredevil, la definitiva acción de este para con el asesino de la puntería perfecta busca sin demasiado éxito la rima con los sucesos acaecidos en la etapa Miller tras el asesinato de Elektra. Carente sin embargo de la evolución psicológica que el personaje tuvo en esa etapa, su paso definitivo al “lado oscuro” tras esta acción tiene más de artificial que otra cosa. Con este punto de partida este especial, (que tiene en cierta medida ecos del Daredevil 182, donde tanto el propio Murdock como el lector aceptan definitivamente la muerte de Elektra) no termina de funcionar al no tener bases muy solidas. El entierro de Bullseye llevado a cabo por una banda de criminales admiradora del psicópata no consigue transmitir nada sobre el personaje ni aporta relevancia alguna a Tierra de Sombras. Quizá lo más interesante sea la presencia de un personaje de nuevo cuño: Denny Deaver que como un Gaius Baltar cualquiera tiene la desgracia de “tener” a Bullseye en su cabeza lo cual proporciona algún momento de humor que otro. Poco más a destacar en un especial totalmente olvidable.

Shadowland Elektra: Zeb Wells retoma al personaje con el que haría un trabajo bastante digno en la miniserie Reinado Oscuro: Elektra, contando en este caso con los lápices de la española Emma Rios que con claras influencias del manga consigue dotar a este especial de un aura distinta contribuyendo a construir el que sin duda es el mejor de los cuatro one-shots que se cruzan con Tierra de Sombras. Siendo como es Elektra un personaje tan difícil de tratar, Wells vuelve a optar con éxito por la introspección, con una Elektra que se ve reflejada en el intento de Matt Murdock de transformar La Mano en una fuerza del bien. En el pasado (de nuevo resuenan ecos de la etapa Miller) ella también se introdujo en La Mano, en su caso con intención de destruirla y probar así su valía, sin embargo fracaso estrepitosamente y acabo corrompida en su misma alma. Poco a poco ve como su amor (porque pese a todo Elektra sigue amando a Matt más que a su propia vida) va cayendo en la misma espiral en la que ella entró y siente que tiene que hacer algo para apoyarle y evitar tal destino. Un especial como decía francamente interesante y que podría haber resultado relevante para la saga si luego el papel de Elektra en la misma no hubiera estado tan descafeinado; lastima.

Shadowland Ghost Rider: El casi desconocido Rob Williams guioniza este especial en el que la estrella es el dibujante Clayton Crain (X-Force) el cual dotado de un estilo muy realista aunque bastante estático parece haberse ganado el favor del publico americano. Personalmente no me gusta nada, entre su estilo nada dinámico y el color con el que trabaja, siempre tan oscuro lo encuentro un dibujante al que resulta harto difícil seguir, en todo caso si hay que reconocer que consigue hacer un Ghost Rider espectacular. Entrando en el tema resulta curioso constatar como este especial, centrado en un personaje bastante ajeno al mundo de Daredevil es, sin embargo el más relevante para la saga. Y es que en el es donde se decide el destino de los tres lideres de La Mano que propusieron a Murdock como jefe supremo de la secta y que en los primeros números de Diggle tanta importancia tuvieron en la conspiración para corromperle. Llegada luego la saga desaparecieron en combate sin saber muy bien que había sido de ellos, este especial no solo aclara su destino si no que enlaza con la resolución del evento ya que el Motorista juega un papel clave en la posición que alcanzará Wilson “Kingpin” Fisk al final de la historia. En todo caso estamos ante un cómic entretenido que al contrario que los otros dos (una malo e irrelevante, otro bueno pero de escasa repercusión) tiene su peso especifico dentro de la historia.

Shadowland Spider-man: Guioniza Datn Slott actual escriba de la colección regular del hombre arácnido y uno de los baluartes del estilo más clásico de escribir cómics de superhéroes (aunque personalmente he de reconocer que no acabo de encontrarle la gracia ni siquiera a su reconocidìsima Hulka) y dibuja el brasileño Paulo Siqueira. La historia, una mera anécdota que narra la batalla entre La Mano y El Señor Negativo (al parecer villano recurrentes en el Amazing de Slott), tendrá como protagonistas a Spiderman y a Sang Chi y jugará con los paralelismos de la situación en la que se encuentra DD y la que tendrá Sang Chi en el cómic; el cual orrompido por el toque del villano solo conseguirá librarse de su perniciosa influencia gracia a la fe de Spidey en él. Historia poco relevante para el evento y escasamente reseñable en las trayectorias del trepamuros y del hijo de Fu Manchú que, por otro lado, al menos es ágil y trepidante lo que no ha abundado en este evento. Algo es algo.

Los Nuevos 4 Fantásticos de Dwayne McDuffie y Paul Pellettier.

2011-10-24T08:05:00.038+02:00

Puestos a recuperar la etapa Hickman y en aras al completismo más absurdo pero también más satisfactorio, me decidí a conseguir también estos cómics concebidos como mera etapa de transición, y que sobre todo por ello no me llamaron la atención en su momento.

A lo largo de sus ya cincuentenaria existencia, Los 4 Fantásticos han pasado por múltiples fases. Casi siempre siguiendo los esquemas marcados por la inigualable etapa de Lee y Kirby, Los 4F han conocido no pocos momentos convulsos que le ha llevado a dejar de ser la “primera familia” como tal y a producirse una cierta rotación en sus miembros. Tal es el caso de cuando Lucke Cage (entonces aún Power Man) fue contratado por Reed Richards para sustituir a un Ben que había recuperado su forma humana (uno de los clásicos de la colección), o de los míticos 4F alternativos de Walter Simonson y Arthur Adams en una legendaria y simpática saga donde Lobezno, Spiderman, Ghost Rider y Hulk (los héroes más populares de los 90, tal vez sobre Hulk y falte Punisher para hacer el poker marvelita de la década pero la presencia de Castle, que tiene con todo una suerte de cameo, hubiera sido demasiado) sustituyeron temporalmente al desaparecido cuarteto original.

Al finalizar la Civil War las relaciones entre en el cuarteto no eran las mejores: Reed había sido uno de los pilares en los que se apoyo el bando de Tony Stark, mientras que Johnny y Sue se habían unido al bando del Capi; Ben por su parte había optado por exiliarse en Francia incapaz de enfrentarse a los que aún consideraba sus amigos. Aunque todos sabemos que las consecuencias de las grandes sagas donde, “nada volverá a ser lo mismo” tienden a ser más bien escasa y muchas veces se solventan de la forma más simple posible, (un ejemplo reciente lo tenemos con Bendis y sus lamentables Guerras Asdgarianas vengativas), resultaba claro que las relaciones dentro de la primera familia debían recomponerse. Y en ese contexto cabría situar estos Nuevos 4 Fantásticos, cuyo apelativo (Nuevo) tendría sus raíces en los Nuevos X-Men morrisonianos, momento a partir del cual Marvel uso casi cualquier relanzamiento para poner el apelativo Nuevo (Nuevos Vengadores o Nuevos Thunderbolts) sin que tuviera, claro, el peso y el significado que tuvo el de Morrison.

Con el tristemente desaparecido Dwayne McDuffie (uno de los genios tras esa maravilla que es la JLA animada) como guionista y con Paul “admiro demasiado a Alan Davis” Pelletier a los lápices; la breve etapa (apenas 10 números) se iniciaba con Reed y Sue retirándose temporalmente del servicio para reconstruir su matrimonio, mientras que la pareja formada por Pantera Negra y Tormenta les sustituían en los 4F. La idea no era del todo desdeñable, pese a lo ciertamente artificioso de su unión , T'challa y Ororo se habían tornado en una de las parejas más solidas e interesantes del Universo Marvel, y la idea de sustituir, aunque fuera temporalmente al matrimonio por excelencia de este universo de ficción por uno de nuevo cuño y que venía a ser en cierta medida símbolo de una nueva era tenía mucho potencial y más cuando la Pantera Negra era un personaje tan ligado a los 4F de cuyas páginas surgió.

Aunque a lo largo de toda la etapa, McDuffie cae en todos los tópicos asociados a la serie, contando con su propia historia de Galactus y Estela Plateada, su historia del Doctor Muerte o su historia de Los 4 Terribles. Lo cierto es que consigue varios éxitos que subsanan esta falta de originalidad: primero Ororo y T'challa se integran perfectamente generando nuevas e interesantes dinámicas de grupo, segundo cuando se produce el esperado regreso de Reed y Sue este se hace de manera orgánica sin estridencias y con coherencia dentro de la historia que se esta contando, a lo que ayuda claro, que ya desde el principio se anuncie que los reyes de Wakanda están de paso y tercero, el guionista consigue asumir con el legado de Civil War y recomponer el cuarteto de manera creíble, lo que sin duda era el principal objetivo de esta etapa.

Sin embargo por encima de todos esto, si por algo destacan estos Nuevos 4 Fantásticos es por lo tremendamente dinámicos y entretenidos que resultan. Un cómic de superhéroes que asume su condición de tal sin complejos y que ofrece aventuras cósmicas, viajes espacio/temporales, buena caracterización de personajes e ideas desafiantes (que luego serán retomadas por Hickman), es decir todo aquello que cabe esperar en un tebeo de los 4 Fantásticos. A esto todo ayuda y mucho Paul Pelletier, un dibujante de trazo demasiado deudor del de Alan Davis pero tal vez por ello sumamente atractivo, y es que Pelletier es uno de los seguidores con más talento del maestro por lo que sus cómics son clásicos en el mejor sentido de la palabra, muy fáciles de leer y visualmente agradables. Tiene merito sin duda lo conseguido en esta breve etapa, concebida casi desde un primer momento como de transición en espera de la llegada de los “hot artist” Mark Millar y Bryan Hitch, el trabajo de McDuffie y Pellettier consigue alcanzar entidad propia a base de hacer buenos cómics de superhéroes que solo buscan el loable arte de entretener. Y a fe que lo consiguen.

Desde la nostalgia, series para el recuerdo V.

2011-10-21T08:05:00.032+02:00

Llegamos ya al ecuador de esta serie de post teñidos de nostalgia por el recuerdo de algunas series que por diversos motivos tuvieron impacto en mi infancia-adolescencia, y es que la televisión no siempre es la caja tonta que se dice que es.

Sensación de Vivir: Brandon, Brenda, Kelly y Dylan, adolescentes veinteañeros que sufrían el amor y el desamor mientras se zambullían en sus placidas vidas plagadas de lujo y pasta, y es que los ricos también lloran. He de reconocer que ya en un principio casi todos los personajes me caía bastante gordos (en especial la “virginal” Donna Martin), casi todos me parecían unos pijos insufribles que merecerían el peor de los destinos....sin embargo casi cada semana (en Tele Cinco creo recordar) caía, supongo que es lo que tienen los culebrones adolescentes hormonados. La solía ver casi siempre con alguno de mis hermanos en sesión doble con ese engendro de Melrose Place (con esta si que no podía, creo que nunca llegue a ver entero un episodio), y lo cierto es que si ya entonces su calidad era cuestionable no quiero ni imaginar lo que será vista hoy en día. En cualquier caso Sensación de vivir si tiene cierta importancia, tanto por su tremenda influencia en la época de los chicos de carpeta y Super Pop como por la enorme cantidad de series que en gran medida pueden ser vistas como herederas espirituales de esta, desde The O.C en los USA hasta Compañeros o Al salir de clase en España. En fin una castaña que aún así tiene su importancia.

Juzgado de Guardia: Una de esas grandes sitcom americanas que antes reponían una y otra vez por diversos canales y que ahora parece un tanto olvidada. No se como habrá envejecido pero la recuerdo con mucho cariño ya que siempre conseguía hacerme reír, cosa que no hacían otros clásicos como Las chicas de oro. Centrada en un juzgado lleno de esperpénticos casos, me resultaban especialmente simpáticos el fiscal interpretado por el gran John Larroquete, todo un personaje lleno de orgullo y mala baba que siempre intentaba sacar ventaja de cualquier situación y el juez Harry T. Stone, siempre de buen humor, tratando de encontrar soluciones equilibradas mientras que buscaba la forma de que su juzgada no cayera en el caos absoluto que siempre parecía rondarle, no pocas veces por su culpa, claro. Tendría que echarle un vistazo un día de estos a ver que tal.

Corrupción en Miami: Mítica serie donde las haya, ya solo por Sonny Crockett y su Ferrari Testarrosa merece ser recordada. De nuevo hace tiempo que no la veo (aunque si he visto hace poco la entretenida película de Michael Mann), la recuerdo como una serie elegante, que destacaba más por la ropa, los coches, el dinero y las chicas guapas que por las investigaciones criminales de la pareja formada por Crockett y Tubbs. Aún con todo, era una serie de acción bastante dinámica y bien hecha que por méritos propios se convirtió en todo un símbolo de los 80, con lo que eso puede implicar para lo bueno y para lo malo. Tenia taras tal vez en el desarrollo de los personajes y por momentos forzaba demasiado la credibilidad, pero en todo caso sus innegables méritos venían por otros lados ya que en el fondo Corrupción en Miami era, como decía antes, mucho más una serie de acción de calidad que no una serie policíaca al uso.

Canción triste de Hill Street: No menos mítica que la anterior aunque en sus antípodas tanto estética como argumentalmente, recuerdo que de chaval me parecía una serie “para mayores”. Demasiado sucia, demasiado realista, demasiado oscura, lejos del entretenimiento y el dinamismo de Corrupción en Miami. Hoy sigo pensando más o menos igual, salvo que todos esos valores hacen que tenga bastante mejor opinión hoy de una una serie que en todo caso se convirtió en todo un referente a la hora de hacer este tipo de series, centrada en los personajes y sus taras. Mucho más a pie de calle y alejada casi de cualquier tipo de espectacularidad el “Tengan cuidado ahí fuera” que el sargento dirigía todas las mañanas a sus gente decía mucho del tono y la forma en la que estaba concebida la serie. Su influencia más allá de la televisión, donde es innegable, se extendió incluso al mundo de los cómics, Alan Moore no ha dudado en calificar a la excelente Top Ten como una suerte de Canción triste de Hill Street con superhéroes y en la potente Gothan Central (una de las mejores series regulares que ha sacado la DC en lo que va de siglo) su influencia se rastrea desde la primera página. Por algo será.

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El invierno del dibujante.

2011-10-19T08:05:00.014+02:00

Tenía pendiente esta reseña desde el año pasado cuando incluí este cómic entre lo mejor de mis lecturas de 2010, así que con un poco de retraso me pongo a ello como se suele decir en estos casos más vale tarde que nunca.

Perdida, derrota, sueños y batallas imposibles: El invierno del dibujante consigue transmitir casi desde su misma portada multitud de sensaciones unidas al intento de cinco artistas por conseguir sus sueños, sueños sin embargo imposibles en una época muy distinta a la actual. La historia de cinco dibujantes que en los años 50 intentaron huir del imperio Bruguera para forjar su propio camino es contada por Paco Roca con retazos, más a través de sensaciones, de gestos y miradas que no a través de una historia que profundice demasiado en los hechos que provocaron el fracaso comercial de la revista Tío Vivo que nacida en plena dictadura franquista buscaba una libertad impensable en aquello años.

A la hora de trazar este relato clave en la historia del medio en España, el autor de Arrugas podría haber optado por un riguroso estudio histórico de lo que era Bruguera, de su poder y de como cinco dibujantes intentaron desafiarlo, sin embargo Paco Roca prefiere centrarse más en las personas que protagonizaron aquellos momentos que no en el contexto y los detalles que lo permitieron. Con una cuidada planificación que cambia la tonalidad de las páginas más que por la estación del año, por las sensaciones, el estado emocional que acompaña el momento que se esta narrando, el autor nos consigue sumergir primero en la ilusión con la que nació un proyecto destinado a cambiar la historia del medio en España, para después transmitir con inusitado éxito, la desazón por el fracaso de un proyecto creativamente impecable pero sin futuro desde el momento que la todopoderosa Editorial Bruguera uso todas las armas a su alcance (y eran muchas) para frenarlo.

Personalmente creo que El invierno del dibujante más que un relato histórico es una obra de sensaciones, de momentos capturados en el tiempo destinados a mostrar los sentimientos de todos los implicados en aquello, bajo este prisma creo que el autor obtiene un éxito absoluto al conseguir transmitirnos el estado emocional de toda una época, un época gris en la que cinco valientes se atrevieron a soñar para descubrir que ni siquiera eso les estaba permitido. Decía más arriba que el cómic se centraba más en las personas que en los acontecimientos en si, tal vez no sea del todo cierto, habría que decir que se centra más en lo que esas personas pudieron sentir a lo largo de toda su aventura, en los distintos estados mentales que llevan finalmente a ese invierno del dibujante tan bien traído del titulo.

Formalmente magnifica, la solidez narrativa, la disposición clásica de la pagina, la viveza de los rostros, la importancia de los gestos y las miradas, la acertada elección tonal y la cuidada ambientación hacen de El invierno del dibujante una obra en la que, un guión tal vez un tanto simple y algo esquemático, en el que la mayoría de los personajes apenas si son definidos, adquiere fuerza inusitada por la planificación visual. Toda una muestra del potencial de un medio eminentemente visual en el que el componete formal puede tener tanta o más importancia que el fondo de lo que se esta contando. Si a esto unimos que ese fondo (en el que se insisto, tal vez se eche en falta algo de profundidad) es tan estimulante como en el caso de esta obra, tenemos la explicación del éxito de un cómic que sin duda merece todos los parabienes recibidos.

Una muerte en la primera familia.

2011-10-17T08:05:00.031+02:00

Se ha publicado este mes en España el esperado Fantastic Four 587, anunciado a bombo y platillo en su momento por la antigua Casa de la Ideas debido a que en el sucedía un acontecimiento vendido como vital para la primera familia: uno de sus miembros encontraría allí su final.

Estamos tan acostumbrados a la muerte en los cómics de superhéores, tan acostumbrados a que no signifique nada, a que a los pocos meses (con suerte tal vez años) todos vuelvan a la vida, que cuando se produce una, por relevante que pueda parecer, lejos de impactar parece poner en marcha el reloj que cuente el tiempo para el retorno del presunto fallecido. A estas alturas de la película ya sabemos que nada es sagrado, que incluso muertes épicas como la de Barry Allen pueden ser anuladas la friolera de 20 años después, que acontecimientos tan relevantes y definitorios de un personaje como la muerte de Jason Todd en Batman pueda dar marcha atrás en aras de “una buena historia”, que pese a que Thor haya funcionado perfectamente sin Odín y de hecho haya crecido como personaje sin su presencia, ha bastado con que un película use al Padre de Todos para que este tenga que volver a los cómics a la fuerza sin otro tipo de consideraciones. Así las cosas cuando desde allende los mares empezaron a llegar las noticias sobre que el Los 4F iba a haber una muerte significativa uno solo podía tomárselo a risa, tampoco ayudaba claro que Quesada dijese cosas como “si algún día vuelve lo hará de una forma tan molona que nadie se lo esperara”. Apenas ha enfriado el cadáver y ya hablaban de traerlo de vuelta.

Cuando esto sucedía en España la etapa del guionista responsable de esta historia, Jonathan Hickman llevaba cerca de un año, más si tenemos en cuenta el prologo a la misma que supuso la serie limitada de los 4F enmarcada en el Reinado Oscuro de Norma Osborn. El guionista que se había hecho un nombre al frente de los Guerreros Secretos, aparecía como un discípulo aventajado de Bendis debido a la excesiva lentitud de sus tramas y a la vacuidad de sus grapas concebidas como unidad, nada fuera de lo normal en los tiempos que corren por otro lado. Sin embargo su etapa en los 4F con artistas como tan capaces Sean Chen, Dale Eaglesham o Steve Epting no paraba de recibir parabienes.

Personalmente hacía un tiempo que había decido alejarme de los 4F concretamente desde el fin de desastre perpetrado por JMS durante los cruces con Civil War y es que realmente tenía la sensación que desde Heroes Reborn (incluido el calamitoso trabajo de Jim Lee) y con la excepción de los inicios de Waid, en los 4F solo se habían llevado a cabo mediocridades que por uno u otro motivo no habían conseguido poner de nuevo en primer plano a los fundadores del Universo Marvel. Tal vez el problema estribaba en la propia leyenda de los 4F, y es que los primeros 102 números de Lee y Kirby son tan potentes, tan definitivos que desde entonces parecía que todo aquel que pasaba por la serie solo podía repetir lo ya contado con su “saga del Doctor Muerte”, su “saga de Galactus” o su “saga de los Inhumanos”. Sin embargo John Byrne consiguió hacer historia en el titulo, empezando con un clásico retorno a los orígenes hizo crecer a los personaje y termino firmando una etapa casi tan mítica como la fundacional, claro que de eso hacía mucho tiempo. En fin que me pierdo, decía que hacía bastantes meses que había dejado de seguir a los 4F (con la excepción de la nuevamente mediocre etapa de Millar y Hitch), sin embargo como me gustan los personajes y ante la avalancha de buenas criticas y pese a mis recelos por el temor a asistir a otra muerte gratuita y sin sentido decidí darle una oportunidad a Hickman, y la verdad es que no me arrepiento. Aunque es cierto que Hickman es lento en el desarrollo de sus tramas (supongo que a estas alturas este estilo de narración hay que tomarlo o dejarlo, lo que esta claro es que ya no es una moda, esta consolidado y así es como se escriben los cómics de supers hoy), su trabajo en los 4F esta siendo un interesante puzzle que poco a poco se va completando y en el que a medida que avanzas puedes sentir como todo encaja.

Esto nos lleva de nuevo a la muerte que acontece en el ya famoso FF 587 USA (46 del volumen actual español), que más que por el suceso en si, en todo caso tan pretendidamente épico como tópico, un sacrificio heroico en toda regla para salvar a su familia y a la humanidad, que sin embargo suena a ya visto, destaca por como Hickman nos ha conducido hacía el mismo. A lo largo de los 22 números que componen su etapa hasta este cómic, el guionista ha tejido una gran historia que ha llevado a los 4F a estar separados por diferentes motivos, con uno de sus miembros en situación de extrema debilidad y consiguiendo transmitir la idea de que cualquier de ellos podía caer. Hickman ha usado para ello viajes en el tiempo, Galactus y Estela Plateada (si él también ha hecho su “historia de Galactus”, pero lo ha integrado en el todo mayor que estaba contando), ciudades perdidas o conceptos nuevos como la Fundación Futuro, todo ello tan dentro del scope de la colección que demuestra el intenso trabajo del autor para construir algo nuevo sobre los cimientos de lo ya existente yendo directamente a la esencia de los 4F. Todos sabemos que esta muerte no durara, ni siquiera es en verdad una muerte ya que no hay cuerpo, con todo lo que eso conlleva, pero lo cierto es que Hickman la ha integrado en la historia que esta construyendo con inteligencia e interés haciendo de ella una muerte significativa, con un sentido dentro de lo que se esta narrando, todo lo contrario a las muertes gratuitas que en los últimos años se han hecho tan habituales en el genero, sin duda un ejemplo a seguir si se quiere hacer algo así.

Desde la nostalgia, series para el recuerdo IV.

2011-10-15T08:05:00.029+02:00

Sigo desgranado las series de televisión que por un motivo u otro más marcaron mi infancia (ochentera) o mi adolescencia (noventera), aunque por regla general casi ninguna serie ha envejecido bien y pocas aguantan un revisionado, creo que las dos de hoy son una clara excepción.

Aquellos maravillosos años: Pocas series son tan relevantes y generacionales como esta. Una serie especial, que al menos en mi caso conseguía reunir a toda la familia frente al televisor y que captaba el interés a través de la identificación de grupos de edad muy variados. Estructurada en forma de flashback permanente con un narrador omnisciente que en voz en off nos cuenta los recuerdos de su infancia-adolescencia (estructura que tanto ha influido en nuestra Cuéntame por desgracias muy lejos de esta) enmarcada en los definitorios años 60-70 de la historia de los USA; consigue transmitir nostalgia por los cuatro costados. Años de rebeldía, años en los que el mundo parecía que podía cambiar de verdad, en contraste con la oscuro realidad de finales de los 80: el mundo no podía cambiar, lo malos habían ganado. La serie que sigue resultando a día de hoy un certero (aunque algo acaramelado) análisis del paso a la adolescencia en una familia de clase media en el mudo occidental, jugaba como decía antes la baza de la identificación, la gente de mi edad podía en cierta medida reconocerse en Kevin Arnold a la par que se enamoraba también de la simpar Winnie Cooper, gente de más edad podía conectar con esa hermana rebelde que buscaba su propio camino lejos de las rígidas estructuras sociales y familiares heredadas de los 50 , mientras que los padres podían ver cierto reflejo en una pareja clásica que se veía desbordada por los cambios que se sucedían a su alrededor, cambios que no terminaban de entender. A todo esto hay que añadir su magnifica banda sonora ya desde la intro con un Joe Cocker soberbio. Cierto es que hace tiempo que no vuelvo a ver algún capitulo de esta maravillosa serie, pero tengo la total certeza de que no solo si ha aguantado el paso del tiempo sino que incluso ha mejorado con los años.

Edición anterior: Esta es otra de esas serie de sobremesa de Canal + (la verdad es que este canal era una mina, aquí vi por primera vez Buffy, Friends, Caroline....) que me pillo en los años finales del instituto y que solía ver con cierta regularidad. Desde un primer momento me llamo mucho la atención su planteamiento: Gary Hobson (Kyle Chandler, uno de los protagonista de la también nostálgica y ochentera Super 8) empieza a recibir una mañana los periódicos del día siguiente. Siendo como era un buen chico en vez de forrarse con la lotería centra sus esfuerzos en prevenir los desastres que anuncia el periódico de mañana. Concebida de manera formulaica (no es difícil suponer en que consistía esa formula, ¿verdad?) la serie tenía toda una mitología detrás a cuenta de los anteriores portadores de este “legado”, los motivos del mismo y la razón por la que Gary había sido elegido. Bastante entretenida y simpática más que por Gary, demasiado boy scout, destacaba por los secundarios sobre todo dos: el mítico y misterioso gato que entregaba el periódico cada mañana y Chuck Fishman (interpretado por Fisher Stevens que luego saldría en Lost), mejor amigo de Gary y que siempre estaba tentándole para que usara el periódico de manera un poco más egoísta. Nunca he visto enteras las cuatro temporadas que componen la serie y eso que más de una vez lo he pensado, el problema tal vez este en que aunque Edición Anterior esta bien y es interesante, no es en realidad nada realmente especial y claro hay tantas cosas que ver, pero quien sabe a lo mejor algún día...

Fuente videos: Youtube.

Historia de un hombre sin miedo especial: Cruces con Tierra de Sombras II.

2011-10-12T08:05:00.037+02:00

Seguimos con el repaso a las miniseries generadas por el mayor crossover protagonizado por Daredevil en toda su historia, hoy con las dos que quedan para completar las cuatro que surgieron al rebufo de Tierra de Sombras.

Enmarcadas dentro del relanzamiento de su universo “más callejero” que supuso Tierra de Sombras para Marvel, las dos miniseries que completan el evento (a falta de repasar los one-shots) buscan actualizar con diferente acierto conceptos y personajes que últimamente parecían fuera de de juego.

La primera miniserie de cuatro números titulada Blood on the streets y publicada aquí por Panini en un tomo 100% Marvel (rustica con solapas) adecuadamente llamado Sangre en las calles, cuenta con guiones de Antony Johnston, de quien ya hemos hablado por aquí, no es vano es junto a Andy Diggle uno de los arquitectos de la saga y lápices de Wellington Alves. Este dibujante de origen brasileño más conocido por su labor en la vertiente más cósmica de la editorial (Reino de Reyes: Inhumanos) se adapta relativamente bien a un entorno más urbano. Más preocupado por la espectacularidad que por la narrativa y dotado de gran habilidad para dibujar féminas de buen ver, Alves cumple con los estándares de los cómics de hoy en día: cierto grado de dinamismo, pocas viñetas por página y el espectáculo por encima de todo.

La miniserie, cuenta con la presencia de Misty Knight, ex-policia y ex heroína de alquiler, detective privada en la actualidad y de dilatada trayectoria en el Universo Marvel como eje central de la historia. Claro que Misty no estará sola: le acompañaran por el camino Paladín, mercenario surgido en las páginas de Daredevil a finales de los 70 y que tendría cierto protagonismo durante la etapa de Bendis en el cuernecitos. Marta Plateada, otra mercenaria surgida en este caso de las páginas de Spiderman que aceptaba contratos para contribuir a la economía de su país la ficticia Symkaria y Mortaja oscuro y siniestro vigilante surgido también de las páginas de Spiderman.

Este estrafalario grupo de muy diversos intereses termina convergiendo en la Tierra de Sombras creada por Daredevil cuando en apariencia asesinos de La Mano se dedican a matar a peligrosos criminales, algo que choca con su habitual actitud de detención pero no muerte de los mismos. Los intereses de los cuatro protagonistas terminaran cruzándose de manera un tanto forzada en un investigación que afecta al pasado de Misty y en la que nada es lo que parece. Sangre en la calles es un cómic escasamente entretenido, en el que Tierra de Sombras apenas es el telón de fondo (Daredevil no aparece en toda la miniserie), en el que se desarrolla un drama que busca poner en el mapa a unos personajes en general (y con la posible excepción de Misty) lago tiempo olvidados, ni siquiera eso consigue claro.

La segunda miniserie, en este caso de tres números Daughters of the sadow ha sido recopilada aquí por Panini junto con los one-shots (a imagen y semejanza que el tomo americano) en otro tomo 100% Marvel bajo el nombre de Luchadores Callejeros. Con guiones del desconocido Jason Henderson (al parecer un novelista de terror con cierto renombre al otro lado del Atlántico) y lápices del no mucho más conocido, pero en todo caso competente Iván Rodríguez (cuyo trabajo más relevante hasta ahora tal sea el Doktor Sleepless de Warren Ellis para la editorial Avatar); la miniserie se centra en Colleen Wing, mejor amiga y eterna socia de Misty Knight, que aquí buscará su propio destino.

Dentro de la comunidad superhéroica la actitud de Daredevil en Tierra de Sombras despierta, cuando menos recelo, si no oposición frontal, Colleen sin embargo, atada de pies y manos por una ley incapaz de resolver los problemas reales empieza a pensar que tal vez DD tenga algo de razón en su cambio de actitud. El salto definitivo a los brazos de antiguo héroe sin miedo llegará cuando este muestre a Colleen como su madre formo parte antaño de La Mano liderando un subgrupo solo de mujeres conocido como La Uña, DD ofrece a Colleen seguir los pasos de sus madre y liderar una nueva encarnación de La Uña; la Hija del Dragón aceptara hasta que se de cuenta que los métodos de Daredevil no son tan positivos como ella en un principio pensó. Historia bastante tópica que intenta poner en primer plano de nuevo a Colleen (de nuevo con resultados discretos) a la par que presentar toda una serie de personajes nuevos que configuren las futuras Hijas del Dragón (Colleen y Misty en un primer momento).

Resulta interesante señalar, a modo de balance del crossover, que la idea de usar a Daredevil y su posición como líder La Mano como punto de arranque para una revitalización del la faceta más callejera del Universo Marvel termina en general con un fracaso absoluto: Daredevil y el Caballero Luna serán relanzados con equipos e ideas que poco tiene que ver con lo por aquí se ha narrado, el nuevo Power Man (tal ves el personaje más interesante salido de todo esto) apenas si ha tenido repercusión; Colleen, Misty y todo el tema de Las Hijas del Dragón no parecen haberse beneficiado en nada de su paso por aquí y la en cierta medida heredera de todo esto, la nueva Heroes de Alquiler (con Elektra, Marta Plateada, el Paladin o Misty por allí), esta pasando con más pena que gloria por el top ventas americano.

Miniseries con autores o desconocidos o no de primera fila, historias de escaso interés y de todo punto irrelevantes en las historia de sus protagonistas, ¿que pretendía Marvel con estos tien-in?, es más que pretendía con Tierra de Sombras (tal vez repetir el relativo éxito del relanzamiento cósmico de hace unos años, claro que Tierra de Sombras esta a años luz de Aniquilación), fuese lo que fuese no lo han conseguido lo único que han hecho es cargarse una etapa que podría haber resultado interesante (Diggle es un buen guionista) y convencionalizar una premisa (Daredevil al frente de La Mano) que daba mucho más de si, un desastre, no cabe otra palabra.

Releyendo a Grant Morrison: El Asco.

2011-10-10T08:05:00.024+02:00

Concluyo el repaso a las obras de Grant Morrison que he podido volver a leer en las últimas semanas con una de sus obras más provocativas y escatologicas: El Asco, con dibujos de Chris Weston. Una reconocida secuela espiritual de Los Invisibles.

Maxiserie de 13 números concebida en la época en la que Morrison estaba en la cresta de la ola por su trabajo en los New X-Men marvelitas. Resulta curioso observar como el proyecto, en su origen una idea para Nick Furia (probablemente enmarcada dentro del entoces naciente sello MAX para lectores adultos), termino transformándose en algo muy distinto. Aún así, si se observan en la obra ciertas reminiscencias de ese origen, con una poderosa organización secreta uniformada, que en el diseño de Weston, guardan cierto parecido visual con los uniformes de S.H.I.E.L.D, con su querencia por cierto fetichismo por el cuero y la autoridad centralizada, y en la que siguiendo la tradición aparece una suerte de Helitransporte que no tarda en volar por los aires.

Dejando aparte esto, si se quiere puramente anecdótico; decía al principio que El Asco es una suerte de reconocida secuela espiritual de Los Invisibles y lo es no solo porque el propio Morrison así lo señalase en las diferentes entrevistas que concedió por la época, si no porque los temas que trata el cómic y la manera en la que son tratados, tienen innegables ecos de la que aún hoy es la obra más personal del escoces. Incluso a nivel visual El Asco enlaza directamente con Los Invisibles: Weston ya colaboro allí con Morrison y aunque aquí, como único dibujante si consigue que la obra luzca con mayor uniformidad, tal vez sea un artista demasiado realista para los delirios del guionista de Arkham Asylum; delirios que por otra parte si tienen su reflejo en las magnificas portadas de Carlos Segura. En cualquier caso, y aunque Weston pueda parecer un dibujante no del todo adecuado para esta obra, si es verdad que es un excelente artista, cuyo trazo realista al menos permite jugar al contraste con los estimulante y algo enfermizos guiones de Morrison.

Planteado casi todo el rato desde el punto de vista contrario al que nos fue narrado Los Invisibles, tal vez por la fallida (aunque tremendamente estimulante) experiencia de esta, Morrison torna El Asco en una obra mucho más provocadora y gamberra que revolucionaria, esto hace que este cómic sea probablemente más accesible que el de King Mob y compañía, pero también a mi juicio bastante menos interesante y ambicioso. Pese a todo hay en El Asco no pocas ideas estimables, como por otro lado en casi todas las obras de Morrison: basureros dotados de poderosos recursos tecnológicos en defensa de lo que ellos conocen como Status Q (esto es, que las cosas sigan como están, lo que decía antes del punto de vista contrario al de Los Invisibles) y que buscan reconvertir para su causa (o destruir) a los conocidos como antipersonas, esto es aquellos que desafían el Status Q, o sea a Los Invisibles.

El cómic vuelve a mostrar muchas de los sellos característicos de su guionista, con mucha simbologia, cuestionamiento sobre lo que es la realidad, sobre el poder del creador sobre aquello que crea y del observador sobre lo que ve y preguntas entorno a si es posible un autentico cambio social sin recurrir a la violencia. La obra parece en general mucho más planificada y cerrada que Los Invisibles haciendo que lo que le falta en espontaneidad lo compense con un discurso mucho más fácil de seguir aunque en el fondo viene a contar, si no lo mismo, si algo muy parecido. En general El Asco sin parecer tan fallida como al final resulto ser Los Invisibles, no llega a estimular de la misma forma que lo hacían aquellos siendo un trabajo sin duda interesante pero mucho menos poderoso que aquel. Y es que para quien esto escribe siempre es mejor no llegar por exceso de ambición que quedarse corto por no no intentarlo, y no es que El Asco no sea también un obra valiente y en cierta medida a contracorriente, si no que simplemente no intenta siquiera llegar tan lejos como si lo hizo su antecesora.

Desde la nostalgia, series para el recuerdo III.

2011-10-08T08:05:00.023+02:00

Nueva tanda de series de los 80 y los 90 que por un motivo u otro tuvieron repercusión en mi infancia y adolescencia, hoy al contrario que otras veces vamos con cuatro series ¡y alguna incluso es buena!

El Trueno Azul: Tengo un recuerdo bastante difuso de esta serie: se que me gusto muchísimo cuando la dieron por La Primera y también que duró muy poco, en su momento me pareció como si se evaporara y de repente dejara de estar en antena. La recuerdo como una suerte de Coche Fantástico del aire llena de ritmo y realmente entretenida, investigando un poco descubro que se trato de una serie de tan solo 11 episodios y que se baso en una película (que no he visto) dirigida por John Badham director de otros mitos de los 80 como Juegos de Guerra o Cortocircuito y protagonizada por Roy Scheider el de Tiburon. La serie no la he vuelto a revisar desde que la dieron por la tele, de hecho durante mucho tiempo no supe el nombre de la misma, solo me acordaba de “aquella serie del helicóptero que molaba tanto”, no se como habrá envejecido, pero casi prefiero dejarla en el recuerdo como una gran serie que comprobarlo y llevarme otro chasco como el de Alf.

Los líos de Caroline: De esta ya he hablado por aquí a propósito de su sustitución por Friends en la sobremesa de Canal +. La serie narraba las desventuras de Caroline una dibujante de una tira cómica de éxito (lo que ya era un punto a su favor, claro) que cuenta con un estrafalario ayudante, una histérica y atractiva vecina y una serie de relaciones personales bastante desastrosas. Tampoco la he vuelto a revisar pero la recuerdo como una serie bastante divertida que al igual que tantas sitcom de reconocido éxito basaba su comicidad casi exclusivamente en un personaje: Richard, un cínico colorista (creo recordar) políticamente incorrecto y con la “mala” costumbre de decir siempre lo que pensaba sin medir las consecuencias. Pensándolo un poco la serie resultaba bastante convencional y creo recordar que su decadencia empezó cunado la relación profesional entre Richard y Caroline empezó a ser algo más, lo que también suele pasar en estos casos. En fin, con todo, en una época sin Internet y donde solo podías ver las series que te ponían; Caroline resultaba un agradable y divertido entretenimiento.

Los problemas crecen: Serie mítica donde las haya, repuesta mil y una veces en mil y un canales, Los problemas crecen (donde debutaría ni más ni menos que Leonardo DiCaprio), es el ejemplo más claro (o uno de los más claros vaya) de las sitcom familiares americanas en su vertiente más netamente conservadora. Recordada sobre todo por su magnifico y significativo opening no era raro ver multitud de carpetas femeninas en el colegio empapeladas con fotos de Kirk Cameron extraídas de la hoy extinta Superpop. Hace mucho tiempo que no veo episodios de esta serie, pero ya en su momento parecía rancia casi de otra época, apenas un entretenimiento a la hora de la merienda que con suerte conseguía sacarte una sonrisa, rara vez una carcajada. Aún así se trata de una serie de los 80 que casi todos los que crecimos en esa década hemos tenido por fuerza que ver alguna vez y eso es significativo.

Salvados por la campana: No muy distinta de la anterior aunque con algo más de mala leche, a día de hoy Salvados por la campana es casi más rememorada por el destino de alguno de sus actores que por la calidad de la serie ya bastante floja en su momento. Chicos y chicas de instituto guapas y guapos que buscando la identificación de un público muy concreto jugaban a ser rebeldes, terminado por hacer siempre “lo correcto”. Llena de los estereotipos más burdos, intentaba tener algo de reflejo generacional. El problema claro es que ya entonces resultaba demasiado superficial e incluso escasamente divertida. Con varios derivados en su haber, (y una clara heredera, la inefable California Dreams), lo cierto es que no la he vuelto a ver en muchos años, quizá ahora sea más interesante pero realmente lo dudo.

Fuente videos: Youtube.

Los Muertos Vivientes treinta números después.

2011-10-05T08:05:00.018+02:00

Hacía tiempo que no escribía por aquí sobre Los Muertos Vivientes (en concreto desde el 48 USA), más que nada porque el parón del blog del año pasado coincidió en el tiempo con la afortunada decisión de Planeta de acelerar la serie con ni más menos que cuatro tomos salidos en 2010, toca así pues hacer un repaso general a la colección.

Los Muertos Vivientes sigue siendo aún hoy la serie mainstream más prestigiosa que uno puede encontrar, con el centenar de entregas asomando en el horizonte y con uno niveles de tensión y drama que no hacen si no aumentar, parece claro que el trabajo de Kirkman y Adlard es incontestable y sin embargo....

He de reconocer que cuando leí por primera vez este cómic no había visto en mi vida ni una sola pelicula de zombis, sabía quien era Romero claro, pero no conocía su trabajo, fue precisamente esta serie lo que me llevo a acercarme a esas películas y allí descubrí que el trabajo de Kirkman en esta serie tenía muchas de las virtudes que se encuentran en la trilogía inicial de Romero (La Noche de los Muertos Vivientes, Zombi y El día de los muertos) y que su originalidad venía dada sobre todo por el medio (el cómic) usado para reflejar todo lo que Romero había mostrado en sus filmes. Los zombis como elemento de fondo del autentico horror de lo que la humanidad esta dispuesta a hacer para sobrevivir, al fin y al cabo los zombis solo quieren comer, son los hombres los que sin leyes, sin consecuencias y preocupados solo por su destino, comenten las mayores tropelías.

Estas influencias, reconocidas claramente por Kirkman que en todo caso pretende ir más allá de donde llego Romero en lo que al destino de los supervivientes de este mundo apocalíptico respecta, estas influencias decía, alcanzaron su punto culminante en el lacónico y tal vez excesivamente autoconsciente “Nosotros somos los muertos vivientes”, del número 24 americano (cuarto tomo español). Cierto es, que es una conclusión a la que el lector debería haber llegado por su cuenta y que verbalizada de esa forma puede perder parte de su significado, pero no es menos cierto que es un brutal epilogo a lo vivido hasta ese momento y que permitía dar la sensación de obra cerrada. Pero no se acabo ahí, Kirkman quería ir mucho más lejos y realmente tengo la sensación de que desde entonces la colección, aun con cómics estupendos, aún justa merecedora de todos los parabienes cosechados; no ha hecho otra cosa que repetirse en un más difícil todavía que no parece ir a ningún sitio.

De vocación claramente literalizante y con una sobreabundacia cada vez mayor de diálogos lo mejor que ahora se puede decir de Los Muertos Vivientes, es que sus principales protagonistas, de tan autoconscientes parecen estar cerca de romper la cuarta pared, hablando directamente al lector de aquello por lo que están pasando y mirándoles a los ojos como desafiándoles a seguir contemplando el dantesco panorama en el que se han transformado sus vidas. Así las cosas, el cómic ha dejado de ser una metáfora de nuestra sociedad llevado al extremo que busca con el juego de los espejos deformados indagar en la verdadera naturaleza del ser humano, para tornarse en una explicita declaración de principios que deja pocas dudas sobre lo que el autor (la vocación literalizante que señalaba antes, muestra a las claras a Kirkman como responsable casi único del mensaje de la obra) pretende narrar.

Lejos de cualquier tipo de sutilidad, de la más mínima búsqueda de esperanza, Los Muertos Vivientes alcanzan cotas de crueldad que a estas alturas no resultan ya sorprendentes, si acaso al contrario redundantes en un panorama que de tan negro empieza a resultar demasiado previsible. Hay que esperar para ver el futuro de la colección, pero a estas alturas parece, como decía antes, bastante repetitiva e incluso cíclica (el estatus actual recuerda demasiado a la cárcel por la que pasaron los supervivientes, y no pocos de los nuevos personajes parecen actualizaciones de algunos ya fallecidos) lo que no impide que siga siendo una colección francamente disfrutable a la que sin embargo se le empiezan a ver las costuras.

Releyendo a Morrison: Animal Man.

2011-10-03T08:05:00.033+02:00

Sigo con el repaso a algunas de las relecturas que he podido hacer últimamente de las obras del genial guionista escoces, en este caso con la que aún hoy sigue siendo la que más me gusta: Animal Man.

Animal Man es para mi un cómic especial. Para ello convergen toda una serie de factores: por un lado fue el primer cómic de Morrison que leí, no tenía ni idea de quien era el guionista (este es su primer su primer trabajo en un major americana) y desde entonces su nombre se me quedo grabado como un tipo a seguir; por otro nunca había leído un cómic así. Me explico, cuando leí por primera vez Animal Man mi bagaje como lector de cómics no era demasiado amplio, si, había leído muchos cómics de superhéroes, de Mortadelo y SuperLopéz y gracias a la biblioteca cosas como Tintin y Asterix, pero nunca en mi vida había leído una ruptura de la cuarta pared llevada a cabo de manera tan magistral y coherente, he de reconocer que en su momento el cómic fue un autentica bomba para mi y desde entonces todos mis acercamientos a esta obra están condicionados por ese primer impacto, cuyo calibre solo recuerdo haber sentido con Born Again.

Pasado el tiempo y con varias relecturas a mis espaldas (intento leerlo al menos una vez al año), uno ya es consciente de las debilidades de la obra, un cómic tal vez excesivamente caótico en ocasiones que abre muchos frentes y cierra pocos, que exagera su ecologismo radical en sus comienzos y que se ve un tanto afectado por los vericuetos editoriales de la época, no olvidemos que por mucho que ahora se incluya en el sello Vertigo, Animal Man estaba en su momento plenamente integrado en el Universo DC e incluso formaba parte de la JLA.

Capitulo aparte merece el dibujo, donde Chas Toug ha sido machacado una y otra vez (al contrario que las maravillosas portadas de Brian Bollard, que en todo caso tienen algo de engaño: lo de dentro no tiene nada que ver, cualitativamente hablando, claro), cierto es que no estamos ante un gran artista, tal vez ni siquiera bueno, pero a mi desde luego me resulta cumplidor, no esta a la altura de los guiones de Morrison, es verdad, pero no diría que Animal Man es un destrozo visual, mas bien me resulta un dibujo muy de su época sin nada especial, demasiado convencional desde un punto de vista visual, algo por otra parte que pasa a menudo en la obra del guionista de Los Invisibles.

En todo caso y aún con sus debilidades, Animal Man sigue siendo aún hoy una obra de referencia en el cómic comercial americano y una muestra clara del trabajo de Morrison, que hará aquí por primera vez aquello en lo que luego sería un experto: coger un personaje/s ajeno y sin traicionarlo llevarlo a su terreno para tornarlo casi en uno propio, todo ello aderezado con una reivindicación del superhéroe clásico como único camino valido para el genero si este desea perdurar más allá de obras puntuales. En esta caso, además el autor de Final Crisis aprovecha su revisión de Animal Man para realizar una profunda reflexión sobre el papel del creador sobre su creación y del lector con respecto a aquello que lee. Tal vez el de Glasgow se paso de chauvinista en un final demasiado personalista pero en todo caso su trabajo muestra a las claras la tremenda personalidad de un autor destinado a ser una de la referencias allende los mares, incluso el caos que acompaña la obra terminara por tornarse en una de las señas de identidad del guionista, siempre preocupado por plantear preguntas pero menos interesado en dar las respuestas, un autor que desde el principio confía y respeta en la inteligencia de sus lectores y que, respetando su esencia y huyendo del realismo mal entendido, intenta ir más allá de los caminos más trillados en un genero, el de superhéroes, en el que indudablemente se enmarcan tanto este Animal Man como lo mejor de la producción de Grant Morrison.

Desde la nostalgia, series para el recuerdo II.

2011-09-30T08:05:00.040+02:00

Continuo con el repaso de alguna de las series que más me marcaron durante la infancia y la adolescencia, series que en muchos casos vistas hoy no están a un nivel demasiado alto, pero que con todo tienen su aquel.

Los Vigilantes de la Playa: Bueno esto a ver, la serie ya me parecía mala en su momento, con argumentos absurdos, conflictos sin sentido y un David Hasselhoff que estaba lejos de molar tanto como en el Coche Fantástico, pero claro tampoco es cuestión de ponerle tantas pegas a una serie que tenía unos valores tan, como decirlo, neumáticos. Y es que en la hormonada vida de un adolescente ver a Pamela Anderson y compañía en ajustados trajes de baño corriendo a cámara lenta para salvar la vida de algún afortu...esto, desafortunado incauto no requería excesiva racionalización, teniendo eso no podías pedir encima que al serie fuera buena, bueno a lo mejor si, pero tampoco es que te fueras a dar demasiada cuenta. Creo que los valores de esta serie se resumen perfectamente en aquel episodio de Friends, donde Joey se la descubría a Chandler y este solo acertaba a decir “¡¡están, están corriendo, y, y lo hacen a cámara lenta!!”. En todo caso lo que es innegable es que la serie era honrada, sabía perfectamente lo que vendía y a que tipo de público iba dirigida dándole lo este pedía, claro que se mire como se mire, vista hoy ni Pamela Anderson consigue salvar este desastre.

El Principe de Bel Air: Supongo que todos, en algún momento de nuestras vidas hemos tarareado aquello de “al oeste en Filadelfia crecía y vivía sin hacer mucho caso a la policía...”. Serie que lanzo a la fama mundial a la hoy superestrella Will Smith, El Principe de Bel Air es una sitcom bastante clásica que aunque lejos de las grandes del género, sigue teniendo a día de hoy cierto encanto. Es verdad que la serie depende en exceso de Will Smith sobre el que se centra el foco de todo lo que en ella transcurre, pero no es menos cierto que otras sitcom actuales de gran prestigio (pienso en Big Bang Theory o How i met your mother) basan gran parte de su comicidad en un determinado personaje y no pasa nada, además aquí teníamos a Carlton permanente objeto de chanza por parte de Will y que siempre proporcionaba alguna de las situaciones más estramboticas y surrealistas de la serie. Sea como sea es innegable que El Principe de Bel Air es todo un icono televisivo de los 90 y que no somos pocos los que nos acordamos con cariño de una serie desenfadada y divertida que si no carcajadas si consigue aún hoy, sacarte más de una sonrisa.

Alf: Esta serie sobre un extraterrestre que se estrella en la Tierra y es “adoptado” por una arquetipica familia estadounidense era de mis favoritas de chaval, Alf, manipulador, miedica, comedor de gatos y egoísta recalcitrante tenía pese a todo carisma, era un personaje que parecía diseñado para encariñarte con él. De chaval era una serie que no me perdía nunca y que me hacía reír a carcajadas, al contrario que otras de las que he hablado por aquí esta no la había vuelto a ver hasta hace relativamente poco, así que en mi mente seguía siendo una serie simpática que seguramente hubiera aguantado el paso del tiempo. Sin embargo como decía, hace poco tuve la oportunidad de revisar varios episodios y, bueno la verdad es que el recuerdo se desvaneció enseguida, supongo que como sucede con El Equipo-A y tantas otras para disfrutar de verdad de esta serie hay que verla con la mentalidad de un infante dispuesto a disfrutar de lo que le muestran sin cuestionarse demasiadas cosas. Y es que los episodios que pude ver de Alf me resultaron, lentos, escasamente divertidos y demasiado previsibles, supongo que puede ser que pillara alguno de los peores episodios de la serie, pero más bien creo que no, que es mejor dejar a Alf en el recuerdo, como esa serie de la que tanto disfrute de chaval y no volver a acercarse a ella para evitar la decepción.

Fuente video: Youtube.

American Vampire, emblema de un sello.

2011-09-28T08:05:00.001+02:00

Con dos tomos ya publicados en España que vienen recopilar las 11 primeros números de la colección, American Vampire se ha convertido en uno de los símbolos del Vertigo actual, un sello que viviera épocas de gloria pero que ahora parece encontrarse en uno de los peores momentos de su historia.

Los vampiros están de moda, aunque más bien cabria pensar que nunca han dejado de estarlo, su presencia en la cultura popular es fácilmente rastreable en el cine, la literatura, la televisión, los videojuegos y como no los cómics. Desde la más aventurera y legendaria La Tumba de Drácula a la más netamente terrorífica 30 Días de Noche, pasando por la reciente invasión del Universo Marvel (tanto en su versión tradicional como en su versión Ultimate), los diferentes puntos de vista sombre este horror ancestral que acecha en la noche para robarnos la vida han sido reflejados con desigual acierto en el mundo del cómic. En este sentido American Vampire nos presenta un nuevo acercamiento al mito, enmarcado en el sello Vertigo y conducido por unos casi desconocidos hasta entonces Scott Snyder y Rafael Alburquerque.

Algo debía tener esta propuesta para primero ser lanzada a bombo y platillo como nuevo emblema de un sello casi huérfano de ellos desde el cierre de 100 Balas y segundo para atraer ni más ni menos que a Stephen King, el cual junto a Snyder coescribira el origen del personaje central de la serie Skinner Sweet, y ese algo empezaba por el enfoque que Snyder pretendía dar al proyecto. Alejada de las caramelizadas versiones que hoy pueblan el cine, el vampiro que proponía Snyder remarcaba sus raíces centradas en el horror puro presentándonos un personaje ya en vida amoral, sanguinario y con un punto nihilista que vería exacerbada su personalidad con el paso a la no-vida, pero claro haría falta algo más que un mero regreso a las raíces para convertir American Vampire en algo especial y ese algo más viene dado por ese American del titulo que va más allá de una mera referencia geográfica.

Skinner Sweet, no es un vampiro normal, no, es un vampiro americano, nuevos poderes y nuevas debilidades asoman en un vampiro que haciendo suyo el “América para los americanos” esta dispuesto a destrozar como pueda los múltiples intereses económicos que los vampiros europeos tienen en los USA, y es que Sweet en su anarquía y salvajismo tiene algo de lo que americanos llaman “espíritu pionero”. Así las cosas Snyder nos plantea una obra que tiene un mucho de racismo (visto desde dos punto de vista), lucha anticolonialista, venganza personal y ansias de destrucción por el simple placer de la destrucción, y lo hace a través de un relato escrito con buen pulso, que sabe caracterizar a los personajes con apenas unos diálogos planteando una lucha de poder a largo plazo de la que apenas si hemos visto sus comienzos. Capitulo aparte merece Rafael Alburquerque, que ahonda en la tendencia del sello (en su origen de eminente vocación literaria) de cuidar mucho más el apartado artístico de sus cómics. Dotando de gran sentido narrativo, y con páginas que son un autentico espectáculo (pienso en la primera aparición de Sweet como vampiro), Alburquerque hace de la lectura de American Vampire una delicia visual.

Con todas estos ingredientes, American Vampire viene a confirmarse, por méritos propios como la colección regular emblema del Vertigo actual: Fabulas lleva mucho tiempo en decadencia, DMZ, Scalped y Northlanders están a punto de acabar, Hellblazer, aunque en buenas manos gracias a Peter Milligan esta por ver como va seguir ahora que Constantine regresa al Universo DC y The Unwritten, aunque muy buena, carece de ese aura especial que tuvieron en su momento Sandman, Predicador o 100 Balas, aura que American Vampire parece si no tener aún, si estar muy cerca de conseguir.. Es una pena que el que fuera sello emblema del cómic de adultos dentro del mainstream este en plena decadencia, series como esta o como la ya mencionada The Unwritten mantienen la calidad del mismo, pero lo cierto es que poco a poco se esta viendo reducido a una sombra de lo que fue, esperemos que el éxito de este colección ayude a mantener el sello, aunque tal vez sea necesaria una reformulación del mismo con más protagonismo de los autores y es que el propio Garth Ennis, reconocía que aun en Vertigo la libertad del autor es muy inferior a la que se tiene en la editoriales independientes o incluso en Icon o Max los sellos para adultos de Marvel.

Releyendo a Morrison: Batman y Robin y El Regreso de Bruce Wayne.

2011-09-26T08:05:00.037+02:00

Lo que empezó de forma modesta e incluso desconcertante ha terminado por tornarse en una de las etapas más interesantes de la historia del personaje. Los 16 primeros números de Batman y Robin y la miniserie de 6, El Regreso de Bruce Wayne ahondan en todo lo que el guionista escoces ha venido construyendo en torno al Señor de la Noche.

Tal vez lo más interesante del trabajo de Morrison en Batman es que, en un personaje que ha tenido tantas y tan diversas (no pocas veces contradictorias) versiones a lo largo de su historia, consigue ir como pocos a la esencia del mismo, transformándolo casi más en mito (con raíces en los albores de la humanidad) que en personaje y haciendo creíble todos esos puntos de vista comprimiendolos en uno solo. Salvando las distancias, el Batman de Morrison recuerda un poco al Profesor Hulk de Peter David en el sentido de que consigue integrar todas sus personalidades en una sola haciendo que funcione.

Tras los acontecimientos narrados en Batman RIP y en Crisis Final (a la postre clave en la historia que esta construyendo Morrison con el hombre murciélago) el autor de All Star Superman afrontaba uno de sus retos más difíciles: seguir adelante sin la presencia de Bruce Wayne, algo que podría resultar intimidatorio, si no fuera porque el autor de Animal Man ya había conseguido integrar todos los Batmans posibles en el camino que llevo a RIP haciendo creíbles 70 años de continuidad como un todo. La obvia elección de Dick Grayson como Batman y la no tan sorprendente de Damian Wayne como Robin, permiten al autor escoces crear una nueva dinámica en el icónico dúo con un Batman inseguro de su papel como Señor de la Noche y un Robin aquejado de exceso de confianza y que se cree superior al que debiera ser su guía.

Esta nueva dinámica permite a Morrison trazar una historia con un tono mucho más aventurero alejado de la gravedad de RIP a la par que enlaza con el todo coherente que el guionista de Los Invisibles lleva construyendo desde el principio. Este tono más desenfadado y superheroico contrasta con lo bizarro y extremo de las amenazas a las que el nuevo dúo dinámico tendrá que hacer frente: su propio reverso tenebroso, un desquiciado Doctor Pyg o un asesino despiadado y sin capacidad de habla.

Enfocada desde el principio con El Regreso de Bruce Wayne en mente, la relectura del trabajo de Morrison muestra a las claras el error editorial cometido por Pda al sacar primero los 16 números de Batman y Robin y luego aparte la miniserie, ya que leídas en su correcto orden de salida la imagen que se obtiene es mucho más completa. Y es que desde el momento en que Dick tiene claro que es posible que Bruce no haya muerto si no que se encuentre atrapado en el tiempo, la colección pega un giro siendo ese su punto central. Así mientras Bruce inicia su ordalía en busca de la victoria definitiva frente a Darkseid a través de las diferentes épocas que recorre en su propia miniserie, Dick y Damian con la ayuda de un misterioso Oberon Sexton empiezan a completar el puzzle familiar de los Wayne que enlaza con los orígenes del Doctor Hurt y del Guante Negro y que permite entrever a Bruce Wayne como figura clave en Gotham desde el mismo nacimiento de la ciudad, todo ello usansdo una historia circular que tendrá sentido pleno en su conjunto.

Ambicioso como pocos, Morrison en su ya larga etapa (más de 50 números) al frente del Caballero Oscuro demuestra con su trabajo varias cosas: que el formato grapa no esta muerto, que se puede contar una historia-rio fácilmente recopilable en tomos sin que los cómics que la componen pierdan su fuerza leídos individualmente, que se pueden contar cosas nuevas e interesantes con personajes de más de 70 años a sus espaldas para lo que solo hace falta talento, ambición y un cierto grado de libertad autoral y que la continuidad usada como herramienta de trabajo y no como enemigo a ignorar puede ser la base en torno a la que construir un gran relato válido y atrayente incluso para aquellos que la desconozcan. En definitiva con el Batman de Morrison estamos ante el que posiblemente sea el cómic superheroico más estimulante de la actualidad, un cómic que confiá en la inteligencia del lector y que busca la implicación y el esfuerzo de este para disfrutar de una obra tan fascinante como perdurable.

Desde la nostalgia, series para el recuerdo I.

2011-09-23T08:05:00.022+02:00

Empiezo hoy una serie de post dedicadas a aquellas series que más me marcaron durante la infancia y la adolescencia, series que en mucho casos no he vuelto a ver y que ni siquiera he visto completas, pero que por una razón u otra han permanecido en el recuerdo. Muchas no son buenas, otras si, pero eso es lo de menos son series especiales que aguanten o no revisiones siempre tendrán hueco en mi memoria.

El Equipo A: “En 1972 un comando compuesto por cuatro de los mejores hombre del ejercito americano fueros encarcelados por un delito que no habían cometido, No tardaron en fugarse de la prisión en la que habían sido recluidos. Hoy buscados todavía por el gobierno, sobreviven como soldados de fortuna. Si tiene usted algún problema y se los encentra quizá pueda contratarlos. Son … el Equipo A”.

Así empezaba esta serie mítica donde las haya, el carisma inherente a M.A Barracus, Fenix, Anibal y Murdock y toda su parafernalia, en especial su furgoneta (uno de mis juguetes más queridos de la infancia) necesitan para funcionar la mirada de un niño. Vista hoy, con ojos de adulto la serie no se sostiene por ningún lado: tiroteos sin heridos, prisioneros siempre en lugares con multitud de herramientas a sus disposición, misiones inverosímiles...Con cierta perspectiva pienso que incluso de niños ya sabíamos que aquello no era muy bueno, pero como molaba, tan solo tenías que entrar en el juego y saber las reglas del mundo en el que se movían. Verla todas las tardes era casi una cita obligada y jugar a ser M.A o Anibal (nadie quería ser Murdock y menos aún Fenix) era muy habitual aquellos años. Como digo hoy la serie apenas se sostiene, y no creo que consiga siquiera conectar con las nuevas generaciones como demuestra el relativo fracaso de la reciente adaptación cinematográfica concebida más para nostálgicos que otra cosa. En definitiva una serie tal vez demasiado generacional pero en todo caso inolvidable para aquellos que crecimos en los 80.

MacGyver: Otra que tal baila, todos (al menos todos los de mi generación) conocemos el dicho “Tienes más peligro que MacGyver en una ferretería”. Capaz de fabricar una bomba con un clip, dos chicles y una pila, MacGyver cual tertuliano actual era un hombre que sabía de todo y que podía hacer de todo. Prototipo de héroe de acción inasequible al desaliento pero con corazón de boy scout, MacGyver ya parecía increíble en nuestros tiempos mozos, vista hoy ha envejecido incluso más que el Equipo A, tal vez por que el reparto más coral y el sentido del humor de aquella la siguen haciendo divertida. En su momento sin embargo MacGyver también molaba y también era una de las serie de referencia de aquellos años más que nada por el carisma de Richard Dean Anderson actor para siempre marcado por el personaje como queda claro en Los Simpson donde Patty y Selma llegan a secuestrarle para que se olvide de tonterias como Stargate, xd.

El Coche Fantástico: David Hasselhoff, es sin duda una de las más rutilantes estrellas de los 80, y en gran medida lo es gracia a Michael Knight “un joven solitario embarcado en una cruzada para salvar la causa de los inocentes, los indefensos, los débiles, dentro de un mundo de criminales que operan al margen de la ley”. Pero sin duda lo que hacía especial esta serie era KITT, el Coche Fantástico, un vehículo inteligente que siempre tenía la desgracia de toparse con un camión, un remolque o cualquier otra cosa cuando perseguía a los malos, aunque al final conseguía su objetivo mediante unos saltos tremendos que uno se preguntaba porque no había ejecutado antes. KITT era también uno de los juguetes preferidos de no pocos infantes ochenteros y también una de las atracciones favoritas en las que montar. De nuevo la serie no resiste un revisionado a día de hoy y tengo la impresión que ante la poca duración de su reciente remake estamos también ante una serie tan generacional como las otras dos incapaz de conectar con los nuevos públicos, pero en su momento si lo hizo, vaya que si.

Fuente de los videos: Youtube

Tom Strong y los robots de la muerte, recuperando el sentido de la maravilla.

2011-09-21T08:05:00.019+02:00

Norma acaba de publicar el séptimo y por ahora último tomo de este cientiheroe pulp creado Alan Moore y Chris Sprouse. En el además del magnifico especial Los Mil Mundos de Telsa Strong se incluye miniserie de seis números Tom Strong and the robots of doom (última del personaje a día de hoy) con guiones de Peter Hogan y lápices del propio Sprouse.

De todas las creaciones de Alan Moore para línea ABC, Tom Strong probablemente sea la más “exportable”, y es que si resulta difícil imaginar a Promethea por ejemplo, en manos distintas a las del barbudo de Northampton no lo es tanto con Tom Strong aunque solo sea por el hecho de que manos tan capaces como las de de Ed Brubaker, Brian K. Vaughan o el mismo Peter Hogan así lo ha demostrado. Concebido como un personaje arquetipico que va a las raíces pulp de los superheroes, Tom Strong es capaz de funcionar en multitud de contextos e historias de toda índole y más si lo dibuja su creador gráfico un excelente Chris Sprouse del que cuesta entender que no sea ya una superestrella allende los mares y más cuando su principal defecto, un cierto estatismo en la composición de página va siendo subsanado a marchas forzadas.

Como decía antes, Peter Hogan, habitual colaborador de Moore ya había demostrado su buen hacer en obras tan interesantes como Terra Obscura donde partiendo de conceptos del guionista de V de Vendetta había creado una aventura digna de la mejor JSA. En esta miniserie apoyado por un Sprouse magnifico Hogan nos muestra el inmenso potencial que atesora el personaje y el mundo concebido por Moore, una aventura desenfadada no exenta sin embargo de tragedia que busca recuperar ese sentido de la maravilla tantas veces perdido en los últimos tiempos en los cómics de superhéroes ante la gravedad impostada con la que muchos parecen creerse más adultos.

Científicos locos, nazis, robots gigantes y de inmenso poder destructivo, el destino de la Tierra en juego, viajes en el tiempo, paradojas temporales o el miedo a lo desconocido son alguno de los elementos que podemos encontrar en Tom Strong y los robots de la muerte. Una miniserie que se lee en un suspiro y que deja una sonrisa al acabar, sabiendo que se ha disfrutado de una aventura bien escrita y mejor dibujada que revindica sin complejos la fantasía sin freno como motor que hace funcionar a los cómics de superhéroes. Y es que los clásicos siempre terminan funcionado y no hay nada como un mundo conquistado por los nazis para que el superhéroe de turno saque lo mejor de si mismo.

Resulta curioso observar como en los últimos tiempos son varios los cómics que revindican esta especie de vuelta a las esencias, que trata de recuperar el sentido de la maravilla y la aventura por la aventura, que buscan dejar atrás el cinismo y la visión posmoderna de los superhéroes heredada de obras como Authority y que ha campado a sus anchas en lo que va de siglo en cómics como Crisis de Identidad o Civil War. Aunque es cierto que esta visión parece seguir predominando aún en el genero, obras como All Star Superman, el Batman de Morrison, los 4F de Hickman o esta miniserie de Tom Strong revindican otra forma de hacer cómics de superhéroes, otra forma no solo perfectamente valida si no deseable ya que a base de buscar dobleces en los héroes lo que se esta consiguiendo es que estos dejen de ser tales.

En fin que me ha gustado mucho este cómic y que realmente este es el tipo de tebeos de superhéroes que me gustaría fueran el canon a seguir, obras como Authority, Ultimates o incluso Crisis de Identidad están bien para sacudir de vez en cuando el asunto pero convertirlas en la referencia a la hora de estructurar el género puede llevar a este a una desnaturalización que le haga entrar en un callejón sin salida.

Releyendo a Morrison: Los Invisibles.

2011-09-19T08:05:00.012+02:00

Uno de los mayores placeres de acercarse a un autor tan especial como Grant Morrison es la relectura, su obra llena de referencias y concebida en no pocas ocasiones en forma de puzzle es una de las que más aporta al lector que se acerca por segunda (o tercera o....) a la misma, y como no podía ser de otra manera este es el caso de su trabajo más personal hasta el momento: Los Invisibles.

Observando la trayectoria de Grant Morrison como guionista no deja de resultar curioso el que la mayoría de sus grandes obras son aquellas que se han configurado en torno a personajes y mundos ajenos, JLA, Batman, Animal Man, X-Men, Doom Patrol....Pareciera que el escoces es un autor capaz de ir a la esencia de alguno de los principales iconos de la industria, para desde allí dar su visión personal y llevarlos más lejos de lo que casi nunca hayan estado, sin embargo sus obras más personales, con su propio mundo y sus propios personajes son harina de otra costal.

Se ha comparado varias veces a Morrison con Jack Kirby, comparación que desde luego no se nos antoja gratuita, y es que dejando aparte que el de Glasgow ha sido el autor que mejor ha trabajado con los personajes y conceptos creados por el Rey, resulta interesante comprobar que Kirby produjo sus trabajos más unánimemente reconocidos cuando estuvo “atado” (por decirlo de algún modo) por Stan Lee que supo reconducir su desbordante imaginación por caminos menos complejos, por su parte Morrison ha realizado lo mejor de su producción “atado” a conceptos y personajes preexistentes a los que ha sabido volver en gran medida suyos. Así, si Kirby creo en solitario el fastuoso, desbordante y casi inmanejable Cuarto Mundo, Morrison hizo lo propio con Los Invisibles, a los que estos calificativos también le vendrían de perlas.

Decíamos antes que Los Invisibles es la obra más personal de Morrison, y esto lejos de ser una opinión es una realidad confirmada por el mismísimo autor. Extraordinariamente ambiciosa, esta obra muestra a las claras el mundo del autor de All Star Superman como casi ninguna otra lo había hecho antes. Planificada al milímetro y partiendo de una base tan conocida como multireferenciada en la ficción contemporánea (nuestra realidad no es como creemos que es, hay dos fuerzas en colisión de cuyo conflicto depende el destino de la humanidad: la libertad absoluta contra el control absoluto), Los Invisibles es con todo una obra fallida, y lo es por muchos aspectos, no todos responsabilidad del autor.

Aunque enmarcada dentro del sello Vertigo, antaño quintaesencia del cómic adulto dentro del mainstream, lo cierto es que guste o no Vertigo pertenece a DC y DC lo que busca (o buscaba en esos momentos al menos) es vender cómics, Morrison podía estructurar su trabajo en tres volúmenes de 25 números destinados a finalizar en Diciembre de 1999, pero si el primero de ellos no obtenía los resultados esperados desde punto de vista comercial la cosa estaba cruda. Así pese a la gran calidad que atesora el primer volumen (con diferencia el mejor de los tres), ante las bajas ventas de la colección, el autor de Arkhan Asylum se vio pronto obligado a cambiar sus planes, el segundo volumen tendría mucha más acción y sería más reducido, mientras que el tercero contaría con apenas 12 números, acabaría bien entrado el 2000 y sería bastante más criptico de lo aconsejable. A esto se añadió (y aquí cabría distribuir las responsabilidades entre el guionista y la editorial) que la multitud de dibujantes con los que contó la colección rara vez estuvo a la altura de lo planteado en los guiones de Morrison (que por su parte nunca pareció tener en cuenta quien iba a dibujar el cómic del mes), unos por falta de calidad y todos en general por un planteamiento visual excesivamente convencional para lo que necesitaba una obra que era todo menos eso.

Pero también el propio Morrison tuvo responsabilidad en que Los Invisibles estuviera lejos de de los resultado que él mismo ambicionaba, primero claro, por lo desmedido de esas ambiciones, nada más y nada menos que cambiar la percepción de la realidad de sus lectores y en segundo lugar por que ante el giro que se vio obligado a dar tras el fin del primer volumen, nunca consiguió recuperar el control de una obra que apuntaba a maestra tras los primeros 25 números. Consciente de la falta de espacio, Morrison en lugar de avanzar pareció en no pocas ocasiones entretenerse en ideas secundarias que no aportaban nada al conjunto, y de nuevo como le paso a Kirby en el Cuarto Mundo, desechaba ideas y conceptos que probablemente merecían más desarrollo.

Con todo y aunque a muchos niveles Los Invisibles es como decíamos fallida, no deja de ser todo un ejemplo a seguir, un autor ambicioso, que cree firmemente en lo que hace y que trata de romper las barreras del convencionalismo, nunca ha de ser menospreciado, Los Invisibles no es con toda probabilidad el mejor cómic de Morrison, pero su valentía y sus intenciones si merecen ese aura especial que rodea a un cómic de culto que además aporta nuevos matices en cada relectura. Solo por eso Los Invisibles ya ha pasado a la historia de los cómics, y lo único que cabe preguntarse es que podría haber conseguido el autor sin cortapisas editoriales y con un dibujante adecuado, seguro que estaríamos ante una de las obras cumbre del medio, ya que aún con todo en contra estuvo muy cerca de serlo.

Cosas Veredes: Conan, La Noche del Murciélago, vacaciones y entrada 700.

2011-08-31T08:05:00.022+02:00

Nuevo post recopilatorio-batiburrillo hoy de varias cosillas que me han interesado en los últimos tiempos, esto se esta volviendo ya una costumbre.

Conan el Bárbaro (2011): He de decir que me ha gustado bastante la película de Marcus Nispel, creo que la fuerza de su puesta en escena, la ambición por intentar hacer algo interesante y la garra que desprende la película hacen que esta merezca bastante la pena. Cierto es que el guión es endeble, lleno de agujeros y no pasa de aventurilla ligera, cierto también que la banda sonora, aún siendo buena, esta a años luz de la de Poledouris, supongo que nadie podría esperar otra cosa. Sin embargo pienso que el trabajo de dirección da a la película una fuerza, una épica de la que en otras manos probablemente carecería (como digo no creo que el guión invite demasiado a ir muy lejos). No se, personalmente veo más energía, ambición y personalidad en esta película que en cualquiera de las realizadas por Marvel Studios. Por eso me ha sorprendido bastante el hostil recibimiento que ha tenido una película de la que personalmente no esperaba nada y que por el contrario me ha sorprendido gratamente.

La Noche del Murciélago: Anda Santiago García recuperando este antiguo trabajo suyo (firmado con el pseudónimo de Trajano Bermúdez) en su blog, yo personalmente como fan del personaje estaba bastante interesado en leerlo, la suerte es que Int lo tenía y me lo pudo dejar para así no tener que esperar a que este recuperado al completo en el blog. El libro esta bastante bien, me parece mucho mejor estructurado y ameno que el de un primerizo David Hernando (El Resto es Silencio de Dolmen) que es el otro trabajo teórico que he leído sobre el personaje. García mezcla con habilidad información y opinión y aunque no me cuenta nada que no supiera ya si consigue resultar interesante y que el libro se lea con agilidad. Me parece quizá un poco condesciende con la figura de Bob Kane (o tal vez sea que Hernando fue más duro) y me llama la atención como ni uno otro pueden ver un trabajo para mi tan interesante como es La Broma Asesina (claro que al propio Moore tampoco le gusta demasiado), en el caso de García también reniega además de Arkham Asylum tanto de la labor de Morrison como de la de Mckean, de nuevo no estoy de acuerdo ya que lo considero un trabajo la mar de estimulante, pero bueno son gustos, en todo caso el disgusto para con el trabajo de Moore y Bollard esta bastante argumentado, cosa que no pasa con el de Morrison y Mckean. Del libro me interesó especialmente su glosario de personajes, que no es la típica ficha de orígenes, primera aparición y tal, si no que habla un poco de la evolución de los personajes, sus diferentes caracterizaciones en diversos medios y su opinión sobre los mismos. También merece mucho la pena su peculiar selección de cómics de los que hay algunos que aún no he leído, y es que añade varias sorpresas a aquellos que conocemos todos (Año Uno, Englehart y Rogers, O`Neil/Adams, DK, etc). En todo caso un libro bastante recomendable para los seguidores del personaje.

Entrada 700…y vacaciones: Bueno pues con esta son ya 700 entradas desde que abrí el blog en Mayo de 2006, no es una cifra espectacular pero no esta nada mal, y más teniendo en cuenta que lo tuve casi un año parado mientras que recopilaba todo lo de Daredevil en Historia de un hombre sin Miedo. Bueno que aprovecho esta conmemoración para anunciar que ya que pillo vacaciones en el curro voy a tomarlas también del blog durante las dos primeras semanas de Septiembre, que desde que regrese en Mayo no he parado y quiero descansar un poco, así que nada, nos leemos el 19 de Septiembre.

El Capitán América de Steve Englehart y Sal Buscema.

2011-08-29T08:05:00.022+02:00

Si hay un personaje de ficción, al que tradicionalmente se le ha buscado un sentido político y se le ha tratado de convertir en símbolo de la acciones del gobierno de turno de su país, este es el Capitán América.

Cierto es que la iconografía asociada al personaje parece prestarse a ello, pero no es menos cierto que esos prejuicios parten de elementos bastante endebles, primero de un profundo desconocimiento de la relación de los americanos con sus símbolos, segundo y mucho más relevante en el caso que nos ocupa, de un profundo desconocimiento de los cómics del personaje en cuestión. Desde que Stan Lee y Jack Kirby recuperaran al personaje (que el propio Kirby y Joe Simon crearan décadas atrás) en las páginas del ya mítico The Avengers 4, los cómics protagonizados por el Capitán América distaban mucho de ser el panfleto propagandístico que sus detractores señalaban. Así, las primeras historias vividas por el personaje en los años 60, eran ante todo aventuras desenfadadas que mezclaban elementos más puramente superhéroicos, con otros salidos de la ciencia ficción o el espionaje, todo ello aderezado con el día a día de un hombre fuera de su tiempo que no sabía bien que camino seguir, “superhéroes con superproblemas” también para el héroe abanderado.

Sin embargo negar la dimensión política del personaje sería negar la realidad, aunque bien es cierto que para que esta terminara de estallar en su plenitud habría que esperar a los 70, a un América muy distinta, una América que enfrascada en el desastre vietnamita, la contestación social y las crisis políticas, una América que había dejado de creer en el sueño bajo el que supuestamente se fundo. En eso contexto y de la mano de Steve Englehart, uno de los guionistas más importantes e inspirados de los 70, sería cuando el Capitán América adquiriría una vertiente política hasta entonces apenas si mostrada. Acompañado por un brillante Sal Buscema que realizó aquí uno de los trabajos más impactantes de su brillante carrera, Englehart nos mostró un Capitán América que intentaba ser el símbolo de una idea, de un sueño que su país debía representar pero que por desgracia no parecía hacerlo, lejos de mostrarnos un héroe seguidista de su gobierno, el Capitán América de Englehart era un personaje hijo del New Deal, que creía en la justicia social y que estaba en las antípodas de ese héroe ultraderechista que muchos parecían imaginar.

La larga colaboración entre Englehart y Buscema cuenta con tres pilares fundamentales, La Saga del Capitán América de los 50, La Saga del Imperio Secreto y La Saga de Nómada. En la primera el Capi se enfrentaría a su reverso oscuro, un Capitán América enloquecidamente anticomunista, que reflejaba, este si, todo lo que se le presuponía al personaje, la lucha, más interesante desde el punto de vista ideológico que físico, además de dar explicación sobre quien llevo el escudo en los años 50, sirve para mostrar quien es el verdadero Capitán América y que es lo que defiende en realidad. La segunda saga, la del Imperio Secreto es probablemente la más celebrada de toda la etapa, una misteriosa organización secreta que conspira para instaurar una dictadura en los EEUU y cuya resolución con ecos del Watergate marca un antes y un después en el personaje, reflejando el descontento del pueblo americano con su clase política durante aquellos años. Finaliza esta suerte de trilogía con La Saga de Nómada, consecuencia del anterior y que nos muestra un personaje que se siente incapaz de llevar el peso de una bandera sobre sus hombros, en un recorrido por el país intentado encontrar aquello que cree que este siempre fue, pero ante todo intentando encontrarse a si mismo.

Con todo esto uno comprende a la perfección como esta etapa, quintaesencial en la historia del personaje sigue siendo, si no la mejor (que en opinión del que esto escribe, si lo es) si al menos la más influyente en la historia de un personaje magnifico, que esta mucho más allá de los prejuicios que algunos tiene sobre el mismo.

Revisitando Lost un año después.

2011-08-26T08:05:00.006+02:00

Llevo todo el año volviendo a ver Lost, desde Febrero más o menos a ritmo de una temporada al mes, sin prisa, con calma, viendo de paso todos los extras de los DVDs y acompañando todo de lecturas varias, ahora que ya he acabado, me apetece hacer un balance general de lo que ha sido esta revisión.

Antes de nada, creo que conviene señalar que el tan polémico final de Lost, a mi me gusto, y mucho además, me pareció ya en su momento que tenía momentos realmente épicos (con la lucha final entre Jack y Locke, que aunque no fuera Locke, dice tanto de la serie, aunque curiosamente con los papeles invertidos), y que daba un final más que digno a los personajes, que no hay que olvidar fueron siempre el motor principal de la serie por encima de otras consideraciones. Por otra parte me parece que al final se dan suficientes respuestas explicitas e implícitas como para que los principales misterios de la serie queden en general respondidos, otra cosa es que esas repuestas puedan gustar o no, pero las respuestas están. Es obvio que si quiere reducir al absurdo el chascarrillo de “fue un mago” puede funcionar, pero si se quiere casi toda ficción se puede reducir al absurdo si no se aceptan las reglas del juego bajo las que se rige esa ficción y Lost claro, no es ajeno a ello.

Dicho todo esto hay varias cosas de esta revisión que me han llamado la atención, en primer lugar cabria señalar como es evidente que la serie no estaba planeada ni de lejos desde la primera temporada, es más nunca se dijo eso, ahí están las diversas entrevistas que acompañan los extras de la primera y segunda temporada para corroborarlo (entrevistas más o menos contemporáneas a las temporadas). Todo esto trae consigo que Lost en su conjunto no pueda encajar a la perfección como si de un puzzle se tratara, hay cosas que chirrían y agujeros en la trama, es inevitable. Sin embargo y con todo, resulta bastante notable como al final la mayoría de las piezas si encajan, a veces forzadas, pero encajan, lo que muestra a las claras el interés de los guionistas por intentar construir un mundo coherente cosa que creo, en gran medida consiguen.

Teniendo todo esto en cuenta, merece la pena resaltar como Lost fue una de las pocas series a las que la huelga de guionistas de la temporada 2007/2008 le vino bien, y es que si de algo pecan las tres primeras temporadas (sobre todo las dos primeras) es de una morosidad narrativa a veces rayana con la tomadura de pelo, 22 episodios para contar lo que se allí se contó (recalco, en las dos primeras temporadas), se antojan como excesivos por mucho que se quiere caracterizar y dar trasfondo a los personajes. La huelga de guionistas que pillo a la serie en la cuarta temporada permitió dos cosas, una que esta temporada se viera reducida a solo 14 episodios, yendo mucho más al grano y demostrando que no se necesitaban tantos episodios para que la serie siguiese siendo buena. Lo segundo que permitió la huelga fue que la serie se “centrarse”, a partir de entonces se supo que Lost tendría dos temporadas más (para hacer 6) y que estas serían “cortas” de 16 episodios cada una, a partir de ese momento la serie voló libre y con un final claro en mente todo empezó a encajar.

Decía más arriba que la serie tiene incoherencias, decía también que son inevitables, sin embargo se puede observar como el tema central de la serie esta presente desde la primera temporada: razón contra fe, el hombre de ciencia contra el hombre de fe, Jack contra Locke, o si se prefiere la ficha negra contra la ficha blanca. Pienso que gran parte de la decepción de muchos de los seguidores de la serie para con su final se debe a que la esta, en un gesto para mi de valentía y honradez por parte de los creadores, termina apostando claramente por uno de los dos bandos. Lejos de la ambigüedad con la que con tanta habilidad jugaron los guionistas durante muchos años, la sexta temporada de Lost se torna en una apuesta decidida por una respuesta clara mostrando quien tenía la razón entre Jack y Locke, incluso a otro nivel entre Jacob y el Hombre de Negro. Esta apuesta tan clara, no es personalmente la que a mi más me hubiera gustado, y no es desde luego la única que los guionistas podían elegir, pero creo que pese a todo, no se puede negar que es enormemente coherente con todo lo narrado y que encaja sin apenas fisuras con lo que es la esencia de la serie.

En fin esta revisitación no ha hecho más que reafirme en las ideas que ya tenía cuando vi la serie por primera vez, si acaso me ha permitido tener una visión más global de todo y me ha ayudado aún más a comprender el fenómeno que fue Lost en su momento, y es que sin ser nunca un éxito de audiencia (no tenía malas cifras pero estaba lejos de las serie más vistas), Lost siempre fue una serie especial que buscaba la complicidad del espectador, no era una serie para pasar el rato sin más, por eso movió lo que movió en la red y por eso el que tenga un final “maldito” (por tremendamente polémico) creo que más que perjudicarla lo beneficiará, incrementando su “leyenda” con el paso de los años, aunque eso claro solo el tiempo lo dirá.

Astonishing Spiderman & Lobezno: Recuperando el sentido de la maravilla.

2011-08-24T08:05:00.001+02:00

Etiquetado como producto de lujo y protagonizado por los dos personajes más importantes de la Marvel actual (con permiso de la triada vengadora), Astonishing Spiderman y Lobezno parecía el típico producto prefabricado en busca del éxito coyuntural e intrascendente, por suerte a veces la vida te da sorpresas.

Astonishing X-Men de Joss Whedon y John Cassaday supuso uno de los mayores éxitos comerciales de los últimos años, aunque su prolongación de la mano de Warren Ellis y varios dibujantes no ha resultado tan exitosa, solo era cuestión de tiempo que la formula se exportará, y más en una industria tan deseosa de éxitos como incapaz de frenar la sangría de ventas. ¿Y cual es esa formula?, pues muy sencillo, juntar a un guionista de prestigio con un dibujantes de prestigio para tratar con los principales personajes de la casa en historias que, aunque en continuidad, van un poco a su bola. La formula (que ya se ha roto, ver a un guionista tan mediocre como Daniel Way en Astonishing X-Men es como poco anticliático) ha traído cosas como el Astonishing Thor de Robert Rodi y Mike Choi (ninguno una superestrella precisamente, la formula ha estallado de manera clara) o este Astonishing Spiderman y Lobezno que hoy nos ocupa.

La idea de juntar a los dos personajes más populares de Marvel no es original, claro, y esta en cierta medida influenciada por los Team-Ups entre Superman y Batman de la Distinguida Competencia, en contraste con estos, lo cierto es que ni Spiderman ni Lobezno son iconos (en el sentido de que, al contrario que los personajes DC, los marvelitas son muchos más mundanos y menos “dioses que caminan en la Tierra”) ni tienen tanta tradición colaborativa, pese a que hay ejemplos bastante importantes de cómics entre ambos personajes, ni son tan numerosos, ni han tenido tanta trascendencia como los del murciélago y la gran S. Así las cosas más que ningún otro, este Astonishing Spiderman y Lobezno olía claramente a producto prefabricado, de escasa trascendencia y menos interés....hasta que se anunció que Jason Aaron sería el guionista del mismo.

Aaron es sin duda el guionista más interesante que ha surgido en los últimos años del cómic comercial USA, su poderosa Scal ped para el sello Vertigo le abrió de par en par las puertas de la antigua Casa de las Ideas (de las ideas de los demás, claro) donde su estilo directo y seco le ha permitido trabajar con alguno de los personajes más extremos de la casa: Ghost Rider, Punisher o Lobezno. Para esta obra quedaba la duda de como sabría tratar a Spiderman, un personaje mucho más “amable”, un superhéroe de tomo y lomo en el pleno sentido de la palabra, pronto las dudas quedaría despejadas, pero no adelantemos acontecimientos,

La pareja de baile del guionista sería Adam Kubert, recién llegado de su casi inexistente paso por la DC, el mejor de los hermanos Kubert, un narrador mucho más solvente, y no por ello menos espectacular que su, tal vez más famoso hermano Andy, asegura la espectacularidad y la solvencia gráfica en uno de esos proyectos de prestigio a los que Adam, incapaz de afrontar una serie regular, parece abonado.

Hace tiempo que, salvo excepciones, el cómic de superhéroes ha perdido su sentido lúdico y de entretenimiento en busca de una gravedad impostada que muestra una clara indefinición sobre el target al que estos cómics van dirigidos. Astonishing Spiderman y Lobezno es ante todo una recuperación buscada y deseada de los cómics de superhéroes concebidos como entretenimiento puro en el que la aventura, el sentido de la maravillas, las situaciones limites y los villanos malvados y estranbóticos están a la orden del día. Con Spiderman y Lobezno atrapados en el tiempo, sin saber ni como ni porqué (ni lo que es más importante, por quien), Aaron plantea un relato desenfrenado de acción y emociones fuertes, donde la peculiar relación entre dos personajes tan opuestos y la búsqueda de respuestas ante lo desquiciante de su situación serán el eje sobre el que gire la miniserie.

Con un Kubert pletórico, que no duda en plagar la página de viñetas cuando la cosa así lo requiere sin por ello renunciar a las tan socorridas como impactantes splash-page, Aaron plantea una historia densa que se aleja de la morosidad narrativa actual, con conceptos brillantes (la bala Fenix, el bate del tiempo o Muerte, el Planeta Viviente) y con un villano no tan en la sombra, que resulta totalmente coherente con el tono y el tipo de historia que se esta contando. El cómic además plantea repercusiones para el futuro, tanto del trepamuros (si es que algún guionista arácnido recoge el guante), como de Lobezno, guionizado por el propio Aaron, estamos pues ante una obra relevante, que busca tener un impacto en sus personajes, y que no se trata simplemente de una historia más que olvidar nada más leida.

La miniserie de seis números, recopilada aquí por Panini en un correcto, pero sobrepreciado tomo de la línea Marvel Graphic Novels, recupera además el espíritu inicial de este tipo de productos. Antes de su sobreabundancia, las miniseries contaban historias importantes para sus personajes con autores de calidad que trataban de aportar algo al lector más que mero completísimo. Relevante y enormemente entretenida, Astonishing Spiderman y Lobezno confirma a Jason Aaron como un guionista a seguir y un autor sobre cuyos hombros se puede edificar el relanzamiento de la casi destruida franquicia mutante, veremos que le depara el futuro, pero de momento su presente es brillante.

Capitán América: el primer vengador, más de lo mismo, pero ahora con encanto retro.

2011-08-22T08:05:00.018+02:00

Quinta y última película marvelita antes de que se haga realidad ese megaproyecto cinematográfico que es Los Vengadores, en espera de que esta sea tan buena como todos deseamos (in Whedon we trust), uno no puede dejar de preguntarse si el sacrifico por hacer historia en el cine ha sido demasiado alto.

Que Iron Man fuera un éxito tuvo mucho que ver con el carisma de Robert Downey Jr. y con que la película, sin ser brillante en ninguno de sus aspectos, si era lo suficientemente buena como para ser una referencia desde la que crecer. Sin embargo la primera parte del Hombre de Hierro fílmico, que debió ser solo un punto de partida, sirvió de molde para la fabricación en serie de productos cinematográficos de escasa personalidad con el único objetivo de trasladar la idea de universo compartido al cine, un intento que tiene algo de revolucionario, si, pero que ha traído consigo películas que podían ser mucho más grandes de lo que han resultado ser, y en las que el único sello de autoria apenas detectable llega de la mano de Marvel Studios y no de los distintos directores.

Esencialmente el Capitán América no es una mala película, ni mucho menos, capta la esencia del personaje tan bien como sus antecesoras, su aire retro y clara apuesta por la aventura al más puro estilo de Indiana Jones hacen que la película se vea con agrado y sus dos horas de metraje sean por lo general tan disfrutables, como por desgracia olvidables. Sin ningún tipo de ambición, la película, carente de toda épica se dedica a pasearse por los lugares comunes al origen de un héroe que en ningún momento consigue alcanzar el grado de simbolismo que se le supone su partenaire comiquero. Como elemento más relevante y autorreferencial cabría si acaso destacar ese Capitán América vestido con el traje de los cómics y vendiendo bono de guerra, uno de los momentos más divertidos y hasta simbólicos de una película que parece tener miedo de crecer.

De tan correcta la película es por lo general sosa, no hay nada en especial de lo que quejarse, todos los actores están cumplidores, tanto Chris Evans como Hugo Weaving hacen lo que se espera de ellos, por su parte Tommy Lee Jones esta sobriamente contenido en su papel, mientras que Hayley Atwell esta muy bien en su rol de interés romántico del protagonista, pero con personalidad propia, muy lejos de la mujer florero que interpretara Gwyneth Paltrow en Iron Man. Por otro lado claro, tampoco hay ninguna escena especialmente memorable, nada que se te quede grabado a fuego en la retina e incluso momentos que se suponen cumbres como la lucha final entre le héroe abanderado y el villano apenas si tienen fuerza., otros como la despedida del héroe y su amada carecen por completo de dramatismo.

Con todo y como esta claro que de esto van estas películas, es reseñable destacar como la integración en la misma de los elementos propios del megaproyecto que se esta construyendo se hace con suavidad e inteligencia: esa exposición universal de la que ya se hablo en Iron Man 2, la presencia de Howard Stark o la importancia de la mitología nórdica son simplemente algunos de los elementos que completan el puzzle que lleva hacia Los Vengadores, y que permite enlazar a triada clásica (Iron Man, Thor y el propio Capitán América) de Los Héroes Más Poderosos de la Tierra.

En fin que como dice Int, al final la influencia del Caballero Oscuro en el genero superheroico ha sido más bien nula, esta claro que no todo el mundo es Nolan, pero parece que hay demasiados que ni siquiera intentan hacer algo grande con personaje con tanto o más potencial que Batman.

Veronica Mars, noir y adolescentes para una serie de culto.

2011-08-19T08:05:00.027+02:00

Con tres temporadas en su haber y uno de los finales más abruptos que un servidor ha visto en la televisión, Veronica Mars se ha ganado a pulso el cartelito de “serie de culto” con final maldito que ha hecho engrandecer su recuerdo.

He de reconocer que la primera vez que me acerque a Veronica Mars fue por Buffy Cazavampiros, hemos de recordar que la idea tras Buffy surgió de un concepto muy sencillo “¿y si la preciosa rubita que siempre es atacado por el monstruo/asesino/vampiro/lo que sea, de repente se da la vuelta y le patea el culo?”. Esta idea estaba también en gran medida en Veronica Mars, interpretada por una preciosa Kirsten Bell, Veronica es una superdotada estudiante que forzada por las circunstancias se torna en una especie de dura y cínica detective privada que intenta sobrevivir en la jungla en la que se ha transformado su instituto. A esto se añadió claro que Joss Whedon pusiera por las nubes tanto al creador, Rob Thomas, como a las serie misma, además la ambientación en un instituto de secundaria, y la personalidad de Veronica recordaban bastante a la obra maestra de Whedon, así Veronica parecía ser una suerte de Buffy a la que se le cambiaba el elemento fantástico por el noir.

Ambientada en la ficticia Neptune (California), la primera temporada de Veronica Mars tiene ecos de Twin Peaks siendo su mcguffin la misteriosa muerte de Lilly Kane, hija de una de las más poderosas familias de la ciudad y mejor amiga de Veronica. Si en la mítica serie de Lynch y Frost el “quien mato a Laura Palmer” fue uno de los elementos de atracción, en Veronica Mars lo será “quien mato a Lilly Kane”, telón de fondo que nos muestre una ciudad que bajo su fachada de perfección oculta un mundo de corrupción, injusticias sociales, envidias y crímenes.

Veronica, repudiada de la “clase alta” de Neptune, porque su padre antiguo sheriff de la ciudad fue incapaz de resolver la muerte de Lilly, consigue defenderse de la abierta hostilidad hacia ella gracias a su mascara de cinismo y su gran inteligencia, elementos con los que trata de ocultar el dolor por la muerte de su amiga a la par que intenta averiguar que paso realmente. Con una estructura formularia (en casi cada capitulo hay un “caso” que Veronica ha de resolver), pero que poco a poco avanza en la trama central y nos muestra la verdadera cara de Neptune, la primera temporada de Veronica Mars es un ejemplo de tensión contenida hasta su explosivo y brillante final, que muestran que la serie merecía con creces todos los parabienes de Whedon.

El problema estribaba en saber como iba a seguir la serie, con una primera temporada tan buena y además autoconclusiva, sorprendentemente lo conseguiría con éxito en una segunda y tercera temporada que no tiene nada que envidiar a la primera y donde se profundiza especialmente en los magníficos secundarios de la serie, en especial en Logan Echolls interpretado por Jason Dohring, personaje que demostrara tener detrás suyo mucho más de lo que apuntaba en la primera temporada. De nuevo tanto en una como en otra temporada, había un misterio central (en la tercera tres en realidad) que Veronica había de desentrañar, mientras que se profundizaba en la complejas relaciones entre Veronica y su padre (un gran Enrico Colatoni) así como en Neptune y sus oscuros secretos.

La serie, pese a la excelentes críticas nunca termino de despegar en audiencia, con un publico fiel pero muy escaso, su cancelación en la tercera temporada fue una autentica bomba de relojería para sus seguidores, el que finalmente sería último episodio de la serie, tan trágico como evocador dejo multitud de preguntas sin respuesta en espera de poder concluir la serie en lo que se presumía una cuarta y última temporada. Sin embargo esta nunca llegaría, se intento cambiar el enfoque avanzando unos años en el futuro y mostrando a Veronica como agente recién ingresada en el FBI, de hecho se hizo un corto que plasma la idea en torno a la que iba a girar la serie, ni por esas.

Cancelada antes de tiempo, con un final maldito, alabado por gran parte de la critica, desconocida por la mayoría del gran público, pero con unos seguidores muy fieles y activos, Veronica Mars es el prototipo de serie de culto que mereció mejor suerte de la que finalmente tuvo, pero que en todo caso será recordada por su gran calidad.

DC mis etapas preferidas II.

2011-08-17T08:05:00.051+02:00

Segundo y último post dedicado repasar alguna de las etapas que más me han gustado de DC, en este caso centrado en la JLA y en Flash las otras dos grandes colecciones de las que he leído lo suficiente como para poder tener una visión más global, porque claro, cosas como la Wonder Woman de Pérez o la JSA de Johns están muy bien, pero apenas si he leído más etapas de esas colecciones como para poder tener una visión de conjunto.

JLA: Habiendo leído la inmensa mayoría del material post-Crisis y algo, aunque poco del material pre-Crisis, la JLA es, después de Batman la colección DC de la que he leído más cómics. Con todo, y aunque hay otras etapas llamativas, como el inicio de la de Mark Waid con Bryan Hitch o algunas ideas de Joe Kelly sobre todo con Doug Mahnke, me quedo claramente con dos etapas absolutamente contrapuestas.

Por un lado la JLA de Grant Morrison, uno de los cómics más influyentes en su momento, ya que su concepto llevado al extremo traería The Autorithy sin duda la serie clave en el género superheroico de comienzos del siglo XXI. La JLA de Morrison es ante todo la quintaesencia de lo que se supone que ha de ser la JLA: los mejores superhéroes de la Tierra salvando el Universo de amenazas cada vez más gigantescas, bajo este prisma resulta curioso como Morrison capaz de hacer cómic de autor en series como Batman o X-Men, en la JLA decidió ir a las raíces del grupo más poderoso del Universo DC y narrara historias icónicas con los personajes tal vez más icónicos del género. Siendo Morrison como es, la cosa pese a no ser tan sorprendente, ni tan estimulante como otras de sus obras mainstream si supuso un autentico impacto en su momento rescatando al grupo de la mediocridad absoluta en la que llevaba demasiado tiempo metido. El problema tal vez estribe en que Morrison no tuvo demasiado apoyo en el dibujo, con un mediocre Howard Potter a los lápices.

La otra gran etapa del grupo es sin duda la de Giffen y DeMatties (y un sin fin de dibujantes donde destacan Kevin Maguire o Bart Sears), que no pudiendo contar con los primeros espadas de la casa, crearon una etapa mítica marcada por el humor y el sentido de la maravilla y que a su manera llevaron tan lejos a los superhéroes como Watchmen y DK. Si aquellas aportaron gravedad y adultez al género, la JLA/JLE/JLI mostró cuan lejos podía llegar este en un sentido totalmente opuesto sin llegar a caer en la parodia. Acusados en su momento de traicionar el espíritu de la JLA y de reírse del grupo más importante de DC, el tiempo ha puesto las cosas en su sitio y hoy esta etapa es una de las más recordadas y revindicadas ya no solo de la JLA o de DC, si no de todo el género. Desenfadada, extremadamente divertida, culebronesca hasta la adicción y con personajes tan entrañables como perdedores sin llegar a caer nunca en el patetismo, la JLA de Giffen y DeMatties es sin duda uno de los cómics más interesantes que han dado los superhéroes.

Así las cosas si tuviera que escoger entre estas etapas, sin duda me quedaría con la de Giffen y DeMatties, y es que aún siendo la de Morrison magnifica, y mucho más representativa de lo que se supone es la JLA, pocas veces he disfrutado tanto leyendo un cómic como con la JLA/JLE/JLI.

Flash: Siendo claros mi Flash es el hoy casi despreciado Wally West, un personaje que creció a la sombra del mítico Barry Allen (que sacrifico su vida para salvar el universo, ¡supera eso!), para ganarse poco a poco el derecho a ser considerado el autentico Flash, llegando a superar a su mentor y personificando como nadie el tan traído y llevado concepto de legado en el Universo DC. Por eso me ha resultado tan molesto que más de 20 años después de su muerte, (una muerte gloriosa, repito), se haya traído de nuevo a Barry Allen y se le muestre como el autentico Flash, del que nace la fuerza de la velocidad mientras que se ningunea a Wally.

En fin entrando en el tema, en Flash al igual que en la JLA hay también dos etapas míticas que se sitúan claramente por encima del resto, la primera es el Flash de Waid, acompañado de muchos dibujantes (varios españoles como Carlos Pacheco, Oscar Jiménez o Salvador Larroca) a lo largo de casi 100 números, Waid asentó a Wally como Flash, amplio la compresión de sus poderes e hizo crecer tanto al personaje, que dejo atrás su eterna inmadurez, como a su entorno más cercano.

La otra gran etapa es la de Geoff Johns, sobre todo con Scott Kolins como pareja de baile, su etapa, también larga (más de 60 números), se centro en dos frentes, por un lado la ciudad, Keystone City que se convirtió en un personaje más de la serie y a la que doto de una clara personalidad marcada por su carácter obrero como motor industrial de los USA. Por otro lado estaban los villanos de Flash, a los que doto de una fuerza y respetabilidad que hasta entonces apenas si habían tenido, creando de paso uno de los villanos más terribles y trágicos de los últimos años: el nuevo Zoom, cuya puesta en escena en el mítico número 200 de la serie regular.

De nuevo si tuviera que elegir entre estas dos magnificas etapas, me quedaría con la de Johns, y es que si bien es cierto que su trabajo no podría existir sin la labor de Waid, su desarrollo del personaje, poderes y entorno, el trabajo de Johns, en la que a día de hoy me sigue pareciendo su mejor obra con diferencia, tiene mucha más fuerza y épica, algo a lo que nos tiene poco acostumbrados el de Detroit, pero que aquí demuestra que sabe como hacerlo.

Ex-Machina, llego el final.

2011-08-15T08:05:00.023+02:00

Tras diez tomos (y con un bonito cofre de regalo) llega al final en España la recopilación de los 50 números USA que formaron una de la colecciones que más interés despertó en su nacimiento: Ex-Machina de Brian K. Vaughan y Tony Harris.

Cuando a mediados del 2004 salio a la venta el número uno de Ex-Machina parecía que estábamos ante una obra realmente especial, su guionista, Brian K. Vaughan estaba en la cresta de la ola por trabajos como Y, The last Man o Runawys, parecía uno de los guionistas del momento, una autentica estrella en alza destinada a ser una de las figuras claves del cómic norteamericano. El dibujante Tony Harris había perfeccionado su estilo desde la mítica Starman de James Robinson, y aunque aún algo abigarrado por su clara vocación realista era el dibujante perfecto para una obra tan especial. El planteamiento estaba lleno de potencial, en un mundo muy parecido al nuestro, el único hombre con superpoderes de la Tierra (la capacidad de controlar a las maquinas) Mitchell Hundred, decida dejar atrás su carrera superhéroica y presentarse a las elecciones para alcalde de al principal metrópoli de nuestra era: Nueva York, consiguiendo ganar contra todo pronostico. El cómic se centraría en la primera legislatura de Hundred a la vez que daría respuesta a cuestiones como el origen y significado de sus poderes, su relación con la policía y el motivo por el que Hundred estaría solo una legislatura en el poder.

El comienzo de la colección fue espectacular, y no era raro verla en las listas de los mejores cómics del 2005 o 2006, incluso en sus inicios ganaría diversos premios Eisner siendo una de las obras más valoradas allende los mares, llegado el 2011, y tras un ritmo de publicación bastante irregular parece que nadie se acordaba ya de la colección que, perdido su impulso inicial estaba sumida en la más absoluta mediocridad.

¿Qué había pasado?, la respuesta es múltiple, por un lado Vaughan empezó a colaborar estrechamente en Perdidos lo que sin duda le quito tiempo para los cómics, al menos para este, ya que Y, the last man su otra gran obra, en la que Vaughan parece volcar mucho mas de si mismo que en Ex Machina no pego ese bajón (otra cosa es que de Y se pudiera esperar más). Por otro lado Vaughan, excelente en los planteamientos se mostró bastante timorato en las resoluciones, los conflictos éticos a los que Hundred como alcalde era sometido terminaban casi siempre en una solución de compromiso que hacía que la serie nunca se mojase ni en un sentido ni en otro, con lo que buscando complacer a todo el mundo, no complacía a nadie, con momentos que mostraban una cobardía atroz. Por último, los grandes misterios tras la serie, apenas si encontraban respuestas, se contestaban preguntas con más preguntas y no se daban pistas a un lector que ya empezaba a cansarse un poco de tanta parsimonia.

Así estaban las cosas, sin nadie que diera un duro por una colección que apenas si se mantenía por el trabajo de Tony Harris (especialmente brillante en las portadas) llego la última saga que debía poner fin a todo, Vaughan, consciente de que tenía mucho que responder, y que debía dar una final digno a una obra demasiado irregular pone toda la carne en el asador en una última historia, que no solo da respuesta a todas las preguntas formuladas al principio, si no que pega un desgarrador giro final que casi da otro sentido a la serie en su conjunto,

Cuidadosamente ejecutada, esta última historia, recuerda mucho más a los magníficos primeros números que no a la travesía por el desierto que ha sido el tronco central de la obra, con un Harris a su nivel (siempre alto, él, al contrario que el guionista no ha bajado la calidad de su trabajo en toda la serie), y con un Vaughan dispuesto a mojarse como nunca antes, la última historia de Ex Machina revela al fin el origen y propósito de los poderes de Hundred, a la par que nos muestra elementos nunca vistos de la personalidad de este y de alguno de sus principales colaboradores. De esta forma y vista en su conjunto el giro final de Ex Machina resulta creíble y hasta admirable por como encaja todo lo narrado en la colección, la visión global de la obra sigue siendo por fuerza irregular, sin embargo si tiene un final que es incluso más satisfactorio que el de Y, the last Man, obra en todo caso mucho más completa en su conjunto.

DC, mis etapas preferidas.

2011-08-12T08:05:00.065+02:00

Siempre ha comprado más cómics de Marvel que de DC, sobre todo porqué a los kioscos de mi pueblo, aún en el esplendor de la época de Zinco, el material DCita que llegaba era muy, muy escaso (casi solo retapados y algún especial), así las cosas mi conocimiento y lecturas de esta editorial es, en comparación con Marvel al menos, escaso, sobre todo del material pre-Crisis, pese a todo hay algunos personajes y grupos de los que si he leído lo bastante como para intentar hacer una lista de mis etapas favoritas, hoy empezamos con los dos principales iconos de la casa.

Batman: Personaje absolutamente fascinante, capaz de resistir mil y un interpretaciones distintas sin que eso le cause el más mínimo daño, Batman es con diferencia el personaje de DC del que más cómic he leído. Con Batman hay que tener en cuenta que muchos de sus grandes cómics (DK, DK2, Arkham Asylum...) no pertenecen a alguna de sus múltiples series regulares o incluso no están en continuidad, a esto se añade que otras grandes sagas (Año Uno, la mítica colaboración entre Englehart y Rogers) son tan cortas que no constituyen una etapa en si misma. Teniendo todo esto en cuenta hay varias etapas dentro de las series regulares que merecen la pena señalar.

Aquí empezaría por el Batman de Neal Adams, una autentica revolución gráfica en su momento que permitió al personaje alejarse del camp influido por la exitosa serie de TV de los 60 y que mostró el potencial del mismo como Señor de la Noche, algo atisbado ya en sus orígenes. Adams, uno de los dibujantes más influyentes de la historia del género, redefinió la imagen del personaje a múltiples niveles y su labor encontró más fuerza cuando fue acompañado por Denny O'Neil a los guiones, una breve pero intensa colaboración que además de traer consigo la creación de un personaje tan importante y carismático como Ra´s al Ghul (y su hermosa hija Talia), permitió que cada vez fuera más difícil imaginar al personaje con un enfoque que no fuera este.

Pasaría muchos años hasta la siguiente gran etapa del personaje (dejando a parte las ya mencionadas Año Uno y el trabajo de Englehart y Rogers), ya que para mi esta no llegaría hasta finales de los 90, con los guiones de Greg Rucka, Devin Grayson y Ed Brubaker al frente del hombre murciélago. La etapa que se iniciaría con Tierra de Nadie, y que parecía que sería una más de la “era de los croossovers” (multiplicados desde la exitosa, pero a mi parecer deleznable, Caída del Murciélago), empezó a crecer a partir de una adecuada caracterización de personajes, con especial hincapié en la relación en la relación entre Gordon y Batman y entre este y Wayne. Lo mejor que se puede decir de este ciclo (Tierra de Nadie-Agente Herido-Asesino-Fugitivo), es que el Batman, el Bruce Wayne que entró en el, es muy distinto del que salió, muy distinto y mejor, mucho más seguro de si mismo, de su doble identidad y de su misión, gran parte de los logros de esta etapa fueron después ignorados, tras el relanzamiento que supuso Crisis Infinitas y su consecuente One Year Later, pero ello no quita el que estemos ante una etapa magnifica que además generaría una de las colecciones más interesantes de DC en los últimos años: Gotham Central, escrita a medias por Greg Rucka y Ed Brubaker y dibujada por Michael Lark y Stefano Gaudinao, se centraba en la policía de Gotham, policía marcada por la corrupción, la presencia del murciélago y sus dementes enemigos.

Esta podría ser sin duda mi etapa preferida de Batman a nivel de las series regulares y lo sería...si no fuera por Grant Morrison, empezó suave, despacio, parecía querer revindicar alguno del los elementos más festivos del personaje, todo para poco ir construyendo un puzzle gigante que no solo busca integrar los 70 años de continuidad del personaje, si no que busca tornar a este en una fuerza mítica, una especie de representación del espíritu de la humanidad. La etapa esta todavía inconclusa, pero lo que ya se ha hecho hasta ahora me parece tan atrevido, tan bien planteado, que creo que sin duda esta será una de las etapas más recordadas de la historia del personaje, de momento es sin duda alguna mi preferida de todas cuentas he podido leer.

Superman: Bastantes menos cómics he leído del otro gran icono de la editorial, pero si suficientes para hacerme una idea de la trayectoria del mismo después de las Crisis en las Tierras Infinitas. Al igual que Batman, Superman también ha tenido diversas interpretaciones a lo largo de su historia, pero han estado más centradas en sus orígenes y entornos que no en la esencia misma del personaje, que ha permanecido desde hace mucho años bastante clara, con Superman como referencia clave del concepto de SUPERHÉROE, así en mayúsculas.

De las distintas etapas de Superman, uno puede ver, que pese a maniobras netamente comerciales (La Muerte de Superman y todo lo que rodeo) o enfoques erróneos (el Superman “eléctrico”), en el Superman de los 90 hay etapas interesantes, sobre todo en sus últimos años y principios del siglo actual, destacando autores como Joe Kelly, acompañado muchas veces del magnifico Pascual Ferry, Joe Casey, o Jeph Loeb, que con un gran Ed Mcguinness consigue hacer una etapa muy entretenida y relevante en la historia del personaje, y eso que fue Loeb el principal estandarte del regreso a elementos pre-Crisis (Kripto, Supergirl), algo que no termina de convencerme ya que no es el enfoque que más me gusta del personaje.

En época más recientes cabría destacar la labor de Geoff Johns, acompañado por dibujantes de la talla de Gary Frank o Adam Kubert que ha conseguido contar historias relevantes con el personaje, ha influido en su status quo, y ha conseguido demostrar que se pueden seguir contando buenas historias, dentro de la continuidad con el personaje, aunque con algo de arrogancia desde el punto de vista de que solo su Brainiac es el autentico Brainiac, o solo su Legión es la autentica Legión, también me parece muy interesante la visión que Brian Azzarello, acompañado de Jim Lee, diera del personaje hace unos años.

Sin embargo todas estas etapas (me dejo otras como la labor de Roger Stern en los 80), palidecen frente a la que para mi es la mejor etapa del personaje, la de John Byrne en solitario, situada inmediatamente después de las Crisis, Byrne tenía muy claro lo que hacer con el personaje y fue a saco, dando la que bajo mi punto de vista es la versión definitiva de Superman. Para empezar, Superman es realmente el último hijo de Kripton, no hay más supervivientes, ni primas, ni perros, ni ciudades embotelladas, Superman sabe que perdió su mundo, sabe que pese a que ha sido educado como humano, pese a que tiene una familia humana, en cierto sentido esta solo en el Universo, en segundo lugar Superman no fue tal hasta la edad adulta, nunca fue Superboy, ni tuvo aventuras juveniles por Smalville, esto crearía infinitos problemas de continuidad, pero redunda en beneficio de la individualidad e importancia del personaje, en tercer lugar Superman sería poderosos, si, muy poderoso, pero no un Dios intocable que camina sobre la Tierra y frente al que nada, ni nadie pueden suponer una amenaza real. A todo esto hay que unir claro un Byrne en estado de gracia, tanto argumental como artísticamente que sin embargo terminaría dejando el proyecto ante el temor que se desato en DC por lo revolucionario de sus planeamientos.

El enfoque de Byrne tuvo muchos enemigos desde el principio, muchos le acusaban de “marvelizar” al personaje al hacerlo más vulnerable y de debilitarlo al quitarle gran parte de su folklore, (Supergirl, Kripto, Superboy, La Legión de Superhéroes), personalmente y aunque esto pueda ser cierto, yo, lejos de verlo como un defecto lo veo como una virtud que hace al personaje más interesante en su soledad y más complejo en su funcionamiento. Con todo a día de hoy, y sobre todo desde el ya mentado trabajo de Jeph Loeb de las ideas planteadas por Byrne apenas si queda nada, sin embargo eso no quita que esta etapa marcara a fuego al personaje, y muchos, entre los que me incluyo, la vean (veamos) como la etapa definitiva de Superman.

V de Vendetta en el cine y en el cómic, una visión personal.

2011-08-10T09:44:00.000+02:00

Hoy la mascara de V se ha convertido en todo un símbolo de lucha de unos ciudadanos hartos de estar en manos de unos “mercados” a los que nadie ha elegido, y que sin embargo se han tornado en algo así como dioses intocables a los que hay que hacer sacrificios en forma de derechos sociales, V de Vendetta tanto en el cómic como en el cine habla de la rebelión, de la búsqueda de la libertad, pero ¿de que libertad estamos hablando?

V de Vendetta es uno de mis trabajos favoritos de Alan Moore, y lo es ya que en gran medida pienso que es un trabajo “distinto” en su producción, V me parece un cómic absolutamente pasional, tal vez por decirlo de alguna manera estemos ante el trabajo más “milleriano” del británico. Lejos de la perfección que casi llega ahogar de Watchmen o del cariz investigador, universalista y también algo agobiante de From Hell, V me resulta un cómic escrito con una fuerza y energía inusitada para un guionista tan cerebral.

Lo llamativo de todo esto, es que V se trata ante todo una muestra clara del pensamiento político de Moore (al igual que Promethea, menos pasional pero también muy interesante, lo pudiera ser de su punto de vista mágico-religioso), lo que tal vez podría implicar una necesidad más explicativa y racional, no tan salida del corazón como, al menos a mi, resulta esta obra. Sin embargo esa pasión, esa energía que Moore vuelca en este cómic (algo en lo que influye mucho David Lloyd, mucho más “libre” por así decirlo que Gibbons por ejemplo) hacen que V me resulte un obra vibrante, de lectura ágil, que casi se devora de principio a fin, algo que claro, no me sucede con Watchmen o From Hell que requieren una lectura mucho más reposada y también dilatada en el tiempo.

Ahora que la mascara V se ha convertido en todo un símbolo contestatario, de rebeldía contra el poder establecido, me gustaría saber realmente si ese símbolo proviene más del cómic o por contra sale de la película. Una película, que personalmente encuentro muy interesante, pero que es evidente que reniega de las bases sobre las que se asienta el cómic, bases tal vez demasiado radicales para un producto tan claramente dentro del show-business hollywoodiense como fue el film.

El discurso sobre el que se asienta el cómic es radical, y no tiene demasiados matices: nadie esta por encima de nadie, nadie puede dar ordenes a nadie y nadie tiene que ser un líder de nadie, anarquía en estado puro frente a un estado fascista en estado puro, la película por contra busca la lucha contra ese mismo estado fascista (no tan puro, o al menos no tan opresivo como el del cómic), pero lo hace no con el opuesto objetivo al mismo, esto es la anarquía, si no con la lucha de un pueblo por la libertad. En ese sentido V en el cómic no busca liberar a nadie que no sea el mismo de la opresión, no intenta ser un héroe, sus actos traerán como consecuencia el fin de un estado totalitario, algo que quiere solo en la medida que este trata de imponerse por encima de él mismo, el V cinematográfico se torna en héroe más convencional que busca con sus acciones y su sacrificio traer la libertad a su gente, convirtiéndole en una suerte de mesías, de líder libertario; la película no podría ser más opuesta al cómic aunque quisiera.

Sin embargo como decía la película no me parece mala y creo que el contraste con la obra de partida la hace funcionar muy bien de manera independiente, es cierto que falla estrepitosamente a la hora de mostrarnos el poder represor del estado, lo que podría restar fuerza a la rebelión de V, sin embargo si creo que hace funcionar la idea de que el pueblo puede levantarse contra un gobierno injusto, no como individualidad, si no como colectivo, lo que de nuevo crea una interesante diferencia con el cómic que hace que en definitiva estemos ante dos puntos de vista muy distintos frente a un mismo tema, la lucha por la libertad, pero una libertad entendida de maneras muy, muy distintas.

En ese aspecto si resulta curioso observar como, en lo que si parecen coincidir tanto el cómic como la película es en la justificación de la violencia (¿terrorista?) para obtener esa libertad frente a un estado opresor. Si uno mira la historia se puede dar cuenta de que, aunque existen ejemplos de revoluciones y luchas pacificas que incluso han tenido éxito, la mayoría no son así y el hombre aparece casi siempre como un animal violento, (no solo desde un punto de vista físico, claro esta) que solo puede cambiar de verdad ejerciendo la misma. Es una reflexión bastante dura, y la verdad es que no se realmente que pensar al respecto, pero enlazando con la situación actual, y con el símbolo en el que se ha tornado la mascara de V no puedo dejar de preguntarme, ¿puede haber cambios reales sin recurrir a la violencia?, me gustaría pensar que si, de hecho estoy convencido de que se puede hacer, como decía antes hay ejemplos de ello, sin embargo si es cierto que es un camino arduo y lleno de baches, veremos donde termina todo esto, de nosotros depende recuperar un poder que tal vez nunca debimos entregar.